Akelo

Nato nel 1967 nella città di Corchiano, una quarantina di chilometri a nord di Roma, Andrea Cagnetti è cresciuto  vicino la dove si ritiene che si trovino le antiche terre etrusche di Fescennia. Dopo essersi specializzato in studi scientifici presso la scuola secondaria statale di Ronciglione, Cagnetti si trasferisce a Roma, dove lavora come artista grafico e contemporaneamente si dedica allo studio dell'arte e della scienza degli antichi orafi.

Oltre allo studio incessante delle fonti tradizionali, Cagnetti iniziò anche a esplorare i trattati alchemici. Un primo incontro con il libro dell'alchimia del diciassettesimo secolo Silent, (Mutus Liber) e il suo convincente comandamento di "pregare, leggere, leggere, leggere, rileggere, lavorare e troverai" ha spinto Cagnetti a continuare a leggere tutti gli argomenti scientifici, metallurgici, e i testi orafi, dall'antico al contemporaneo, che riuscì a trovare.

Con incredibile versatilità, Andrea Cagnetti si sposta facilmente dal banco dell'orafo alla fonderia e allo scalpello, incarnando così completamente l'ideale dell'uomo rinascimentale proiettato nel nuovo millennio. In questi ultimi anni, il suo lavoro è ampiamente esposto in tutto il mondo e i suoi pezzi sono diventati parte delle collezioni permanenti di numerosi musei. Attualmente risiede a Corchiano dove continua a perseguire le sue attività creative.

ALETTO BROTHERS

La storia della casa Aletto comincia alla fine del 19° secolo a Napoli, quando ad Alfredo Aletto venne commissionata una speciale creazione di gioielleria per l'inaugurazione della torre Eiffel all' esposizione universale di Parigi.

Alfredo dedicò la sua vita all'arte e alla creazione di gioielli per la sua rinomata clientela, immergendo se stesso in tutti gli aspetti della lavorazione, incluso il disegno, l'incisione e l'incastonatura delle gemme.

Nel 1964 la famiglia si trasferisce a New York, dove apre un negozio nella 47th Street.

Nel 1985 Alfredo passa la mano ai suoi tre figli, Alberto, Luigi e Mario. Alberto, il più anziano dei tre era già desideroso di seguire le orme del genitore, lo aveva affiancato già da 11 anni e, adesso fa da mentore ai due fratelli più giovani.

Dopo tutto sono anche  amici, artisti e partner commerciali. Insieme i tre fratelli si impegnano per far progredire l'azienda, e acquisiscono sempre maggior importanza sul mercato Americano.

Cinque generazioni dopo , da Napoli a Caracas e New York aprono la loro sede definitiva a Boca Raton in Florida: Questo piccolo negozio è il luogo di nascita di una serie di stupenti tesori di creazione orafa con una interpretazione particolare di moderno classicismo.

Aletto Brothers è famoso per l'uso della tecnica detta "serti invisible" incastonatura invisibile, ancora oggi producono bellissimi pezzi usando le stesse tecniche innovative dei loro esordi. Come maestri artigiani, gli Aletto si tramandano i segreti della loro maestria di generazione in generazione da                                                            molti anni.

Destinata ad essere uno dei designer più singolari di Fabergé, Alma Phil nacque a Mosca, figlia di Knut Oscar Pihl, direttore del laboratorio Fabergé a Mosca e nipote di August Holmström, il disegnatore principale di Fabergé. Dopo la morte di suo padre, la madre di Alma trasferì la famiglia nella casa dei suoi genitori a San Pietroburgo. Qui Alma studia disegno con Eugen Jakobson (1877-1940) artista designer per Fabergé. Le lezioni di disegno che frequentò diedero alla talentuosa Alma la possibilità di ottenere un lavoro con suo zio Albert Holmström come tirocinante nelle officine Fabergé. Il suo compito era quello di documentare gli articoli prodotti in officina realizzando un disegno dettagliato a grandezza naturale dell'articolo, documentando le pietre preziose e gli altri materiali utilizzati e annotando il costo.

Nel suo tempo libero molto limitato, iniziò a fare schizzi di design che alla fine attirarono l'attenzione dello zio Albert. Così colpito dalla loro bellezza, il laboratorio produsse anche i suoi disegni insieme agli altri. Così divenne la prima designer donna di Fabergé. Per fortuna, un ricco cliente della maison, il dott. Emanuel Nobel dell'Impero del petrolio Nobel, chiese una serie di 40 spille da distribuire come regali ai suoi clienti e ospiti, il requisito era che fossero "di poco valore" nei materiali per non essere visto come una corruzione. L'area di lavoro di Alma vicino a una finestra che Madre Natura aveva dipinto con cristalli di ghiaccio gelido doveva fornirle l'ispirazione per queste spille, così come gran parte del suo lavoro di progettazione successivo. Ricreare questi disegni scintillanti in oro con montature in lega di platino-argento punteggiate di diamanti con taglio a rosa si rivelò un grande successo per il cliente, tanto che successivamente ordinò molti altri gioielli con lo stesso motivo.

Alma salì alla ribalta come designer di Fabergé e fu scelta per progettare i regali gioiello ispirati alla dinastia per il 300 ° anniversario della famiglia Romanov nel 1913. L'imperatore ordinò questigioielli secondo le sue specifiche per distribuirli ai suoi illustri ospiti. Le fu anche affidato il compito di creare l'uovo di Pasqua a tema invernale da presentare all'imperatrice madre Maria Feodorovna. L'uovo d'inverno è considerato il più prezioso di tutte le 50 uova imperiali. L'esterno a tema ghiaccio si apre per rivelare un cesto di fiori in platino pieno di anemoni di legno bianco scolpiti in quarzo bianco, con centri di granato demantoide e foglie di nefrite in cima a un nido di muschio marrone dorato. Nel 1914 le fu nuovamente chiesto di progettare un uovo di Pasqua, questo per Alexandra Feodorovna, moglie di Nicola II. L'imperatrice era un'appassionata ricamatrice come la suocera di Alma. Guardando la suocera cucire una sera, fu colpita dall'ispirazione per quest'ultimo uovo. Producendo due spille come prototipi, l'uovo è stato progettato come una maglia di platino, punteggiato da gemme quadrate con taglio calibrato per rappresentare le cuciture. Il “trucco” all'apertura dell'uovo era un medaglione decorato da un dipinto a smalto dei profili dei suoi cinque figli, circondato dauna cornice di perle e demantoidi sormontata da una corona in cima a un supporto di un'urna.

Uovo di Pasqua ispirato al ricamo per l'imperatrice Alexandra Feodorovna, 1914. Alma Phil, designer per Fabergé.
Foto per gentile concessione di The Royal Collection Trust.

FONTI
Tillander-Godenhielm, Ulla. Gioielli dell'Imperial St. Petersburg, Londra: Unicorn Press Ltd. 2012.
Weir-de La Rochefoucauld, Giulietta. Women Jewellery Designers, Suffolk, Regno Unito: ACC Art Books, 2017.

ASCIONE

Fondata nel 1855 a Torre del Greco da Giovanni Ascione, la ditta Giov.  Ascione e figlio, distinta dal marchio di fabbrica  «NA-5» è oggi la più antica manifattura operante nel settore della lavorazione del corallo, del cammeo su conchiglia, della madreperla e delle pietre dure.

Nata come impresa familiare per la trasformazione del corallo grezzo in prodotto finito, l’azienda ha conservato questo suo carattere, distinguendosi nel tempo per la capacità di ricercare innovazione e diversificazione del prodotto offerto, con cataloghi di vendita che hanno sempre coniugato l’oggettistica più corrente e seriale (bigiotteria, souvenir, ninnoli) con le esclusive realizzazioni in corallo, conchiglia e tartaruga.

In questa produzione, seguendo le tendenze del gusto e della moda, è possibile riconoscere nel corso degli anni i grandi stili che caratterizzarono la gioielleria; dal naturalismo al revival ottocentesco, dal liberty all’art dèco per finire alle più recenti ricerche legate all’arte informale e optical. Nel 1871 la ditta Ascione avvia un’intensa collaborazione con Giacinto Melillo.

Una conferma dell’apprezzamento internazionale per il livello qualitativo espresso dalle manifatture Ascione è data dalla sua presenza non sporadica delle sue realizzazioni sul mercato Londinese degli anni novanta dell’ottocento.

In particolare cammei in corallo sono richiesti da Carlo Giuliano, per adattarli alle sontuose montature in stile «archeologico». E’ proprio di quegli anni (1882) l’apertura in Riviera Chiaia 288, di un negozio Ascione di vendita diretta, cui si aggiunge poco dopo un’incredibile iniziativa commerciale per quei tempi: la diffusione internazionale di cataloghi in inglese, oltre che in italiano, che consentono ordinazioni e consegne a mezzo posta.

Nella ditta crebbe rapidamente il numero di artigiani impiegati fino a raggiungere, alla fine del secolo, le cinquanta unità. Nel 1902 la vendita al dettaglio è anch’essa traferita a Torre del Greco, presso la nuova sede dell’azienda in Strada Santa Croce n. 2 ( oggi via B. Vincenzo Romano n. 6).

La ditta ottiene in quel periodo di fregiare il marchio degli stemmi di casa Savoia, con due diversi brevetti: il primo del 1875 (Vittorio Emanuele II) il secondo del 1905 ( Vittorio Emanuele III). Nel 1938 in occasione della visita a Torre del Greco della principessa Maria Josè, Giuseppe Ascione, le offre in dono un prezioso sautoir realizzato con una particolare tecnica di tessitura «a crochet» di minuti grani di corallo.

Nel secondo dopoguerra, l’ingresso in azienda di Giovanni favorisce un’ulteriore sviluppo alla società chi si dedica alla realizzazione di arredi sacri, con committenti di sicuro prestigio.

Una menzione meritano: il reliquario per l’urna che raccoglie le spoglie di San Gennaro; il reliquario di San Paolo a Rabat, Malta; il «razionale» (ornamento liturgico portato dai vescovi) nel museo dell’abbazia di Montecassino; il prezioso ostensorio in argento cesellato, con coralli malachite,lapislazzuli e smalto, donato alla chiesa di Sant’Antonio a Brancaccio in Torre del Greco; il trittico scultoreo della «Madonna di Loreto con Angeli » del 1964, per l’abside della cappella dell’accademia aeronautica di Pozzuoli, grazie alla quale l’azienda detiene il primato per il lavoro in madreperla policroma più grande del mondo ( altezza  3,20 metri).

Il primo riconoscimento ufficiale alla casa giunse nel 1865, con l’assegnazione della medaglia d’oro all’Esposizione internazionale di Oporto, seguita  nel corso dell’ Ottocento e del Novecento da numerosi altri premi ottenuti in molte Esposizioni Nazionali e Internazionali alle quali la Giov. Ascione & Figlio è stata invitata a partecipare.

Dalla fine degli anni ottanta l’azienda è guidata dai cinque figli di Giovanni Ascione. Nel 2001 ha aperto a Napoli, proprio di fronte al teatro San Carlo al primo piano della Galleria Umberto I, un negozio con uno spazio museale dedicato alla lavorazione del corallo e ad alcuni esemplari storici dell’azienda.

Fondato nel 1781

Stimato gioielliere inglese, William Asprey fonda la Maison Asprey nel 1781.

Nel corso del secolo precedente, i suoi antenati fuggirono dalla persecuzione religiosa degli ugonotti in Francia, poi si stabilirono in Inghilterra, dove portarono la loro conoscenza nella lavorazione della pelletteria,”Leatherworking” tradizionale, l'orologeria e la lavorazione dei metalli. In un primo momento, William si specializzò nella fabbricazione di piccole scatolette in pelle per il trasporto della toiletteria da signora.

Nel 1859, acquisisce una società dotata di un brevetto reale “un Royal Warrant” per fabbricare valigette in pelle per la regina Vittoria.

Diversi anni dopo, nel 1862, Asprey vinse la sua propria Royal Warrant sulla base del suo lavoro premiato al London's International Exhibition. Nel corso del ventesimo secolo, l'azienda espande la sua attività notevolmente , ottenendo ulteriori riconoscimenti reali come orafo, argentiere e gioielliere.

Nel 1930, il negozio si trasferì in New Bond Street. Attualmente, Asprey ha sedi a Londra, New York, e in tutto il Medio Oriente e Asia. La sua clientela comprende reali arabi, inglesi, così come vari capi di stato.

Louis Aucoc 1850- 1932

Louis Aucoc era un famoso gioielliere francese del secolo XIX, lui stesso proveniva da una famiglia di orafi di grande tradizione. Nel 1877 comprò la società parigina "Lobjois" e gli assegnò il nome "La Maison Aucoc."

L'impresa eccelse per mezzo della personalità vincente di Aucoc e la sua grande abilità di orafo ed esteta raffinato. Nei gioielli non fu particolarmente innovativo, ma la maison divenne comunque popolare e conquistò una buona posizione nelle tendenze di moda della gioielleria parigina .

Aucoc è stato anche un leader nel settore della gioielleria.  Dal 1895-1908  è stato presidente della Chambre sindacale de la Bijouterie-Joalerie-Orfevrerie.

I suoi pezzi Art Nouveau erano sempre molto apprezzati. Pezzi squisiti, finemente cesellati , con smalti di elevata qualità e diamanti incastonati ad arte.

Dal 1876-1878 René Lalique, che in seguito divenne un leader del movimento Art Nouveau, fece l’apprendista proprio nella bottega di Aucoc.

"La Maison Aucoc" partecipò a importanti rassegne internazionali.

Dopo che Lalique lasciò la società e si affermò come leader nella progettazione, Aucoc Landois collaborò con altri designer e creò gioielli nello "Stile Lalique."Poco dopo Aucoc andò in pensione e gli affari furono gestiti dal fratello, che sviluppò la sua passione per l’argenteria. L'azienda ha continuato a partecipare, ma non ha competere, alla Mostra Internazionale di Milano, prima della morte di Aucoc a Parigi nel 1932

Tra il 1814 e il 1820 rimontò i gioielli di Napoleone per Luigi XVIII e nel 1821 termino' l'esecuzione della corona e della spada per l'incoronazione di Carlo X.

In seguito agli eventi del 1848, la nomina di gioielliere di corte fu abolita, ma la famiglia Bapst proseguì l' attività sotto la direzione di Charles, al quale si unì anche il nipote Alfred, figlio del fratello Constant, prendendo il nome di "Bapst et neveau".

Quando Charles Bapst morì nel 1871, gli affari furono diretti da Alfred e da due suoi cugini. Alfred Bapst fu gioielliere e disegnatore di grande talento e a lui va il merito di aver rimontato la maggior parte delle parure dell' imperatrice Eugénie.

Alla sua morte, nel 1879, il figlio Germain si unì in società con Lucien Falize, mentre Jules e il figlio Armand fondarono, insieme con Paul Bapst, una nuova casa nel Faubourg Saint-Honorè ed esercitarono la loro attività commerciale con il nome di "J et P Bapst et Fils".

BELAIS

I fratelli gioiellieri Belais sono stati tra i primi a usare l'oro bianco in gioielleria negli Stati Uniti. Hanno lavorato alla fine del 19 ° e l’inizio del 20 ° secolo, iniziarono i loro esperimenti con leghe di oro bianco e presentarono la formula finale per il commercio nel 1917. Hanno ottenuto un brevetto sul processo verso il 1920.

Suzanne Belperron 1900-1983

Suzanne Belperron è stata un simbolo parigino nei gioielli di design, insistendo nel motto "il mio stile è la mia firma ".

I suoi gioielli incarnavano l'eleganza sensuale e un fascino intellettuale, attirava la maggior parte delle persone che lavoravano nel mondo del cinema e dello spettacolo.

Fino al 1960 non ha mai firmato un pezzo, diceva che il suo lavoro era così distintivo che il gioiello stesso era la sua firma. Le sue opere possono essere identificate dal marchio di Darde et Groene, che ha prodotto anche i suoi disegni; inoltre molti dei gioielli che ha fatto in collaborazione con Bernard Herz, sono firmati "Herz-Belperron".

Tuttavia, ci vuole un occhio allenato e molta accortezza per identificare un suo gioiello non firmato poiché quasi niente è rimasto del suo archivio.

Le sue opere sono immensamente rare sul mercato. Belperron era una persona molto riservata, bruciò tutte le sue carte personali, le fotografie, il suo archivio e, dopo anni di oscurità, solo recentemente è stata riscoperta.

Suzanne Belperron nacque nel 1900 vicino al confine svizzero, lasciò il suo villaggio in giovane età per studiare presso l'Ecole des Beaux Arts di Parigi. Mentre si trovava là, divenne amica di Germaine Boivin, figlia di René Boivin, il quale morì giovane e la cui eredità creativa fu portata avanti da sua moglie Jeanne.

Nel 1923 Belperron si fece assumere da Boivin come designer di gioielli, il rafforzamento della partnership femminile diede ancor più impulso all’idea che le donne avrebbero potuto fare tutto quello in cui credevano, idea questa che Suzanne prese in pieno dal credo del movimento delle suffragette americane.

Nel 1933 lasciò la Maison Boivin per associarsi al grande grossista di perle Bernard Herz, che offrì alla Belperron una totale libertà artistica. Sotto Herz, Belperron ottiene un grande successo guadagna il seguito dell’elite.

I suoi clienti erano affascinati dalle forme ondulate, dalle insolite grandi pietre che lei incorporava nei suoi gioielli, mettendole sempre come protagoniste in primo piano; Belperron spesso disegnava i gioielli per soddisfare la natura di un particolare cliente.

Era completamente in sintonia con quello che cercavano in quel momento le generazioni più giovani, mescolando le pietre preziose e semipreziose all’interno del disegno sinuoso e sensuale, senza mai produrre un gioiello piatto. I suoi disegni erano molto fantasiosi e ricchi di personalità, traendo ispirazione dalla natura e dalle culture del mondo esotico.

Fieramente indipendente e ostinata insisteva a che i suoi clienti venissero di persona nel suo piccolo negozio in Rue de Chateaudon. Elsa Schiapparelli, che apparve nel 1933 in un numero di Vogue indossava gioielli Belperron, era una dei suoi molti clienti importanti con Fred Astaire, Frank Sinatra, la duchessa di Windsor, e Colette.

Un esempio del lavoro di Belperron può essere visto in una collana e un paio di bracciali a cerchio commissionati dal duca di Windsor per la moglie. La collana è composta di un doppio filo di perle di calcedonio con un fermaglio a forma di fiori.

Il fiore a cinque petali è incastonato con cabochon di zaffiri al centro da cui emergono raggi di diamanti che raggiungono i petali di calcedonio intagliato. La costruzione articolata dà la libertà di movimento ai petali che possono essere intrecciati singolarmente, tutto questo dà la sensazione di un fiore vero e proprio. I braccialetti in coordinato hanno la forma di polsini veri e propri, ciascun composto di due bande di calcedoni azzurri scolpiti con una fila di sfere di calcedonio blu sormontato da zaffiri cabochon. I diamanti sono utilizzati come punti di brillantezza al disegno monocromatico.

Durante la Seconda Guerra Mondiale Bernard Herz fu internato e Belperron andò alla Tiffany & Co, come disegnatrice e progettista per l’America.

Belperron era comunque determinata a restare a Parigi e collabora con il figlio di Herz Jean nel fondare una nuova azienda chiamata Herz-Belperron.

L'azienda rimase aperta avendo anche grande successo fino a quando la Belperron andò in pensione nel 1974, continuando solo a fare pezzi commissionati come regali. I suoi disegni continuano a essere prodotti a Parigi e venduti da Verdura, ma i suoi pezzi originali sono ancora un piacere raro.

Black, Starr & Frost

Founded 1810

Black, Starr & Frost è uno dei più antichi marchi di gioielli operante in America. Fondata nel 1810 da Erastus Barton e Frederick Marquand, fu originariamente chiamata Marquand e Barton e venne aperta nel quartiere di Maiden Lane a New York.

L'azienda ha cambiato soci numerose volte, e spesso anche la sua locazione, secondo come si spostava la sua importante clientela portando con sé un mix eclettico di lampade, gioielli, porcellane, dipinti, e altri oggetti artistici.

Nel 1876 l'azienda si trasferì al 251 della Fifth Avenue, cambia nome in Black, Starr & Frost concentrando la sua offerta su gioielli e oggetti in argento, alcuni prodotti in casa, altri importati dall'Europa.

Quello stesso anno la Black, Starr & Frost fu invitata ad esporre all'Esposizione del centenario di Filadelfia insieme a Tiffany & Co., Whiting, e Gorham.

La Black, Starr & Frost ed il negozio della Gorham Company, situato fra la Fifth  Avenue e la Forty-seventh Street, si fusero durante la crisi finanziaria del gennaio 1929, allo scopo di raggruppare la clientela a beneficio di entrambi.

Costituirono così la Black, Starr & Frost - Gorham, Inc., la cui sede era nei nuovi locali della Black, Starr & Frost all' angolo della Fifth Avenue con la Forty-eight Street. L' azienda era associata altresì alla Spaulding.

Nel 1939 l'impresa è stata una delle sole cinque aziende americane invitate a esporre alla New York World's Fair , dove mostrarono gioielli scultorei di grandi dimensioni ispirati alla linea Art Deco del periodo.

Nel corso di questi decenni Black, Starr & Frost è stato considerato una delle grandi case di gioielleria americane.

Anche se non è mai stata una vera innovatrice, l'impresa tuttavia produsse gioielli raffinati nello stile di ogni epoca. Nel 1962 l'impresa si associa di nuovo, questa volta con Marcus & Co.

Negli ultimi anni l'azienda è stata acquistata da Alfredo Molina e ha chiuso il suo quartier generale di New York, il flagship store corrente è ora in Costa Mesa, California.

Boivin

Founded 1890

René Boivin, un esperto orafo e incisore, apre la sua bottega di gioielli nel 1890 e fonda la maison Boivin. Il suo matrimonio con Jeanne Poiret nel 1893 è stato fondamentale per il suo successo nel settore della gioielleria questo perché Jeanne era una partner esperta e aveva numerosi collegamenti con la moda d'elite a Parigi.

Il fratello di Jeanne, Paul Poiret era il più famoso couturier di Parigi e influenzò Boivin con il suo gusto per i disegni esotici dell'Oriente e del Medio Oriente. La Boivin aprì una serie di workshop, creandosi una reputazione per i disegni creativi che ha catturato l'essenza della bellezza in movimento.

Insieme i Boivin crearono favolosi disegni caratterizzati dai loro temi distintivi: linee eleganti, ed elementi tremblant. Incluso fiori, frutta e fauna.

Nel 1905 Boivin aveva così tante ordinazioni che non aveva più bisogno di produrre pezzi per le altre imprese, la sua fedele clientela d’elite provvedeva a soddisfare tutta la domanda.

Il lavoro prodotto da Boivin intorno al volgere del secolo non era esattamente innovativo, ma è stato sapientemente costruito e progettato. L'impresa è stata particolarmente nota per i suoi pezzi floreali prodotti con grande realismo.

René ha respinto il popolare stile del momento, l’Art Nouveau, e ha invece creato pezzi ispirati alla cultura e ai design egiziani, siriani, persiani, alcuni dei suoi pezzi più avventurosi sono stati il "bestiario" composto da realistiche miniature mitologiche di animali fantastici.

Tuttavia questi pezzi erano avanti il loro tempo, che sarebbe andato di moda durante il periodo Dèco. Molti dei pezzi non sono mai stati venduti e sono stati smontati per utilizzare i loro elementi in altri disegni.

René Boivin morì nel 1917 e sua moglie Jeanne e la figlia Germaine assunsero il controllo del business. Questo era un fatto unico, come designer le donne erano estremamente rare nel settore dei gioielli.

Jeanne assunto Louis Girard per la gestione del negozio e ha cercato altre donne designer per l'azienda. Tra queste designer era inclusa anche la già famosa Suzanne Belperron fino al 1931, Juliette Moutard, che è stata con l'azienda fino alla metà degli anni settanta e la figlia Germaine Boivin che aveva riscosso grande successo e esposto i suoi progetti innovativi in ​​numerose mostre internazionali negli anni '30 e '40.

Jeanne trasferì la maison di gioielli sulla prestigiosa avenue de l'Opéra. Simile a suo marito, Jeanne è stata attirata dalle pietre colorate, utilizzando combinazioni di colore per creare fantasiosi gioielli magnifici da sottoporre alla ricercata elite culturale europea. Sotto Jeanne Boivin, la Maison Boivin produce gioielli innovativi con movimenti che non erano solo gioia per gli occhi, ma anche per il tatto.

Il nome Boivin è conosciuto soprattutto per i pezzi creati da queste donne. I pezzi non sono mai stati firmati, ma i gioielli erano talmente particolari da essere riconosciuti dalla loro raffinata clientela.

Intorno al 1930, l'azienda inizia a creare corposi pezzi di grande dimensione con temi esotici e materiali che divergevano dallo stile Art Deco popolare all'epoca. Jeanne Boivin reintroduce lo stile barbarico, su braccialetti e orecchini che diedero la fama a suo marito decenni prima, con grande successo.

Spesso questi braccialetti avevano enormi motivi meccanici, altre volte erano in stile assiro. Era utilizzato quasi solo l’oro giallo. Rubini, zaffiri e smeraldi erano evitati a favore di gemme semi-preziose come citrini, acquamarina, e topazio, onice, cristallo di rocca, e lapislazzuli, così come i materiali più inusuali come l'ebano, il legno di sandalo, e la pelle di tigre.

Il team di progettisti Boivin produsse anche gioielli di gusto naturalistico, e disegni floreali con orchidee. Animali e forme di vita marina erano raffigurate spesso e con grande realismo, come lo erano creature mitologiche come gli angeli, sirene, e unicorni. Queste creazioni, e la loro qualità scultorea, erano innovativi. Jeanne ha avuto anche il merito di armonizzare i suoi disegni di gioielli con le ultime novità della moda e di creare gioielli realizzati per la donna moderna impegnata.

La clientela Boivin includeva artisti, intellettuali e personaggi della società come Sigmund Freud, Edgar Degas, e Louise de Vilmorin, così come star del cinema e i reali di tutta Europa. Per questo motivo, Boivin s’immaginava il "gioielliere dell'intellighenzia."

La maison ha presentato i suoi lavori in mostre selezionate, tra cui la fiera Mondiale di Parigi del 1937 e del 1947 e alla mostra dell'Istituto francese di Arti Decorative.

Poiché non ha mai pubblicizzato e ha rifiutato di occupare una posizione con vetrina al piano terra, al pubblico è stato raramente fatto conoscere il nome o il lavoro di Boivin. In questo modo, l'azienda è stata in grado di mantenere la sua esclusività nella fascia alta del mercato.

L'azienda Boivin è passata di mano più volte nel corso del 20° secolo. Dopo la morte di Jeanne Boivin nel 1959, la figlia Germaine ha preso il controllo.

Nel 1976 le sorelle Boivin vendettero la società a Jacques Bernard, un designer che aveva collaborato con l'azienda dal 1964. La ditta è stata nuovamente venduta nel 1991 ad Asprey.

Boivin continua a produrre gioielli finemente realizzati nei motivi tipici del suo fondatore.

Boucheron

(Fondata nel 1858)

Importante maison di gioielli francese. Prima di aprire il suo negozio di gioielli nel 1858, Frédéric Boucheron lavorò come apprendista presso la casa parigina, alla moda, di gioielli Deschamps.

Quando Deschamps andò in pensione, cercò di scoraggiare Frédéric a entrare nel commercio dei gioielli, ritenendolo "non tagliato per fare il titolare di un negozio." Tuttavia, Boucheron perseverò.L'impresa da lui fondata, Boucheron, è diventata una delle più importanti case di gioielli dei nostri tempi.

Anche se ha cominciato con un piccolo capitale e una quantità minima di gioielli, Boucheron rapidamente attirò l’attenzione dei personaggi che dettavano la moda a Parigi. 

Tra le sue specialità vi erano lacci in metallo e oro impreziositi da diamanti , diamanti incisi (rari ancora oggi) e il delicato smalto plique-à-jour . Le gemme da lui utilizzate sono state accuratamente selezionate per colore e qualità. Boucheron, è diventata una delle più importanti case di gioielli dei nostri tempi.

Anche se Boucheron competeva con i maggiori orafi concorrenti, come André Massin, questi lodavano i suoi gioielli per la loro "maestria impeccabile." I gioielli che Boucheron realizzava erano, disse,degli oggetti che "ben pochi dei suoi colleghi avrebbero osato fare al momento."

L'azienda quindi sviluppò una clientela fedele e crescente. Tra i suoi clienti vi era la Tiffany and Company . Nel 1867,Boucheron vinse un Gran Premio per la gioielleria a Parigi all’Exposition International per alcuni gioielli realizzati con il gusto del revival archeologico e Luigi XVI.

 

Nel 1876, il governo francese insignì Frédéric Boucheron con la Legion d'Onore per i suoi gioielli. Riconoscimenti da esposizioni internazionali sarebbero poi seguiti  per i prossimi cinquant'anni.

Frédéric non li avrebbe visti tutti. Morì nel 1902, lasciando la ditta a suo figlio Louis. L'azienda era in ottimo stato finanziario.

Nove anni prima, nel 1893, Boucheron aveva preso posto al 26 di Place Vendôme, a Parigi. Entro la fine del secolo, l'azienda aveva un nome  riconosciuto a livello internazionale, e un buon capitale per aprire filiali a Londra e New York. Nei primi anni del 1930, l'azienda espande la sua presenza in Medio Oriente e Sud Aamerica

Fred e Gérard Boucheron,i figli di Louis, portarono letteralmente la gioielleria di Boucheron in tutto il mondo, offrendo anche un servizio di visione privata per clienti importanti.

Come il XX secolo, iniziò il suo corso, l'azienda s iera già posizionata all'avanguardia della moda.Produsse squisiti gioielli  Art Nouveau, Belle Epoque, e pezzi Art Deco.Durante il 1930 e '40, Boucheron rese popolari le clip smontabili per vestito,che possono essere indossate separatamente o combinate in un unicopezzo,a seconda del vestito o anche dell’umore.

Come gli altri durante il periodo Retro, i suoi progettisti fecero ampio uso di motivi tridimensionali, di catene flessibilie nappine .

Nel 1962, il controllo della società passò al figlio di Gérard, Alain. Sotto la sua direzione, l'azienda   ha ripreso i materiali che aveva utilizzato agli inizi del secolo: cristallo di rocca,quarzo, corallo, legno, turchese.

Nel 1970 e '80, i progettisti di Boucheron erano desiderosi di mescolare tali materiali con diamanti e altre pietre preziose per creare pezzi grandi, impressionanti.

In questi tempi, la ditta realizza oggetti con gemme multicolore, con un carattere spesso spumeggiante. Linee geometriche, nappe, elementi di design della maglia da parte della ditta del passato, si combinano con elementi di design moderno. La sua fama di insuperabile qualità e design continua.

 

 

 

 

BUCCELLATI

Ancona, 1861 – Milano, 1965

Il primo documento storico riguardo alla storia della casa risale alla metà del XVIII secolo, quando Contardo Buccellati lavorava come orafo a Milano.

Orfano di padre, all’età di dodici anni Mario viene a Milano con la famiglia. Inizia il suo apprendistato d’orafo presso l’importante gioielleria Beltrami e Besnati, con negozio in largo Santa Margherita.

Nel 1919, in pieno primo dopoguerra, rileva la ditta dal signor Beltrami e dà inizio alla Mario Buccellati affermandosi ben presto come gioielliere e argentiere dell’ aristocrazia milanese degli anni venti, con la creazione di esemplari originali, legati dal comune denominatore di un personalissimo stile, ispirato al patrimonio culturale italiano. I pezzi sono sempre molto corposi e immediatamente riconoscibili, con uno stile che fa riferimento ai grandi maestri orafi del Rinascimento.

L'aspetto più distintivo dei pezzi Buccellati è la tessitura ricca di qualità, Mario Buccellati è stato il primo a introdurre la tecnica di tessitura-incisione.

Le sue principali fonti d’ispirazione attingono, infatti, alla più schietta tradizione d’arte del nostro paese: dal bugnato di Palazzo Strozzi al soffitto del palazzo Ducale di Mantova, dalla tipica lavorazione a traforo dell’oreficeria romana dell’opus interassile ai pizzi di Burano, di Cantù…

Né mancano lavori ispirati liberamente da modelli bizantini. Mario Buccellati contribuisce a dare nuovo impulso all’oreficeria valorizzando tecniche antiche quali l’incisione, il cesello, la lavorazione a sbalzo e martellata, l’uso della filigrana, del niello e dello smalto.

L'incisione e le tecniche di lavorazione più famose sono: Rigato, (linee parallele taglio sulla superficie del metallo per ottenere un effetto specchio), telato, ( ottenuto da sottili linee incrociate, che imita la superficie del lino), segrinato (incisione in tutte le direzioni possibili, Ornato (decorazione, basata su forme della natura: animali, foglie, fiori), modellato (la tecnica di incisione più delicata, che consiste nel riprodurre più disegni cesellati in tre dimensioni su una scala minuscola, usata principalmente per la decorazione dei bordi ).

Annessa alla “casa madre” apre poi una scuola aziendale per incisori e cesellatori da lui voluta che, compatibilmente con i suoi impegni, egli stesso dirige.

Per Mario buccellati il gioiello non rappresenta certo soltanto un valore venale: esso merita di essere restituito alla dignità di oggetto d’arte.

Ripetutamente Mario Buccellati è stato paragonato a un artista del Rinascimento per i suoi capolavori, evocanti immagini del mondo antico, esaltati, più che dalla preziosità di gemme e metalli, dall’eleganza del disegno, nell’armonia delle proporzioni, nella splendida qualità dell’esecuzione.

Buccellati era un gran perfezionista: di ciascun oggetto curava con pignoleria non solo la parte anteriore ma anche il retro, come pure il più nascosto dettaglio, poiché nel suo intento anche da uno snodo o dalla perfezione di un’ incassatura si doveva riconoscere la sua firma. I suoi lavori, va rilevato, non sono per nulla tributari alle diverse mode francesi, ma vantano uno stile indubbiamente personale e autonomo, divenuto emblema del “Made in Italy” in tutto il mondo.

Quando ai metalli impiegati, lavorò l’oro puro come non si usava più e naturalmente anche l’argento, nobilitandolo con civetteria: particolarmente sofisticati negli anni venti i suoi portacipria, d’ argento fuori e d’ oro purissimo dentro. Negli anni di guerra sostituì l’oro, allora contingentato, con il rame, battezzato “ similoro “, comunque sempre lavorato con estrema cura secondo la tradizione dell’azienda.

Il “ similoro “ di Buccellati piacque tanto che a guerra finita si continuò a produrlo su richiesta di una parte della clientela. Usava le pietre e i metalli preziosi come colori a cui attingeva idealmente proprio come un pittore, con risultati a dir poco stupefacenti.

Le realizzazioni dell’orafo milanese, di prevalente ispirazione naturalistica, spaziano dall’oggettistica ai gioielli. Né mancano accessori come portasigarette, portagioie, portacipria, borsette da sera caratterizzati dall’inarrivabile perfezione del cesello e dello smalto, nella compiuta bellezza dei motivi decorativi che si snodano in intrecci bizzarri.

Quanto ai monili, anch’essi erano naturalmente segnati da montature lavorate così finemente da supplire agevolmente alla mancanza di pietre preziose importanti. Ne fanno parte: diademi e collier, spille e braccialetti, leggeri come trine spesso evocanti tulle e ricami fiabeschi in filigrana di argento e oro con diamanti.

Un altro caposaldo della casa furono le famose “ verette “, dal nome inventato dallo stesso orafo: anelli a fascia, traforati, per lo più con gemma al centro, di un’eleganza estrema ancora oggi prodotti in innumerevoli varianti. Ma non mancano anelli bombati con il castone traforato a cestino, di modello rinascimentale, come pure spille a placca e braccialetti costituiti da fasce snodate.

Il successo è tale che la sua fama si espande oltre confine. La sua clientela annovera personaggi tra i più importanti dell’epoca: la Real Casa d’ Italia, Belgio, Egitto e Inghilterra, il Vaticano, il mondo della politica, dei grandi imprenditori e degli artisti del suo tempo. All’esposizione internazionale di Madrid nel 1920, Mario Buccellati catturò l'attenzione del pubblico quando alla richiesta di uno sconto da parte di una donna lanciò una costosa scatola da una finestra, gridando: "Io non sono un commerciante!" La notizia fu ripresa dalla stampa locale, il giorno dopo, centinaia di persone si recarono nel suo stand, curiosi di vedere i pezzi del gioielliere ignoto.Tutto andò venduto molto rapidamente. Buccellati è stato poi invitato ad esporre il suo lavoro in una mostra personale; aristocratici spagnoli arrivarono a frotte, compresa la famiglia reale che divenne cliente ancora fino ad oggi.

Il 1922 segna l’incontro di Mario Buccellati con Gabriele D’Annunzio, inizio di un’amicizia documentata da un nutrito epistolario che si interromperà con la morte dell’artista nel 1937.

Il poeta di Gardone ammirava la creatività di Mario Buccellati e la bellezza dei suoi gioielli, tanto che lo nominò “ Mastro Paragon Coppella “, predicendogli che con tale appellativo sarebbe stato ricordato dai posteri.

Così recita la significativa dedica sul frontespizio di un libro offerto da Gabriele D’ Annunzio a Mario Buccellati nel 1924: “ a Mario Buccellati questo libro dove alcuna pagina rivaleggia con lui nell’ arte dell’ orafo”.

Il poeta aveva la passione per i regali, cos’ attingeva a piene mani tra le creazioni di Mario Buccellati per farne dono ad amici e agli amori che si avvicendavano al Vittoriale, la monumentale residenza sul lago di Garda.

Doni non necessariamente importanti ma di immancabile squisita fattura: anelli, scatoline cesellate, tartarughe di pietra dura e argento, scarabei e le tanto celebrate collane, eseguite espressamente per l’ Immaginifico che le regalava alle sue amiche, battezzate dal poeta  “ombelicali” per la loro particolare lunghezza, in auge negli anni venti.

Nel 1925 Mario Buccellati apre una succursale a Roma in via Condotti e nel 1929 a Firenze in via Tornabuoni. Nel 1953 a New York apre il primo negozio sulla 51° Strada, trasferendosi poco dopo sulla 5°. Nel 1967, due anni dopo la sua scomparsa, il negozio di Milano è trasferito dai figli in via Montenapoleone.

Dei cinque figli, tutti maschi, quattro, Luca, Lorenzo, Federico e Gian Maria seguono con lo stesso amore e la stessa professionalità le orme paterne e gestiscono separatamente, coadiuvati dai nipoti, gioiellerie in tutto il mondo.

AGGIORNAMENTO: settembre 2019 - La holding di beni di lusso, Richemont, ha acquisito Buccellati da Gangtai Group Corp. (una società di investimento cinese.)

BULGARI

Roma, dal 1881

Il capostipite della famiglia Bulgari, Costantinos Boulgaris, proveniva dalla regione greca dell’Epiro, dove conduceva un’attività di rigattiere in argenti.

Il figlio Georgis (1823 – 1889) è anche lui commerciante ma, a differenza del padre, gestisce un’attività più strutturata con un negozio prima a Paramythia, poi a Corfù.

Nel 1880 il figlio di Georgis, Sotirios Boulgaris (1857 – 1932) giunge in Italia. E’ l’inizio dell’ascesa del nome Bulgari.

Nel 1881 si stabilisce a Roma e avvia la sua attività di commercio in argenti aprendo nel 1884 il primo negozio in via Sistina. Il successo ottenuto gli permette di aprire numerose succursali in Italia e in Svizzera.

Nel 1905 inaugura gli importanti locali di Palazzo Lepri al n. 10 di via dei Condotti che ancor oggi rappresenta il principale punto vendita dell’azienda. Il grande sviluppo dell’attività porta Sotirios (che aveva italianizzato il suo nome in Sotirio Bulgari) a percepire l’ importanza di allargare la gamma di prodotti trattati includendo un produzione propria di argenti, insieme a una selezione di gioielli e oggetti d’ ornamento personale.

Per migliorare la qualità dell’attività si concentrò sul solo punto vendita in via dei Condotti chiudendo o cedendo ai familiari, giunti dalla Grecia, le altre succursali.

Alla morte di Sotirio nel 1932, i figli Costantino (1889 – 1973) e Giorgio (1890 – 1966) si ripartirono le responsabilità della gestione: Costantino si occupò del settore d’antiquariato mentre il fratello si specializzò nella gioielleria.

Costantino, sfruttando la tradizionale specializzazione acquisita nel tempo dalla sua famiglia nel reperimento e nel commercio di argenti antichi, continuò la ricerca di pezzi pregiati associandoli anche a tabacchiere, icone, oggetti d’arte, e giade orientali.

Inoltre la sua particolare passione per l’argento lo portò ad approfondire la sua competenza attraverso ricerche e studi sugli argentieri e orafi italiani che risultarono nella pubblicazione di un’ opera in cinque volumi intitolata Orafi, Argentieri, e Gemmari d’ Italia, tuttora unico repertorio di ogni epoca.

Giorgio era profondamente diverso dal fratello Costantino. Egli era un grande conoscitore di pietre preziose e aveva ottime qualità creative nella progettazione di gioielli che univa a una profonda competenza nelle tecniche di produzione. Queste capacità gli consentirono di creare gioielli di grande successo commerciale che si richiamavano allo stile di Parigi, dove spesso i gioielli venivano anche realizzati.

Dalla metà degli anni sessanta assunsero la direzione dell’azienda i figli di Giorgio, Gianni (1935), Paolo (1937) e Nicola (1941) e le figlie di Costantino, Anna (1927) e Marina (1930) le quali lasciarono la ditta rispettivamente nel 1990 e nel 1976.

Gli anni di crescita economica e di concorrenza da parte delle altre grandi maison di gioielleria portarono Bulgari a una forte ricerca di uno stile riconoscibile dotato di un appeal internazionale che potesse sfidare la supremazia dello stile francese e all’ avvio di un processo d’ espansione internazionale che portò all’ apertura, nel 1971, del negozio di New York.

E’ infatti con la metà degli anni sessanta che emerge per la prima volta uno “stile Bulgari" contraddistinto da gioielli con contorni lineari lisci  e arrotondati che sostituiscono quelli aguzzi del passato con una forte ricerca del “volume” dell’ ornamento attraverso il sapiente impiego di oro giallo e di pietre tagliate “à cabochon“.

Altre connotazioni inconfondibili di questo periodo sono la ricerca di un effetto cromatico mediante l’impiego di pietre in base al colore e non in funzione del loro valore intrinseco nonché l’ impiego di monete antiche, per lo più greche e romane.

E’ proprio intorno al 1980 che tutti quegli aspetti del design, che avevano preso forma nella metà degli anni sessanta, si vengono a comporre e a cristallizzare in un’immagine definita: lo stile Bulgari, i cui temi centrali sono volume, colori forti, forme pulite, motivi decorativi stilizzati e gusto per il passato.

CALDERONI

Milano, dal 1861

Adone Calderoni nasce a Casorate Primo (PV) il 5 settembre del 1833. Dopo un apprendistato presso l’orafo Bovelli di Milano, impianta nel 1856 una camera-laboratorio, dove lavora coadiuvato da due garzoni e nel 1861, apre la sua prima vera bottega nella contrada San Michele al Gallo, all’insegna dell’ussaro a cavallo di Piacenza, in via della Lupa (oggi via Torino n. 18) a due passi dal Duomo.

Quando nel 1876 è inaugurata la Galleria Vittorio Emanuele, Calderoni trasferisce la propria bottega sotto i portici Settentrionali, di fianco al Duomo. Sono anni di grande successo professionale, com’è testimoniato dal brevetto di Fornitore della Casa di Sua Maestà re Vittorio Emanuele II, ottenuto il 15 luglio 1876, e dalla medaglia d’ argento conseguita all’ Esposizione Nazionale di Milano del 1881.

Alla morte di Adone, nel 1892, gli succedono alla guida della ditta i figli Augusto e Silvio. Si deve quindi probabilmente ad Augusto, il quale sembra assumere il ruolo di guida dell’impresa familiare, l’idea di raggiungere un maggior numero di potenziali clienti attraverso un catalogo di vendita per corrispondenza, la cui pubblicazione inizia nel 1894.

Nel 1898 la ditta si trasferisce dai locali in affitto sotto i Portici Settentrionali al piano terra del palazzo appena acquistato, all’ angolo fra via Romagnosi e via Manzoni. Per l’occasione è commissionato ad Adolfo Hohenstein un manifesto che ritrae la nuova sede. Nel 1905, per motivi economici e di spazio, la ditta si trasferisce al primo piano dello stesso edificio. Nel febbraio del 1905 la Calderoni inizia anche la pubblicazione della rivista “Arte e Gioielli”. Trattasi di due pagine contenenti informazioni sulla ditta, articoli relativi alla moda dei gioielli e al mercato dei diamanti e disegni di alcuni dei pezzi presenti nel catalogo di vendita.

Dal marzo 1908 è unita ad altri fogli con lo stesso carattere informativo - pubblicitario e edita sotto il nome collettivo di “industria e Commercio”, ma sembra che le pubblicazioni cessino definitivamente dopo il febbraio 1909.

Nel 1906 augusto Calderoni è nominato presidente della Società Orefici, Argentieri e affini di Milano, carica che ricoprirà fino al 1909. E’ in questa veste che si fa promotore dell’allestimento di un padiglione dedicato agli “Orafi Italiani” all’Esposizione Internazionale di Milano dello stesso anno. Essendo egli membro della commissione organizzatrice, la ditta partecipa fuori concorso all’esposizione, conseguendo comunque un grande successo presso il pubblico e la stampa.

Poco prima della guerra i fratelli calderoni avevano fatto costruire in via Durini n. 31, all’angolo con Corso Venezia, un palazzo, fra i primi in Italia a essere realizzati in cemento armato. Alla fine del conflitto nel 1919 vi è trasferita, al primo piano, la ditta di famiglia. Nel 1923, quando la Fiera di Milano è spostata dai Bastioni spagnoli alla definitiva sede nell’ex piazza d’armi, Augusto Calderoni è fra i promotori della costruzione del Padiglione degli Orafi.

Gli anni dal 1923 al 1926 vedono la costante partecipazione parigina. Il 4 gennaio 1925 la ditta, che impiega al momento trenta operai, si trasforma in società Anonima, per iniziativa di Augusto, che ne diviene vicepresidente. Il 10 aprile è inscritta nel registro ditte della Camera di Commercio di Milano con il n. 22266.

Due anni dopo, nel 1927, la direzione è affidata a un giovane manager, Mario Negri, che concentrerà la propria attenzione soprattutto sul reparto argenteria. Negli anni immediatamente successivi sono aperti altri sei negozi, in Italia e all’estero, mentre la sede centrale si trasferisce nella promettente via Montenapoleone, al n. 7, che verrà però completamente distrutta dai bombardamenti della seconda guerra mondiale. Alla fine del conflitto mondiale la ditta, si trasferisce al n. 8 di via Montenapoleone, nell’edificio costruito nel 1767 dall’architetto Piermarini, dove riprende l’attività.

Nel maggio del 1957 è nuovamente mutata la ragione sociale della ditta, che diventa una società in Accomandita Semplice con la denominazione Calderoni Gioielli.

Augusto Calderoni, rimasto sempre legato alla ditta di famiglia anche dopo essersi ritirato dal commercio attivo, muore il 24 novembre 1957 a novantuno anni, seguito nel 1960 da Mario Negri. Il discepolo e successore di quest’ultimo, Franco Russo, si occupa della ditta negli anni successivi, curando soprattutto l’aspetto tecnico e gemmologico e stringendo nuovi accordi internazionali miranti a un’espansione verso i mercati dell’Estremo Oriente, accordi che portano all’apertura di negozi Calderoni in franchising a Bangkok e Yokohama.

Negli anni sessanta una quota piuttosto rilevante della società è acquisita da Roberto Bisconcini, il cui figlio, Gabriele, entra a far parte attivamente della gestione della ditta.

Nel luglio del 1997 Mario Russo lascia la propria carica di presidente del Consiglio di amministrazione; gli subentra Stefano Bisconcini, mentre il fratello Gabriele viene nominato amministratore delegato.

Nell’agosto 1998 la sede commerciale della ditta si sposta dal n. 8 al n. 23 di via Montenapoleone, dividendosi dalla sede legale e amministrativa che si stabilisce in via Manzoni n. 9, in un palazzo contiguo a quello che fu la sede storica dell’azienda dal 1898.

Nel novembre 1999 la ditta Calderoni è assorbita dalla torinese Rocca e prosegue con la nuova denominazione Rocca – Calderoni.

Cartier

Founded 1847

Il nome di Cartier è sinonimo di bellezza, qualità e stile.Fondata a Parigi nel 1847, da Louis-Francois Cartier, l'azienda divenne rapidamente famosa per la sua lavorazione esemplare e il gusto. Louis-Francois Cartier inizia la sua stimata carriera a ventotto anni, dopo un apprendistato dal maestro orologiaio Adolphe Picard, al 29 di rue Montorgueil, alla fine Cartier rileva la bottega del maestro, che si trasferisce in Rue de Richelieu e inizia in proprio.

Amplia i locali, e la costruisce la sua reputazione cercando di sapere a come soddisfare il gusto stravagante dei suoi clienti. Nel 1853 Louis Francois fu in grado, con l’aiuto di Picard, di traslocare nel quartiere più alla moda del Palais-Royal; al 5 di rue Neuve des Petits Champs. Divenne uno dei gioiellieri favoriti della principessa Mathilde, cugina di Napoleone III, la cui protezione gli aprì le porte della buona società parigina.

I locali di rue Neuve des Petits erano diventati troppo piccoli per il giro di affari che ormai aveva raggiunto l’impresa. Cartier mise gli occhi sul negozio del gioielliere Gillion che aveva deciso di cedere l’attività, quest’altro trasferimento avvenne nel 1859, al 9 del Boulevard des Italiens.Nel 1874 Alfred Cartier rilevò la società dal padre Louis Francois. Nel 1898 la maison Cartier va nella sua sede definitiva a Parigi, dove ancora oggi se ne possono ammirare le vetrine, al 13 di rue de la Paix, nel cuore dell’eleganza e del lusso parigini.

La rue de la Paix era una delle strade più costose di Parigi, e offriva tutto quello che una ricca donna elegante avrebbe potuto acquistare. Cartier impose una tendenza spostandosi in questa strada, e altri gioiellieri, seguendone l'esempio si trasferirono nella stessa strada o nelle vicinanze di Place Vendome. Quella zona di Parigi ben presto divenne il centro della gioielleria internazionale. Il nome divenne sempre più conosciuto e Cartier ampliò il suo impero, aprendo una filiale a Londra nel 1902 e in una succursale di New York nel 1909. Celebre ancora oggi, la transazione dell’acquisto della sede sulla Fifth Avenue,  che avvenne scambiandola con due fili di perle naturali con la moglie del banchiere Morton Plant.

Alfred Cartier ha affida ai suoi tre figli la gestione della Maison. Il figlio Louis dirige la sede di Parigi, i figli più giovani di Alfred Cartier, Pierre e Jacques iniziano a viaggiare per esplorare il mondo. In seguito si stabiliscono nelle altre due sedi, Pierre a New York, e Jacques a Londra.

Uomo d'affari, gioielliere e collezionista, Louis Cartier era bello, distinto ed elegante. Era molto popolare tra le belle donne parigine e ben considerato dall'aristocrazia, della quale si serviva in un certo senso per ampliare la lista della potente e distinta clientela. Uno dei suoi clienti più importanti fu il Principe di Galles, poi Edoardo VII, che una volta definì Louis Cartier come "il gioielliere dei re, il re dei i gioiellieri".

Tra le innovazioni più importanti, Cartier introdusse il platino in combinazione con diamanti per creare gioielli nello stile ghirlanda. Cartier tesseva il platino a fili molto sottili, riuscendo a realizzare montature talmente leggere da far credere che i diamanti fossero quasi sospesi nel vuoto, rese il platino insostituibile per l’incastonatura dei diamanti.


Spinto dalla prosperità economica in crescita tra le due guerre, Cartier creava e soddisfaceva la domanda di gioielli originali ed eccezionali; ottenendo molte commissioni. Oltre ad attirare i clienti più illustri del mondo degli affari, Cartier fu eletto fornitore ufficiale dalle case reali di Inghilterra, Russia, Grecia, Spagna, Portogallo e Siam.

Gli orologi che Cartier progettava fin dall'inizio erano eleganti, piccoli, precisi, ed erano al passo con i tempi in cui furono realizzati. Cartier, fu l'unica casa in grado di rimanere al passo con le tendenze della moda che cambia tra i progettisti e produttori di orologi da polso, perché gestiva direttamente i propri punti vendita al dettaglio. Con il suo genio, riusciva sempre ad anticipare i canoni della moda i invece di seguirla.

Nel 1904, l’aviatore brasiliano Alberto Santos-Dumont, chiese al caro amico Louis la progettazione di un orologio che potesse essere utilizzato durante i suoi voli, perché gli orologi da tasca non erano adatti allo scopo.

Louis Cartier creò per lui l'orologio da polso Santos. Il primo orologio da polso per uomo. Il Santos fu messo in vendita per il pubblico nel 1911, questa è stata la prima produzione di orologi da polso Cartier.

In quegli anni un uomo che indossava l’orologio al polso era considerato molto audace, questo perché il classico orologio da tasca era considerato il solo orologio che un gentiluomo avrebbe dovuto indossare.

Cartier ebbe una grande influenza nel persuadere l'aristocrazia parigina ad accettare l'idea dell’orologio da polso per uomo. Il Santos fu elevato a orologio da indossare sempre e non solo in casi eccezionali, come invece era considerato al suo lancio sul mercato internazionale.

La possibilità di creare e realizzare orologi da polso fu un grande vantaggio per Cartier poiché i clienti potevano essere in grado di scegliere tra vari disegni, o pezzi creati su misura. Il negozio vendeva solo il proprio marchio e non aveva la concorrenza di altri produttori all’interno. Gli orologi da polso Cartier divennero rapidamente lo status symbol dei ricchi e la clientela era impaziente di acquistare tutti i pezzi unici che erano prodotti.

La produzione di Cartier negli orologi salì a un livello molto elevato con Maurice Couet, un progettista e designer che nel 1913 introdusse il famoso orologio Mistére. Le lancette, sembravano galleggiare magicamente nel quadrante realizzato in cristallo di rocca.

Il Tank "orologio da polso" introdotto nel 1917 come omaggio al Generale Pershing durante la Prima Guerra Mondiale fu il modello più famoso di Cartier. Louis Cartier fu ispirato dalle nuove macchine da guerra, i “Tank”, che gli americani introdussero in Europa, realizzò le casse seguendo i disegni originali in sezione del carro armato, un orologio bellissimo e robusto, anche questo orologio divenne un classico senza tempo.

Per tutta la prima guerra mondiale, Cartier continuò a produrre e disegnare originali pezzi di grande inventiva. Cartier ha introdotto molte innovazioni nel mercato della gioielleria. Conosciuta soprattutto per il lavoro con i diamanti, l'azienda disegna pezzi sontuosi, incorporando spesso pietre insolite nuove, anche per contrasto e colore.

Sylvie Raulet così descrive l'atmosfera di Parigi dopo la prima guerra mondiale nel libro "gioielli Art Deco” (Rizzoli): Dopo la prima guerra mondiale, tutte le arti hanno partecipato a una rivoluzione culturale senza precedenti. “Gli anni venti hanno assistito a un'alleanza eccezionale di gusto, talento e denaro ". La ditta Cartier ha raggiunto altezze vertiginose di splendore nell’Art Deco. Louis Cartier affascinava con motivi esotici che hanno portato alla creazione d’insuperati capolavori, tra cui spiccano per maestria e coraggio accostamenti di colori primari, verde rosso blu, come possiamo vedere ad esempio nel bracciale chimera con due teste affrontate scolpite in corallo.

Nel 1922 Cartier crea, così come altri importanti gioiellieri influenzati dalla scoperta della tomba di Tutankhamon, motivi con forme geometriche, giustapposte o sovrapposte una sull'altra ". Rinunciando ai classici temi della natura che erano proposti ormai con gusto accademico.

Negli anni tra le due guerre, furono aperte altre due sedi di grande prestigio in località balneari alla moda, Cartier Cannes nel 1935 e Cartier Monte Carlo nel 1938. Mentre la Francia fu occupata dalle truppe tedesche durante la Seconda Guerra Mondiale, Cartier interpreta lo spirito della nazione creando una spilla simbolo con un uccellino in gabbia.
Quando il regime nazista fu sconfitto e Parigi fu di nuovo, libera, Cartier realizza la "spilla uccellino liberato" come tributo alla liberazione.

La simbolica spilla consisteva di un piccolo uccello che in una gabbia che ormai aperta canta di gioia, realizzato con corallo rosso, diamanti per il bianco e lapis blu i quali rappresentano i colori nazionali francesi.

Louis e Jacques Cartier morirono nel 1942. Il loro fratello Pierre divenne il presidente della Cartier International nel 1945 e da allora rimase di solito in negozio a Parigi fino al suo ritiro a Ginevra nel 1947. Nel tardo 1940 Cartier Londra fu diretta da Jean-Jacques Cartier, mentre la filiale di New York è stata guidata da Claude Cartier. Nel 1962 Claude Cartier vendette la sede di Cartier a New York, restando presidente della società fino al 1963.

Nel 1968 Cartier da azienda familiare divenne un'organizzazione multinazionale. Nel 1972 Joseph Kanoui guidò un consorzio finanziario che acquisì il controllo di Cartier Parigi. Robert Hocq divenne presidente della società. Egli, ancora una volta unì i tre rami di Cartier e ha assunse la direzione delle filiali di Londra e New York, con una mossa che cercava di ristabilire all'immagine Cartier il prestigio e l’ importanza che gli compete.

Nel 1983 Cartier ha lanciato una campagna di acquisizione dei suoi pezzi storici per creare una collezione che è testimone di un patrimonio eccezionale e di uno status leggendario. Sebbene il nome Cartier forse sia meglio conosciuto per la raffinatezza dei suoi gioielli, i suoi orologi da polso firmati hanno rivoluzionato sin dall’inizio il mondo dell’alta orologeria, e nel corso dei decenni, i suoi primi orologi, sono diventati sempre più ricercati e ambiti. Molti dei favolosi orologi possono essere considerati di diritto come pezzi di alta gioielleria.

Carvin French

La ditta produttrice di gioielli, Carvin French, fu fondata nel 1954 da due francesi che lavoravano insieme a New York. Andre Chervin ha imparato il commercio di gioielli attraverso un tradizionale apprendistato in Francia e ha incontrato Serge Carponcy quando lavorarono insieme da Louis Feron, un produttore di gioielli. Battezzarono la loro ditta Carvin French unendo i loro nomi: Car for Carponcy e vin per Chervin più French per la loro amata Francia. I gioiellieri americani del periodo stavano producevano gioielli in serie attraverso la fusione e altre tecniche. Sia Chervin che Carponcy avevano una formazione di g

ioielli classici attraverso il loro apprendistato in Francia, quindi avevano esperienza raramente trovata in America. Inoltre, erano maestri nello smalto, una tecnica praticamente sconosciuta in America. Credevano nella produzione dei migliori gioielli fatti a mano con i migliori materiali disponibili, fabbricati nel proprio laboratorio, distinguendoli così da tutti gli altri gioiellieri di produzione in quel momento. Producendo gioielli straordinari solo per i migliori gioiellieri, i loro clienti includono Verdura, Donald Clafin, R. Esmerian, Inc. e Raymond Yard, tra gli altri. Alla fine, diversificandosi per includere un eccellente lavoro lapidario, furono in grado di tagliare e scolpire le pietre preziose utilizzate da Claflin e Angela Cummings di Tiffany & Co.

Attualmente, Carvin French è gestito da Andre Chervin e suo nipote Sylvain Chervin e si trovano in 515 Madison Avenue, New York, NY.

CASTELLANI

(1814 - 1930).

La casa Castellani fu fondata da Fortunato Pio Castellani, il quale aprì un negozio a Roma nel 1814. Nel 1826, incontrò il suo amico e collaboratore Michelangelo Caetani in una conferenza in cui Castellani parlava a proposito di come ricreare l'aspetto dell’oro antico.

Secondo gli storici di gioielli, Caetani "ha dato all’amico Fortunato Pio l'idea di imitare e cercare ispirazione dagli antichi gioielli trovati negli scavi". Caetani era uno studioso di Dante,  uno storico, un falegname di talento e un artista che aveva una buona familiarità con le tecniche di produzione di gioielli e godeva tra l’altro di una buona reputazione nell’alta nobiltà romana.

Anche se Caetani non è mai stato formalmente alle dipendenze della società, la sua creatività e il legame con essa hanno aiutato il Castellani nella carriera che seguì alloro sodalizio.

All'inizio degli anni 1830, Fortunato Pio cominciò a realizzare gioielli in stile archeologico. Nel 1836, quando le tombe etrusche Regolini-Galassi furono scoperte, le autorità del Papa lo invitarono a studiarne la gioielleria che fu portata alla luce.

Nel 1840 e '50, a lui e ai suoi figli, Alessandro e Augusto, fu concesso l'accesso alla vasta collezione di antichità acquisite dal direttore della Cassa di Risparmio papale, il Marchese  Pietro Campana. Mentre al momento è dispersa, la collezione Campana allora era completa e a portata di mano del Castellani.

Essi sono stati in grado di ricreare l'aspetto della granulazione e altre vecchie tecniche di lavorazione ispirandosi proprio a questi pezzi antichi. Tali tecniche si erano perse da secoli fino a quando i fratelli le reinventano e le perfezionano. Oltre a quella etrusca l'azienda fu famosa anche per l’introduzione nei loro pezzi di altri stili, quello medievale, greco, così come scarabei egizi e micro - mosaici.

Secondo gli storici di gioielli, l'azienda è stata la prima a introdurre, nei micro - mosaici, soggetti in stile cristiano-bizantino, egizi e della Grecia classica in cornici di stile neo-archeologico.

Nel 1840 Fortunato Pio fonda una scuola per orafi con l’intento di valorizzare e applicare le antiche tecniche, compresa la glittica e il mosaico minuto, conducendo così un’opera di salvaguardia dell’oreficeria tradizionale popolare raccogliendo e conservando ornamenti preziosi delle zone rurali.

Dagli stessi contadini acquista gemme e monili provenienti dai siti antichi emergenti nei terreni della campagna laziale, che vengono anche venduti a Roma sul mercato di piazza Montanara. Nel 1852 si ritira dagli affari, lasciando la direzione del laboratorio ai due figli Alessandro (Roma, 1823-1883) e Augusto (Roma, 1829-1914). Alessandro, privo della mano sinistra, si dedica con il fratello alla gestione dell’impresa paterna, limitandosi alla preparazione dei disegni. Patriota indipendentista, politicamente impegnato nelle vicende della Repubblica romana, nel 1849 è arrestato ma subito liberato.

Continua a mantenere rapporti con i mazziniani e nel 1853, in seguito alla scoperta di un progetto rivoluzionario, è nuovamente arrestato. Condannato a morte si sottrae alla giustizia pontificia con l’internamento in manicomio.

Nel 1859, per intercessione di Michelangelo Caetani, la pena capitale è commutata in esilio e Alessandro lascia Roma alla volta di Parigi, dove nel 1860 apre una succursale della ditta romana incrementando notevolmente gli affari, accrebbe la sua fama a livello internazionale diventando il marchio più ambito dalla maggior parte dei collezionisti di manufatti in stile archeologico dell'epoca, fu in questi anni che questi gioielli raggiunsero l’apice della popolarità, grazie ai Castellani.

Nel 1860, si occupò anche di marketing dei suoi prodotti, aprì un negozio sui Champs Elysées, ha tenuto numerose conferenze sui gioielli antichi e socializzò con l'alta società parigina, ottenne anche di essere ricevuto da Napoleone III, alla quale presentò una collezione di gioielli Castellani.

Sempre nel 1860 presenta una collezione di gioielli dell’Académie des Inscriptions et Belles Lettres e lo stesso fa a Londra, l’anno successivo, dove apre una seconda succursale con annesso atelier di produzione diretto da Carlo Giuliano.

Nel 1862 ottiene un successo internazionale all’Esposizione Universale di Londra presentando la collezione “Mundus muliebris” e la conferenza dal titolo “Antigua Jewelry and dits revival”. Nello stesso anno lascia Parigi e si trasferisce a Napoli, dove apre in veste di antiquario e gioielliere un laboratorio diretto fino al 1870 da Pasquale Novissimo.

Alessandro ha inoltre organizzato le prime mostre e fiere internazionali della firma: Firenze (1861) e Londra (1862). Nel 1862, lasciò Parigi dopo una relazione con, una donna sposata. Si trasferisce a Londra e, poco dopo, a Napoli, dove fondò il suo laboratorio in proprio di gioielli. Lo stile della ditta continua a essere molto popolare.

Alla mostra internazionale 1867 di Parigi, "quasi tutte" le gioiellerie esponevano gioielli in stile archeologico nelle loro vetrine. Il successo dell'impresa raggiunse il suo picco nel 1870. Nel 1880, nel negozio di Roma subentrava il figlio di Augusto, Alfredo.

Egli si dedica soprattutto al commercio di gioielli e di reperti archeologici, frequentando il bel mondo parigino, instaurando rapporti con gli appassionati collezionisti di antichità (ai quali venderà una parte di collezione Campana), divenendo consulente e fornitore di musei. Questa poliedrica attività viene da Alessandro condotta a volte con notevole disinvoltura, mescolando l’esercizio della copia di opere antiche con il rimaneggiamento e la falsificazione.

Sempre iscritto nelle file mazziniane, nel 1870 torna a Roma, dove è nominato membro della commissione per la tutela dei monumenti. Nel 1878 è giurato all’Esposizione di Parigi e relatore per la sezione gioielleria.

Augusto, contemporaneamente agli studi classici, apprende l’arte paterna. Nel 1853 assume la direzione del laboratorio romano che poi passerà al figlio Alfredo (Roma 1856-1930). Il restauro della collezione Campana serve ad Augusto per approfondire le tecniche antiche, ma gli fornisce anche materiale idoneo all’attività di contaminazione e assemblaggio di parti originali con cui rifornisce, in collaborazione con il fratello Alessandro, le raccolte musicali e le collezioni private europee.

Dal 1861 partecipa con successo all’Esposizione di Firenze e l’anno successivo con Alessandro a quella di Londra. Seguiranno le affermazioni di Parigi nel 1867 e di Vienna nel 1873. Questo è il momento di massimo fulgore della firma, ormai tra le più richieste nel mercato internazionale, e d’impegno nel sostegno della scuola italiana di gioielleria archeologica.

Nel 1868 in collaborazione con Michelangelo Caetani, Augusto realizza per Margherita di Savoia, divenuta principessa ereditaria, la parure d’oro formata da diadema di foglie di quercia e ghiande, orecchini a rastrello con amor vincitore, spilla con Vittoria alata e collana a globuli.

Questa commissione, che vale ad Augusto la nomina di fornitore della Casa Reale, segue quella, realizzata nel 1862 in occasione delle nozze di Maria Pia di Savoia, di un’altra parure composta da corona di alloro, pettine in avorio con bacche e foglie d’edera, due paia di orecchini rispettivamente con pendenti a rosetta e a rastrello, collana, bracciale e bulla con monete antiche, ciondolo e bottoni con il palindromo “AMOR-ROMA” in mosaico minuto.

Augusto nel 1912 riceve la croce di cavaliere del Lavoro d’Italia per i meriti raggiunti nel campo della gioielleria artistica. Suo figlio Alfredo esercita l’arte di famiglia con altrettanta bravura e perizia, ma a differenza del padre e dello zio non scrive né tiene conferenze; da qui forse una certa sottovalutazione delle sue capacità, che tuttavia risultano notevoli poiché è proprio grazie alla sua passione per l’arte orafa e al suo attaccamento per l’opera del padre, dello zio e del nonno che oggi possiamo ammirare la collezione dei gioielli antichi e di quelli moderni al Museo di Villa Giulia e consultare le carte dell’archivio.

Alfredo chiude i battenti della storica bottega romana nel 1926. Le opere dei castellani sono firmate con un monogramma formato da due “C”, allacciate o poste all’interno di un cartiglio; il terzo, più raro, è un monogramma composto dalle lettere “ACC”. I marchi depositati da Fortunato Pio e augusto presso la corporazione degli orafi romani compaiono raramente sui gioielli.

Augusto cercava di continuare i suoi studi sulla storia della gioielleria italiana nel corso dei secoli, partendo dalla preistoria fino ai tempi moderni. Egli suggerì otto periodi distinti in: primitivo, tirrenico, etrusco, siciliano, romano, medievale, rinascimentale e moderno.

Sebbene le sue categorie non siano accettate in pieno oggi come esaustive della storia dei gioielli, è stato comunque uno dei primi tentativi moderni di dividere la storia del design del gioiello in ere. Nel 1930, Castellani ha chiuso i battenti quando morì Alfredo, l'ultimo della linea di gioiellieri Castellani.

DAL 1927

Alla fine degli anni venti Angelo Cazzaniga (Roma 1908-1976), comunemente chiamato Giorgio, apre il suo primo laboratorio-negozio Cazzaniga in via della Stamperia n. 67 a Roma: dal 1947 il suo punzone ufficiale è “RM 76”. Nel 1942-1943 si trasferisce al piano terreno del Palazzo Ruspoli con ingresso su piazza San Lorenzo in Lucina n. 38°. Nel 1965 la sede è spostata in via Frattina n. 21, aperta fino alla sua morte.

L’attività è continuata dal figlio Paolo (Roma, 1 ottobre 1940), dottore in giurisprudenza, che nel 1973 avvia un proprio negozio, chiuso verso la fine degli anni ottanta, in via di Ripetta n. 122, conservando il nome sociale Cazzaniga: dal 1979 il suo punzone ufficiale è “RM 219”. Nel 1994, Paolo si stabilisce in via Passeggiata di Ripetta n. 18. Anche il figlio Giorgio (Roma, 1 agosto 1967), avvocato, dal 1999 lavora nell’azienda di famiglia.

Conseguita la terza media, Angelo comincia a frequentare le botteghe orafe. Compie il suo apprendistato come artigiano presso il laboratorio di Marcello Morino (orefice-orologiaio). All’inizio la produzione Cazzaniga è legata a forme e motivi assunti dal liberty, dal déco, dalla mode blanche e da tipologie tipiche degli anni quaranta.

Dagli anni cinquanta sono stati creati gioielli originali che connotano uno “stile Cazzaniga”, caratterizzato dall’uso dell’oro, nelle sue diverse valenze cromatiche, accuratamente lavorato a incisione, sbalzo e cesello da abilissimi artigiani. Il modulato effetto luministico - cromatico è impreziosito da smalti e da una vasta gamma di gemme preziose di taglio differente.

I soggetti privilegiati sono fiori, foglie, farfalle e insetti. I monili più frequenti sono: spille, collane, bracciali, anelli; non mancano gemelli e pendenti-spille raffiguranti mascheroni e meduse. Paolo conferma un percorso di continuità con lo “stile Cazzaniga”; con il tempo afferma una sua linea specifica più geometrica e sintetica.

Nel 1970 angelo partecipa alla mostra “First Italian Jewelry Show” al park Sheraton Hotel di New York: la collana La foresta vergine vince il 2° premio. Tra i committenti si segnalano: i Pallavicini, i Ruspoli, Irene Galitzine e Carla Accardi, che nel 1949 fa realizzare, da un suo disegno, una parure composta di spilla e orecchini. Dal 1993 Paolo Cazzaniga partecipa alla mostra romana “Desideri Preziosi”.

CELLINI

Benvenuto nasce nel 1500, il 3 di novembre, a Firenze; muore nella stessa città il 14 febbraio del 1571, anno in cui la flotta cristiana sconfigge definitivamente i turchi a Lepanto. Il padre è un musico della banda della Signoria e anche costruttore di strumenti.

Benvenuto a 16 anni viene esiliato da Firenze per una rissa, vaga allora per Bologna, Pisa, Roma,

e studia nelle botteghe orafe. Il suo talento di artigiano interessa il papa Clemente VII che, nel 1529, lo nomina capo della bottega pontificia. Due anni prima, nel 1527, sotto gli occhi dello stesso pontefice, Benvenuto combatte contro i Lanzichenecchi di Carlo V durante i nove mesi del sacco di Roma, e uccide il Conestabile di Borbone con un colpo di archibugio dalle mura di Castel Sant’Angelo.

Le opere di questo periodo (candelabri per il vescovo di Salamanca, un gioiello per la famiglia Chigi) sono andate perdute. Intanto è protetto dal Cardinale Ippolito d’Este, così può passare solo qualche notte in prigione, dopo aver aggredito dal 1523 al 1530 tre persone, ucciso l’assassino di suo fratello, Cecchino, mercenario di Giovanni delle Bande Nere, e subìto una condanna per sodomia.

Da una delle sue numerose fughe dalla legge, nasce Cellini scultore di Bronzo. Nel 1535, infatti, è a Venezia, dove conosce Jacopo Sansovino e la tecnica della fusione. Tornato a Roma, è arrestato nel 1538 con l’accusa di essersi impadronito di beni appartenenti al pontefice Clemente VII. Grazie alla protezione del Cardinal Cornaro, evade qualche giorno dopo la cattura. Alla data del 1540 è a Fointanbleu, alla corte di Francesco I, dove operano anche Rosso Fiorentino e Francesco Primaticcio.

Tre anni dopo forgerà quel "monumento da tavola" che è la Saliera per il re cristianissimo Francesco. Il 1554 lo vede lasciare in fretta la Francia (è indiziato per avere allentato le borse regali).

Nel 1554 a Firenze esegue il suo capolavoro: il "Perseo", ubicato all’ombra della loggia dell’Orcagna de' Lanzi. 

A Madrid scolpisce in un unico blocco marmoreo il "Cristo" per l’Escorial (1556-1557). Nel 1558 inizia a scrivere "La Vita" che, per potenza narrativa, iperboli autoreferenziali e descrittive, rimane un topos della letteratura italiana che lo stesso Goethe tradusse in tedesco nel 1807. Nel 1567 Benvenuto interrompe "La Vita" (rimasta così incompleta), per scrivere i "Trattati" dell’"Orificeria" e della "Scultura", cristallini esempi di capacità didattica e conoscenza tecnica.

Ha il tempo di sposare Piera de’ Parigi e tre anni dopo (nel 1544 era anche diventato padre di una bambina nata da una relazione con una modella), nel 1571, muore a Firenze. E’ sepolto nella chiesa di Santa Maria Novella.

Coco Chanel

Neppure l’inaspettato esordio di Gabrielle Bonheur ‘Coco’ Chanel fu capace di preannunciare l’impatto che la giovane donna avrebbe avuto nel mondo della moda.

Da bambina il suo stile di vita fu decisamente modesto e sempre in giovane età la sua vita prese una piega inaspettata dopo la morte della madre: assieme a sua sorella fu mandata nell’orfanotrofio del convento locale, in cui le giovani sorelle avrebbero passato il resto della loro infanzia.

Imparare a cucire durante questo periodo fu probabilmente una delle migliori cose accadute alla giovane Coco. Le sue capacità come sarta l’aiutarono a guadagnarsi da vivere mentre, allo stesso tempo, cercava di farsi strada come attrice. Inizialmente si occupava del disegno e della progettazione di soli cappelli, ma in seguito fu capace di espandere le proprie capacità fino a diventare una disegnatrice di moda; Coco riuscì a trasformare quello che poteva rimanere solo tempo sprecato, del semplice e misero passatempo del suo amato, in un’illustre carriera.

 La moda stava cambiando rapidamente e Coco fu capace di adattare i propri modelli alla nuova silhouette che stava emergendo dalla Belle Époque. Usando il jersey, tessuto fino ad allora riservato alla creazione di sottovesti e completo intimo, realizzò un tipo di T-shirt chiamato marinierés, una rivoluzione all’interno della moda femminile.

Secondo il New York Times:Indusse le altre donne ad accorciare le proprio gonne, ad adottare il famoso taglio di capelli alla bob, ad utilizzare il jersey di lana delle sottogonne per i loro abiti da sera e ad adornarsi con molti tipi di gioielli sfacciatamente falsi.

 Entro la fine della Prima Guerra Mondiale, era riuscita ad affermarsi nel mondo della moda e a conquistarlo rapidamente. L’inaspettata morte del suo mecenate e amante, Arthur Capel, portò Coco a lavorare freneticamente.

 Chanel dominò il mondo della moda parigino negli anni ’20 del Novecento e nel punto più alto della propria carriera gestì quattro diverse attività commerciali - una casa di moda, un’azienda tessile, laboratori di profumi e un’officina di bigiotteria - che nel totale assunsero 3.500 lavoratori.

 Nella realizzazione di speciali gioielli che potessero accompagnare le sue creazioni d’alta moda, Coco utilizzò un approccio manuale. La tecnica utilizzata consisteva nel combinare le pietre come pezzi di un puzzle e come modellini da costruzione in argilla per ottenere un maggiore supporto, realizzando delle decorazioni fuori dal comune per i suoi abiti eleganti e fatti su misura.

L’ispirazione per i suoi gioielli derivò principalmente dall’antichità, in particolar modo la ispirarono l’epoca egizia assieme al periodo bizantino, medievale e rinascimentale, con le loro pietre preziose e gli strass brillanti e colorati, e con le loro intricate catenine e componenti.

Sebbene il design dei suoi modelli tessili fosse straordinario, la stragrande maggioranza del pubblico non era ancora pronta per la sua inventiva combinazione tra gioielli falsi e naturali.

A quel tempo infatti, le pietre preziose cabochon e le pietre meno colorate non erano considerate come “veri” gioielli, ma erano perfetti per le sue idee sopra le righe.

Furono questi grandi gioielli alla moda a stabilire la sua fama.

 Quando il mercato dei diamanti fallì nel 1932, l’industria diamantifera cercò di ristabilire la propria popolarità facendo creare a Chanel una serie comprendente 47 pezzi di “Bijoux de Diamants”.

 Se ho scelto i diamanti, l’ho fatto perché essi rappresentato il più alto valore nel minor volume possibile.

Inoltre, il mio amore per gli oggetti che brillano mi ha ispirata a combinare l’eleganza e la moda attraverso il mezzo dei gioielli.

 Il risultato era quello di far slittare i gioielli con diamanti da una sfera d’azione basata prettamente sulla ricchezza per farli diventare delle icone di stile.

Ogni gioiello fu disegnato per poter diventare facilmente convertibile per altri usi, inoltre fu costituito da chiusure e castoni invisibili.

I soggetti utilizzati erano composti da variazioni di fiocchi, stelle e piume. Oltre all’effettivo design dei gioielli, fu molto inaspettata la scelta dei manichini utilizzati per esporre questa inusuale collezione.

Chanel si muoveva con quello che veniva considerato il circolo delle persone più interessanti dell’epoca: Paul Iribe, Etienne de Beaumont, Jean Cocteau, Pablo Picasso, e Fulco Verdura, per nominarne alcuni. Sebbene un po’ tutti questi artisti abbiano influenzato il design dei suoi gioielli sotto diversi punti di vista, furono in particolar modoi progetti di Verdura per Chanel ad abbracciare un’intima conoscenza della storia dell’arte e a dimostrare un forte attaccamento ad una concezione di design più classica. Il bracciale alla schiava con motivo a croce di Malta è uno dei più memorabili progetti che nacque dalla loro collaborazione.

La loro collaborazione si interruppe nel 1934 quando Verdura si trasferì a New York, riuscendo in seguito a divenire progettista per Paul Flato e, nel 1937, ad un aprire il negozio “Flato’s” a Los Angeles.

Le persone che ebbero un grosso impatto nei progetti di Chanel andarono e vennero nel corso degli anni, ma ci fu un’importante costante nella sua linea di gioielli: l’utilizzo dell’officina Gripoix a Parigi nella produzione della sua bigiotteria.

La dichiarazione di guerra tra Francia e Germania all’inizio della Seconda Guerra Mondiale costrinse alla chiusura di tutte le sue botteghe, eccetto che una, a Parigi.

Dopo aver scelto di vivere il resto dei suoi giorni in Svizzera, Coco intraprese un ritiro dalle scene momentaneo, tornando alla ribalta negli anni ’50 per mostrare

al pubblico il proprio antidoto al “nuovo look” che si stava concretizzando in quegli anni.

Nel 1971 all’età di 87 anni morì ancora “con gli stivali ai piedi” creando e progettando fino alla fine.

Fonti

• Bennett, David & Mascetti, Daniela. Understanding Jewellery: Woodbridge, Suffolk, England: Antique Collectors’ Club, 2008.
• Mauriès, Patrick. Jewelry by Chanel. Boston: Little, Brown and Company,1993.
• Weir-de La Rochefoucauld, Juliet. Women Jewellery Designers, Suffolk: ACC Art Books, 2017.
• “Portrait of a Designer: ‘Coco’ Chanel.” New York Times July 29, 1961: p.7. Print.
• “Chanel, the Couturier, Dead in Paris.” New York Times January 11, 1971: p. 1, 35. Print.

CHANTECLER

Capri (NA), dal 1929

Discendente da una famiglia di gioiellieri napoletani, Pietro Capuano (Napoli, 1905-Capri, 1981) soprannominato “Chantecler” (coq gaulois dagli amici), inizia la sua attività a Napoli commerciando con i maggiori gioiellieri italiani.

Poi, nel 1929, affascinato dalla bellezza del luogo, si stabilisce a Capri. Passata la guerra, Capri si propone come ritrovo elitario del turismo internazionale e il 1° giugno 1947 Chantecler apre in via Camerelle n. 5 la Chantecler-Capri, prima gioielleria dell’isola, che egli manterrà sempre a carattere di impresa artigianale, senza mai lasciarsi sedurre dalla produzione in serie.

Nei suoi fantasiosi, ma pur sempre classici gioielli, Chantecler s’ispira perlopiù alla natura dell’isola, ricreandone i colori, le luci e l’atmosfera, combinando zaffiri, rubini, smeraldi e diamanti con perle vere (bianche, rosa e grigie), oro, turchesi e smalti.

Tra le creazioni più note del dopoguerra, è d’obbligo ricordare il ciondolo, a forma di campanella portafortuna, che è un souvenir dell’isola ricercato ancora oggi. Il primo esemplare, ideato e realizzato in collaborazione con l’artigiano napoletano Enrico Tessitore era stato inviato in dono al Presidente degli Stati uniti come simbolo di pace.

Naturalmente sono molto sfruttati da Chantecler i temi marini: conchiglie e pesci (particolarmente riusciti orecchini a forma di conchiglia), ma anche vascelli, poi braccialetti realizzati collegando le maglie di una catena in oro battuto con anelli alternati in lapislazzuli e diamanti come pure le spille a forma di pappagallo.

Animatore della vita caprese, negli anni quaranta, a guerra finita stabilisce un vincolo di stretta amicizia con la figlia di Mussolini, Edda, vedova di Galeazzo Ciano, e diventa famoso non solo per le sue creazioni, ma anche per le feste nella deliziosa villa di via Tragara, frequentate dai rappresentanti del jet-set internazionale, abituali ospiti di Capri e clienti della gioielleria.

Alla morte di Chantecler, è Salvatore Aprea (Capri, 1925 – Milano, 1994), suo unico collaboratore dal 1947, a raccoglierne l’eredità e a portarla avanti con lo stesso spirito del fondatore, affiancato dai tre figli Gabriele, Maria Elena, Costanza e la nuora Thérèse Quisler.

CHAUMET

Founded 1780

Il fondatore di “Chaumet”, Marie-Etienne Nitot ha lavorato con il gioielliere della regina Maria Antonietta prima di aprire il proprio negozio nel 1780. Velocemente ottenne la clientela dell’alta borghesia e un profondo rispetto.

Dal 1802 Nitot e suo fratello Francois Regnault sono stati i gioiellieri personali di Napoleone, creando gioielli simbolici per l’Imperatore, che li indossava quasi come uno status per dichiarare la sua potenza politica. Nitot creò spade, gioielli per la corona e per l’incoronazione di Napoleone oltre che lo spadino imperiale. Per la principessa Josèphine, la moglie di Napoleone, croeò gioielli in oro molto sentimentali, per accontentare il suo gusto molto eccentrico.

Dopo la caduta di Napoleone, l’attività continuò sotto la direzione di Jean-Baptiste Fossin e suo figlio Jules. Padre e figlio crearono gioielli romantici ispirati dall’Arte Decorativa del Rinascimento italiano e dal XVIII secolo francese.

Scolpirono i gioielli in delle foglie di vite, olive e alberi di castagno, bianco spino, e uva usando topazi, smeraldi, rubini e diamanti.

Tra la loro “elite” di clienti c’erano la Duchessa de Berry, la Famiglia Reale francese, il Principe russo Anatole Demidoff e pittori, scultori, scrittori e artisti teatrali successivi.

Nel 1848 Jules Fossin aprì la filiale di Londra con J.V. Morel, venne assistito in questo dal figlio, Prosper.

Morel guadagnò fama e notorietà con l’èlite inglese, diventando uno dei gioiellieri della Regina Vittoria. Durante il suo ritorno a Parigi nel 1854, Prosper Morel si unì a Jules Fossin, il quale gli succedette nel 1868.

La figlia di Morel sposò Joseph Chaumet nel 1875. Questo cominciò la sua carriera di gioielliere all’età di quindici anni, lavorando nella gioielleria dei suoi genitori a Bordeaux.

Quando dovette lasciare Parigi, fu assunto dal suo futuro suocero. Dal 1885, assunse la gestione della firma. Nel 1889, Chaumet prese le redini della compagnia, simultaneamente ne cambiò il nome.Sotto la sua direzione, la firma vinse premi in tutte le esibizioni internazionali e prese in dotazione, per trasformarli, i gioielli di molte Case Reali europee.

Chaumet si affermò uno dei fautori della Belle Epoque, creando, allo stesso tempo, eleganti e imponenti gioielli per i Reali e gli Aristocratici. La tiara divenne il simbolo della bellezza e la casa ne creò molti esemplari, in particolare il Colibrì Aigrette, l’Aigrette Soliel Levant e il Bourbon-Parme.

Nel 1907 aprì una boutique al 12, Place Vendôme, ancora esistente. Marcel Chaumet rimpiazzò il padre nel 1928 e adattò lo stile della maison secondo quello geometrico del periodo Art Deco. I gioielli, come lo stesso stile, erano caratterizzati da forti contrasti di colore, di materiali e dall’uso di pietre semi-preziose per raggiungere l’effetto ottico desiderato.

La firma chiuse nel 1934 durante la depressione, ma riaprì e prosperò dopo la seconda Guerra Mondiale. Chaumet si affermò come un pioniere del periodo, che, al revival di Parigi, inaugurò il nuovo stile di Christian Dior come centro della bellezza. La firma crea ancora eccezionali gioielli artigianali in Place Vendôme.

_{Child & Child (1880 - 1916)}

_{Azienda inglese di gioielli nota per lo stile Art Nouveau. Nel 1880, apre la sua sede in Seville Street a Knightsbridge, Londra. Mentre inizialmente produceva gioielli in stile neo-rinascimentale, Child and Child ha poi creato bellissimi gioielli in stile Art Nouveau ed edoardiano. La loro ricerca si sviluppò soprattutto sui lavori in smalto facendoli diventare famosi anche presso la casa reale. I loro pezzi spesso erano caratterizzati da motivi di pavone, insetti o motivi a forma di ala e venivano tipicamente fabbricati in argento. Dal 1891 al 1916, Child and Child si trovava al 35 Alfred Place, Kensington. Nel 1916, hanno chiuso i battenti.}

L'azienda nacque a Sonvilier nel 1860 da Louis-Ulysse Chopard, all'epoca ventiquattrenne, che aprì un laboratorio di orologeria. In poco tempo i suoi prodotti divennero celebri anche nell'Europa dell'est, in Russia e in Scandinavia.

Dal 1963 l'azienda Chopard passò in mano a Karl Scheufele, discendente di una dinastia di orologiai e gioiellieri tedesca, che portò l'azienda ad un grande sviluppo, facendola diventare uno dei nomi più quotati e prestigiosi nei settori dell'alta orologeria e della gioielleria.

I figli di Karl Scheufele sono gli attuali presidenti dell'azienda: Caroline Gruosi-Scheufele è responsabile delle collezioni donna e della gioielleria, mentre il fratello Karl-Friedrich gestisce le collezioni uomo e la Chopard Manufacture, il sito di produzione dei movimenti L.U.C. con sede a Fleurier.

DONALD CLAFLIN

1935-1979

Donald Claflin nacque nel Massachusetts e frequentò la Parsons School of Design di New York. Iniziò a lavorare come illustratore e disegnatore tessile;  in gioielleria cominciò con David Webb, prima di entrare alla Tiffany & Company nel 1966.

I suoi undici anni come designer per Tiffany & Co. sono più noti per il bizzarro e arguto stile figurativo, con le pietre preziose ha creato vivaci e brillanti accostamenti con l’oro lucido, realizzando poi pezzi di indubbia opulenza e lontani dalla seriosità che caratterizzava i gioielli del periodo, rinnovando e contribuendo alla rinascita di Tiffany. Quando Bvlgari lo assunse come disegnatore era già molto famoso.

La sua rappresentazione umoristica di animali, a volte creature leggendarie e, talvolta, storie di personaggi molto amati dai bambini, come Alice nel paese delle meraviglie, rimangono i classici del loro tempo.

Benché più noto per questi caratteristici soggetti della sua creatività, fu anche un designer esperto di gemme, ed è stato uno dei primi negli Stati Uniti ad utilizzare la tanzanite, l'intensa gemma blu - violetto della Tanzania che Tiffany introdusse nel 1969.

Quando Donald Claflin cominciò a lavorare per la Tiffany & Co., nel 1965, il suo lavoro stava riscuotendo il vivo favore di una nuova, giovane generazione di acquirenti di gioielli.

Egli rispondeva ad un mercato in trasformazione, sperimentando materiali insoliti in combinazioni uniche per la gioielleria di pregio. Lavorando in stretta collaborazione con il suo laboratorio di New York, Claflin fu il primo a disegnare spille, braccialetti, anelli, collane ed orecchini incastonandovi delle pietre dure, pezzi che richiamavano alla memoria gli orologi e gli altri oggetti che la Verger Frères produceva a Parigi negli anni '20.

Si devono a Claflin molti originali accostamenti; un suo braccialetto ad esempio, proponeva oro, pietre e cuoio marocchino intrecciato, e fu lui a riportare di moda l' avorio ed i legni esotici. Quella di Claflin è stata da molti definita una rivoluzione.

Mentre la gioielleria artistica americana aveva tradizionalmente adottato le pietre semi-preziose, egli progettò i suoi gioielli per la Tiffany & Co. destinandoli esclusivamente ad un' esecuzione che impiegasse il meglio in fatto di gemme, materiali e mano d' opera: e la venerabile maison Tiffany gliene offriva la possibilità.

I pezzi di Claflin sono grandi, pieni di colore e molto attraenti. Le signore di tutto il Paese, il cui rispetto per Tiffany non era mai venuto meno, furono indotte, grazie a lui, ad essere più avventurose ed intraprendenti, considerando i gioielli come parte integrante dell' abbigliamento e di un nuovo linguaggio del corpo.

Con la collaborazione di Sclumberger e di Claflin, la Tiffany & Co. aprì la strada ad uno stile moderno e sofisticato; e il resto dell' America la seguì volentieri.

Donald Claflin si era fatto  una clientela entusiasta di giovani, grazie alle sue interpretazioni dei personaggi più amati della letteratura infantile: il tricheco di Il tricheco e il falegname, il ranocchio he-would-be-a-wooing-go, e quell'eroe tipicamente americano, il topo Stuart Little,in procinto di salpare nel laghetto del Central Park.

Questi gioielli fantasiosi e non-tradizionali procuravano una possibilità di sblocco alla creatività dei gioiellieri e, a chi li indossava, un'occasione di esprimere la propria personalità.

CODOGNATO

Venezia, dal 1866

Simeone Codognato (Venezia, 1822-1897), di antica famiglia veneziana, apre nel 1866, in una Venezia da poco sottratta all’Austria e annessa al Regno d’Italia, una gioielleria, proprio in piazza San Marco.

Le scoperte di quel tempo sulle antiche civiltà (soprattutto quella Etrusca in Toscana) lo entusiasmano e lo inducono a tentare di tradurne il fascino nella moda del gioiello archeologico il cui revival era stato già promosso da gioiellieri come Castellani e Giuliano.

Così, la creatività di Simeone si realizza in trasposizioni audaci che fanno tesoro di motivi decorativi del passato. Ornamenti preziosi pienamente rispondenti a quella consuetudine che, moda più che autentica vocazione “classica”, rendeva doveroso all’epoca per ogni personalità europea, con pretese intellettuali più o meno autentiche, compiere il famoso Grand Tour attraverso l’Italia artistica e archeologica, di cui Venezia era una tappa irrinunciabile.

La sua produzione straordinaria incontra quindi in senso letterale i personaggi contemporanei più illustri, il cui consenso garantisce successo e fama internazionali. Tra i suoi clienti del tempo basta ricordare la Regina Vittoria, la zarina Alessandra di Russia e naturalmente la Famiglia Reale Italiana.

Il figlio Attilio (Venezia, 1867-1928) continua nel solco della tradizione e intorno agli anni venti si segnala per la creazione di un tabernacolo argenteo a forma di vascello e per un altare della basilica di San Marco.

Soggiogato dal gusto del bello assoluto in senso lato, Attilio affianca la produzione di gioielli e oreficeria con un commercio di oggetti preziosi e di curiosità di tutte le epoche: convertendo così la gioielleria in una sorta di Schatzkammer, una caratteristica che il negozio conserva anche ai nostri giorni.

Il figlio Mario (1901-1949) segue con passione le orme del padre nella creazione di gioielli che riflettono l’incomparabile arte di vivere di Venezia e l’atmosfera in bilico tra oriente ed Europa di questa città: intagli e cammei montati su anelli, spille, braccialetti e collane, valorizzati da filigranespeciali e ceselli.

Tra i pezzi più significativi, alcuni serpenti che sembrano indugiare tra un’iconografia vittoriana, il disegno liberty e il gusto bizantino, disegnati da Carlo Canal, pronipote del Canaletto e cugino dei Codognato. Ma forse, su tutto spicca il successo incondizionato del“Moretto”, reminiscenza del Moro di Venezia, dal viso scolpito nell’ebano, dalle diverse fisionomie, con turbante prezioso, soggetto di spille che continuano a essere create ancora oggi, di cui parla nel 1950 Ernest Hemingway nel romanzo Di là dal fiume e tra gli alberi, citate anche negli anni Cinquanta dalla scrittrice francese Louise de Vilmorin nel romanzo Intimités.

CUSI

Milano, dal 1886

Annibale Cusi (Milano, 1863-1930), undicesimo figlio di una famiglia modesta, orfano di madre, a nove anni è garzone dell’orefice Galletti, dove percorre le tappe di una gavetta in piena regola: giovane di bottega, orafo, operaio gioiellieri.

A ventitré anni (1886) riesce ad aprire un laboratorio tutto suo, prima in via Spadari, poi in via Farine n. 8, a due passi dal Duomo. Sposa Giuseppina Pradoni, da cui ha tre figli: Dina, Rinaldo, Lina.

Nell’arco dei due decenni successivi la ditta prospera grazie ai mutamenti socio-culturali che portano Milano a risentire, prima fra le città italiane, del clima della Belle Epoque parigina.

Il successo acquisito è testimoniato dal gran Premio conferito a Cusi nell’ambito dell’Esposizione Internazionale di Milano del 1906 ( allestita per celebrare il completamento del traforo del Sempione) per uno spettacolare collier a colletto “Maria Stuarda”, completamente snodato, realizzato in una nuova leggerissima lega brevettata proprio da Annibale Cusi, il “platiuralium” (di platino, oro, argento, alluminio), e tempestato da ben 15.000 diamanti, evocante la delicatezza e l’ aspetto di un pizzo.

La predilezione di Annibale Cusi per lo stile “ghirlanda”, moderno stile liberty, è documentato ampiamente da una nutrita serie di schizzi e disegni comprendente diademi e aigrette, collier e spille da realizzare in platino e diamanti dai peculiari motivi con serti e ghirlande di ispirazione Luigi XVI, rinvenuti nel poderoso archivio.

L’affermazione ottenuta all’Esposizione del 1906 consolida la fama nazionale e internazionale dell’azienda. Da questo momento Annibale Cusi visita sempre più frequentemente, per acquisti di pietre preziose, perle e aggiornamento, le capitali europee della gioielleria (Parigi, Anversa, Bruxelles, Amsterdam) e avvia relazioni importanti in Italia con alcuni dei colleghi più affermati (Bulgari a Roma, Chiappe a Genova, Fecarota a Palermo, Settepassi a Firenze, Calderoni a Milano).

Nel 1915, alla vigilia dell’entrata in guerra dell’Italia, il gioielliere, ormai affiancato dal figlio Rinaldo (Milano, 1895-1979), ottiene il brevetto di fornitore di S.A.R. il Duca d’Aosta e di S.M. il Re d’Italia.

Nel 1922 la ditta Cusi si trasferisce nel palazzo di via Clerici, appena costruito: il primo piano è dedicato al negozio di vendita e gli altri locali ai piani superiori ospitano il laboratorio e la sua abitazione.

Nel 1924, su incarico della Banca Commerciale italiana si reca a Varsavia per valutare una colossale partita di gioielli consegnati dai Sovietici a un’altra nazione come risarcimento di guerra.

Nel 1929 apre una filiale a San Remo, in concomitanza con l’inaugurazione del famoso casinò. La firma Cusi continua la sua ascesa nonostante la crisi del 1929.

In questi anni e anche nei decenni successivi, l’orientamento della produzione, sia pure continuando il filone tradizionale ottocentesco, risulta sempre più conforme all’avvicendarsi degli stili lanciati via via dai grandi gioiellieri parigini. Lo confermano documenti d’archivio dove prevalgono progetti e disegni di gioielli di grande importanza e preziosità ispirati alla moda francese: da quelli colorati art déco stilizzati, ai gioielli bianchi anni trenta e così via.

Come è consuetudine di quel tempo, Cusi compera disegni anche dall’estero, in particolare dalla Francia, e li realizza nel suo laboratorio che vanta già fra i suoi clienti gli aristocratici d’Italia e i potenti del mondo politico e imprenditoriale.

Alla morte di Annibale, nel 1930, subentra nella gestione dell’azienda il figlio Rinaldo che, dopo una decina d’anni, è a sua volta affiancato dai figli Ettore (Milano 1922-2001) e Roberto (Milano 1926-1996).

L’attività sopravvive anche alle vicissitudini della Seconda guerra mondiale e continua nei decenni successivi con un produzione allineata allo stile degli anni quaranta e cinquanta. La ricostruzione del dopoguerra ha portato ricchezza a molti e l’elenco dei clienti di Cusi si allunga di nomi famosi dalla Milano imprenditoriale che conta, ma anche del mondo dell’arte e del bel canto.

Gli operai di Rinaldo Cusi negli anni cinquanta sono oltre cento, il che dà un’idea della mole di lavoro veramente inconsueta per un struttura che rimane comunque artigianale nella cura di un produzione mai di serie.

Rinaldo Cusi muore nel 1979 e i figli continuano la tradizione familiare, anche se separati: Ettore alla guida dell’azienda di via Clerici, coadiuvato dal 1976 dal figlio Rinaldo (Milano, 1950), e Roberto nel negozio di via Montenapoleone.

Nel 1997 la quarta generazione dei Cusi è rappresentata da Rinaldo Cusi, che con la moglie Floriana Moschetti apre la sede di corso Monforte n. 21 intitolata “Ornamenta di Rinaldo Cusi”.

DAUM NANCY

La famiglia Daum lascia l'Alsazia, occupata dai Tedeschi, e si trasferisce a Nancy, dove nel 1878 il capofamiglia, il notaio Jean Daum (1825-1885), rileva una vetreria in dissesto che lavorava sellame e gobeleterie di tipo commerciale.

I figli, Auguste (1853-1909) laureato in diritto, e Antonin (1864-1930) laureato in ingegneria, a loro volta entrano nella vetreria: il primo si occupa dell'amministrazione e delle vendite, il secondo, spirito artistico, amante della letteratura e della musica, assume la direzione della produzione, che ben presto diventerà artistica.

Il primo passo è quello di acquistare un grande caseggiato con annessa la vecchia stazione delle diligenze. Pur incontrando difficoltà economiche non indifferenti, con un programma intelligente e tenacia lavorativa, riescono a conquistare la stima generale, elevando la firma Daum, accanto a quella di Gallé, ai vertici dell'Art Nouveau.

La manifattura Daum, allora Verrerie de Nancy, apre il suo atelier di decorazione nel 1891, dando avvio alla pittura a smalto ed oro (prima del 1890 per la gobeleterie si praticava l'incisione alla ruota e alla punta di diamante realizzando decori ancora neoclassici); nel 1893 si inizia l'incisione ad acido su vetri a più strati.

Coperte con bitume o vernice giudaica, le parti da non intaccare,  l'acido lavora fino ad asportare e rendere visibili gli strati di vetro sottostante, di diverso colore. L'operazione si ripete più volte, oltre che per incidere le linee esterne, anche per dare plasticità al soggetto.

Antonin Daum, favorisce le iniziative personali dei suoi collaboratori, e più tecniche vengono impiegate contemporaneamente, ma è sempre lui che compone le ricette che costituiscono l'originale tavolozza cromatica di cui tiene gelosamente segreto il procedimento preparatorio.

I pezzi prodotti a motivi naturalistici, fiori e paesaggi, sono ottenuti soffiando il vetro in forme di terra refrattaria o in stampi in metallo, montati a libro con cerniere che ne consentono l'apertura.

Anche per la lavorazione di decorazione a caldo, le famose applications, la manifattura desta notevole interesse per i risultati estetici raggiunti: fiori, frutti, insetti, cabochons, ma anche gocce, lacrime, manici, colli, gambi di vasi; le applicazioni possono essere più o meno in rilievo.

La manifattura sul finire del secolo è in pieno sviluppo e conta trecento lavoranti tra soffiatori, decoratori e incisori; tra le lavorazioni che eccellono vi sono: l'uso della mola per intagliare, sfaccettare e abradere il vetro o il cristallo, da cui i famosi martelés, e l'incisione alla ruota in cui si usano dischi di ferro, rame, piombo, legno ed infine sughero per imprimere al vetro, con la lucidatura, quel tocco finale morbido e delicato.

Il numero delle tecniche intraprese da Daum è tale che non ha uguali fra le vetrerie. Nel 1904, Daum si accorda con Amalric Walter, proveniente dalla Sèvres, assumendolo per la lavorazione della pâte de verre.

Maestro in questa tecnica, egli realizza vasi, ma soprattutto piccole sculture in vetro fuso, dalle sfumature delicate, dal giallo all'ocra al bruno, e dal verde alle tenui sfumature di azzurro.

La lavorazione è firmata Daum fino al 1914, anno in cui Walter ottiene il permesso di firmare col proprio nome, spesso accompagnato a quello dello scultore Henri Bergé.

Lunga è la lista degli artisti che contribuiscono a scrivere la storia nancéienne, operando per Daum: Jacques Gruber, celebre per le sue vetrate e le importanti opere in ebanisteria; Louis Majorelle, amico d'infanzia di Antonin Daum, ebanista ed esecutore di stilizzati bronzi e snelli ferri battuti; Edgard Brandt che fornisce i suoi pregevoli ferri battuti; i fratelli Schneider, maestri vetrai; Eugène Damman e Dufour, pittori e de coratori; Eugène Gall, capo-vetraio, più volte premiato in occasione di mostre a cui Daum partecipa durante i suoi quanrant' anni di permanenza nella manifattura.

Egli eccelle per le sue esecuzioni di pezzi unici di straordinaria creazione e tecnica, vetri intercalati e vetri con applicazioni a caldo. Infine, tra le decine di incisori alla ruota, vanno ricordati per le splendide opere, i fratelli Henri e Paul Racadot (in particolare il secondo che insegna quest'arte alle nuove leve), i Merchand, padre e figlio, e (dopo il 1914) Louis Gisquet.

Talvolta a firma della produzione Daum si trovano le iniziali di questi artisti accanto al logo Daum-Nancy, ma anche in assenza delle loro sigle un occhio esperto individua il loro operare. Nel periodo fra le due guerre emergono i nomi di Emile Toussant, Gaston Poulet e Emile Wirtz.

Nel 1901 viene fondata la famosa Ecole de Nancy, per la cooperazione e lo sviluppo delle arti, dell'industria e dell'artigianato: a questa alleanza aderiscono Emile Gallé (eletto presidente), i Daum, Louis Majorelle, Eugène Vallin e Victor Prouvé, ma ne beneficieranno direttamente o indirettamente tutti gli artisti della laboriosa terra lorenese.

L'Art Nouveau all'apice alla fine del secolo, dura formalmente fino al 1914, anno in cui la manifattura Daum spegne i forni a causa della guerra.

Intanto però, con l'entrata nel 1911 di Paul Daum (1888-1944), nipote di Antonin, la manifattura aveva avviato un periodo di transizione, iniziando una svolta stilistica, che, fermata dalla guerra, si sarebbe imposta dopo la riapertura, nel 1919, con decori stilizzati, in opposizione all'Art Nouveau: vasi e coppe ornati in applicazione a caldo, arricchiti da pastiglie o cabochon, formanti grappoli, bacche, ramages, o semplicemente decori astratti.

Dopo la guerra Antonin Daum resta ad osservare i nipoti che prendono le redini della vetreria portandola alle più alte vette dell'Art Déco. Morirà nel 1930, restando nella storia del vetro il grande artista che ha saputo trasformare con l'arte del fuoco la materia vetro in opere e capolavori.

Seguendo la nuova linea estetica, Daum crea ormai vasi e lampade con forme, colori e ornamentazioni completamente rinnovati: la materia è ora a forti spessori, colorata nella massa nei toni verde acqua, blu glaciale, giallo paglia, bruno, bianco latte e ghiaccio. I decori non osservano più la natura, una visione cubista mette in risalto geometrie formate da cerchi, quadrati, rettangoli, losanghe e spirali, o motivi di pura invenzione, che si ripetono su tutto il corpo del vaso, oppure compaiono fortemente stilizzati cervi, gabbiani, fiori, frutti in puro stile déco.

Le tecniche adottate per questi pezzi sono l'incisione ad acido per immersione prolungata e ripetuta più volte, l'intaglio profondo alla mola su un vetro ricco e molto puro che, a differenza di prima, viene lavorato nel suo spessore senza la necessità dei multistrati.

L'interesse destato da questi ultimi vetri Daum si diffonde dopo il consenso ottenuto nel 1925, quando la manifattura presenta alla grande Esposizione di Arti Decorative di Parigi, cinquanta pezzi fuori concorso.

Paul Daum dirige l'Impresa coadiuvato dal maestro decoratore Emile Wirtz fino al 1940, quando per la seconda guerra mondiale la fabbrica si ferma.

Nel 1937 la manifattura partecipa all'Exposition Internationale des Arts et Techniques di Parigi con opere in vetro monocrome sempre più spoglie di decorazione e con una nuova linea di cristalli incolori intagliati alla mola dalle sfaccettature che rifrangono la luce.

Deportato dai nazisti, Paul Daum non fa ritorno. Nel 1945, alla riapertura, le mansioni direttive della firma sono assunte da Henri Daum (1889-1960) fratello di Paul, da Michel Daum, figlio di Antonin e dai nipoti Jacques Daum e Antoine Froissart.

Inizia l'era del cristallo bianco trasparente dalle infinite armoniose forme, tirato per torsione e lavorato alla pinza e al crochet, nello stile più tardi chiamato "anni 50". Le opere sono firmate "Daum" con la croce di Lorena e "Nancy".

Jean Despres 1889-1990

Nasce a Souvigny, in Francia. Suo padre era impiegato in una vetreria, nell’ottobre del 1890 decide di aprire un  negozio di souvenir e tra le altre cose un angolo dedicato alla gioielleria.

Nel 1898 il negozio viene trasferito al 20 di Place Vauban ad Avallon. E’ a questo indirizzo che sarà aperta poi la sede principale della maison Despres.

1903; Jean va a Parigi come apprendista argentiere da un amico del padre, intanto frequenta la scuola di disegno e passa le sue serate nel quartiere artistico di Montmartre. Le persone che incontra nel quartiere (De Chirico, Modigliani, Soutine, Vlamick) influenzeranno in modo evidente il suo lavoro, poco dopo diventerà amico con il pittore cubista Georges Braque.

Nel 1914, allo scoppio della prima guerra mondiale, fu arruolato al fronte nella fanteria. Iniziò come ciclista, forte della sua passione per le attività sportive, presto però, visto il suo talento per il disegno, fu spostato nella sezione meccanica, dove disegnava particolari tecnici. Questa esperienza lo influenzò molto nel corso della sua carriera futura come argentiere e orafo.

La morte della sorella Yvonne nel 1919, lo costrinse a ritornare Avallon, facendogli abbandonare Parigi per occuparsi della madre.

Nel 1920 aprì un negozio nel retro della sua abitazione, dove produceva e vendeva oggetti in argento, nel 1924 ereditò l’attività della famiglia e da questo momento inizia il suo personale cammino creativo. Fu innovativo nell’utilizzo dei materiali, ispirato dai suoi amici a Parigi, e preferendo la lucentezza dell’argento rispetto all’oro nelle sue creazioni di questo periodo.

L’èsposizione del 1925 a Parigi è l’occasione che gli permette di farsi conoscere, con i suoi oggetti che pio tutto il mondo apprezzerà, nonostante provengano dalla provincia.

1928, i suoi gioielli furono rifiutati dal Salon d’Automne perché ritenuti troppo moderni per l’epoca, nel 1929 incontra il pittore e incisore Etienne Cournault, con cui collabora fino al 1934. Insieme creano i famosi “ Bijoux Glases” una linea di gioielli con piccoli inserti di vetro disegnati da Counaule e realizzati da Despres.

Nel 1930 incrementa la sua presenza ai saloni, dove si comincia a riconoscere i suoi “Bijoux Moteurs”- gioielli Motore.

Organizza una sua mostra “ La donna e l’arte moderna”, dove incontra l’artista Simone Delattre che diventerà sua moglie nel 1937.

Diventa Cavaliere della Legion d’Onore, durante la guerra continua con il suo lavoro ed esibirà i suoi pezzi a fianco di Raymond Templier, a Bruxelles vincerà una medaglia d’oro.

Nel 1977 smette di lavorare e muore nel 1980.

Jean Despers è stato uno dei più importanti gioiellieri del movimento Art Dèco, E’ stato anche l’unico gioielliere argentiere, che realizzava da sé, i suoi oggetti, infatti, si definiva “fabbro gioielliere” dando così ai suoi prodotti una qualità artistica diretta. Fu associato con quel genere di artisti il cui lavoro diventa scultura. Donò molti dei suoi lavori a grandi gallerie, per illustrare il suo lavoro e l’evoluzione della sua carriera, registrando così i suoi successi.

Henry Dunay

Fondata nel 1965

Henry Dunay inizia la sua veloce ascesa al mondo della gioielleria molto giovane, come fattorino presso un anziano maestro orafo di New York. Dopo l'apprendistato apre la sua azienda nove giorni dopo il compimento del suo ventunesimo compleanno.

Arrivano subito i riconoscimenti, e i suoi disegni sono premiati con cinquantatré riconoscimenti in diverse selezioni, diventa famoso per la bravura nel trattare i metalli e per la scelta delle gemme più belle usate nei suoi gioielli. Da questi disegni erano tratti i suoi gioielli, che si distinguevano per la cura artigianale e per l'incastonatura a pavé molto accurata delle gemme, con una costanza che rimane immutata da oltre cinquanta anni.

Negli anni successivi Dunay si trasferisce nei pressi della 5th strada, più vicino al centro della moda, lottando comunque per mantenere la sua indipendenza e l'integrità del suo design, ogni pezzo ha delle caratteristiche uniche, accuratamente lavorato a mano e prendendo molto tempo per la sua realizzazione.

La sua occasione arriva nel 1967, quando vince il primo dei tre premi che la De Beers

Award International, istituisce per i migliori talenti del periodo, con un anello con zaffiro e diamanti, in oro molto inciso.

Con l'impulso datogli dalla vittoria del premio, Dunay cerca di ri-pensare il suo approccio al business. Pur continuando a produrre i pezzi che l’hanno reso famoso, egli cerca di lanciare una collezione con un tema unificante e un design riconducibile a lui, "oro sfaccettato", una lavorazione in cui l'oro è profondamente inciso fino a ottenere delle faccette. La linea Sabi in oro spazzolato e sabbiato, e la collezione Cynnabar, un omaggio all'arte orientale, realizza anche una collezione con gemme colorate denominata " Color-me-Henry".

Nei suoi cinque decenni di attività come stilista e uomo di affari Dunay ha sempre puntato sulla qualità, artigianalità e scelta accurata delle gemme, accompagnato dal suo estro creativo mantenendo una forte etica sul lavoro e una passione per il suo lavoro.

Egli sostiene che nei suoi progetti, prima trova la gemma ideale e poi su di essa crea il gioiello.

EPINAY de BRIORT, Prosper, Conte d'

Gioielliere e scultore francese, nacque nell'isola di Mauritius e studiò a Parigi e a Roma prima di stabilirsi nel 1880 nella capitale francese. Produsse gioielli figurativi, fu fine incisore e tradusse i suoi temi scultorei in gioielli-medaglia. Lavorò per Boucheron.

FABERGE' (1842 - 1917)

Gustav Fabergé gioielliere russo famoso per i suoi oggetti d'arte e, in particolare, il suo smalto. Il patrimonio culturale e l’origine della famiglia Fabergé risale alla Francia del XVII secolo. Espulsi dalla nazione francese quando Luigi XIV revoca l'Editto di Nantes nel 1685, i Fabergé vagano in tutta Europa per due secoli prima di stabilirsi definitivamente a San Pietroburgo, in Russia.

In particolare, era molto affascinato dal design francese. Quando, infatti, assunse la direzione e la responsabilità della maison Fabergé nel 1870, fece in modo di orientare il gusto dell’'azienda verso la produzione di gioielli e oggetti in linea con le tendenze parigine. Allora, questo ha significato la creazione di disegni fedeli a varie rievocazioni storiche.

Nel 1882, l'azienda ha vinto la sua prima medaglia d'oro in una rassegna internazionale per la sua esposizione di gioielli archeologici presso la mostra Pan-russo a San Pietroburgo. Tra il 1884 e il 1885, Peter ingaggiò il talentuoso Mikhail Perkhin come capo progettista della nuova Fabergé. Anche suo fratello minore, Agathon, entrò a far parte della ditta. I due fratelli mantennero uno standard di qualità elevatissimo profonda sulla produzione, si servivano dei migliori artigiani sulla piazza, e solo i più abili artisti creavano disegni incredibilmente creativi.

In questo periodo, Fabergé focalizzò la sua attenzione sui gioielli sugli oggetti d'arte, creando pezzi che avrebbero lasciato un segno indelebile nella storia della gioielleria. Le sue specialità erano nuovi oggetti decorativi come piccole sculture di animali e personaggi tipici della cultura popolare Russa;le uova e i fiori smaltati, così come oggetti funzionali ;scatole, manici di ombrellini da sole, tagliacarte, binocoli da teatro, e vasi.

Alla fine del secolo, Fabergé fu scelto come gioielliere d’elezione della nobiltà russa, producendo una serie di meraviglie su commissione e offrendo un’ampia selezione di oggetti preziosi pronti.

L'eccellenza del suo lavoro è stato riconosciuto a livello internazionale. Nel 1900, a Peter Carl Fabergé fu assegnata la Legione d'Onore a Parigi durante il Salone Internazionale della Gioielleria per i suoi oggetti smaltati.

Nuove sedi furono aperte a Londra e Parigi, l'azienda prosperò fino a quando scoppiò la seconda guerra mondiale e il governo russo fece rimpatriare i suoi cittadini con i loro capitali. Dopo la Rivoluzione del 1917, la produzione dell'impresa si bloccò. I Fabergé fuggirono dalla Russia per la Svizzera due anni dopo.

Il più marcato contributo dell'impresa nel progettare gioielli non va ricercata in alcunaparticolare tendenza della moda ma soprattutto nella raffinatezza impregnata di classicismo dei suoi pezzi, in particolare, il suo smalto lo smalto Fabergé , come storico della gioielleria A. Snowman dice, "ha notevolmente ampliato la gamma di colori effettivi nello smalto", con ben altre armonie di colori attraenti. " i suoi artigiani utilizzavano e padroneggiavano tutte le tecniche guilloché, champlevé e cloisonné . Fabergé e le cinquantasei Uova di Pasqua Imperiali meritano nota speciale .

Essi sono considerati capolavori in miniatura, la qualità del lavoro e dello smalto sono rimasti a tutt’oggi insuperabili. I fiori e gli animali scolpiti, che devono molto al design giapponese e cinese, sono anche loro di alto valore collezionistico. Il suo gioiello è altrettanto ambito, anche se meno conosciuto. Nei suoi pezzi con diamanti utilizzava spesso il taglio a rosa che  era una caratteristica del momento.

Secondo il Dott. Géza von Habsburg, storico dell'arte e curatore esterno al reparto russo del Museo delle Belle Arti in Virginia, "Carl Fabergé una volta era un nome familiare nelle più alte sfere dell'aristocrazia e della finanza". E 'difficile credere che la sua impresa fosse composta di 500 artigiani in grado di produrre oltre 150.000 articoli di gioielleria, argento e oggetti d'arte, in sostanza ogni genere di prodotti.

Marie Betteley, gemmologo / rivenditore di gioielli russi e opere d'arte di Fabergé, rileva che "Carl Fabergé fu il gioielliere della corte dal 1885 fino alla Rivoluzione bolscevica". Durante questo periodo, divenne il gioielliere più popolare della Russia. E questa reputazione esiste ancora e continuerà ad esistere a causa del suo legame con la nobiltà e la famiglia imperiale, che fu il motivo di così tanto successo. "

La rivoluzione russa del 1917 segnò la fine sia della dinastia dei Romanov e della società di Fabergé in Russia. Fabergé morì a Losanna, in Svizzera, nel 1920, all'età di 74 anni.

SENSIBILITA 'ARTISTICA

Molte diverse influenze artistiche si possono trovare nel lavoro di Fabergé, spiega von Habsburg, tra cui lo stile archeologico, il neorococò o Luigi XV, l’art nouveau o neoclassico come lo stile Luigi XVI e, infine, il modernismo. "Le 50 uova imperiali di Pasqua, prodotte da Fabergè dal 1885 fino al 1916, sono un  esempio di tutti questi stili.

A Mosca, si concentrò di più su uno stile "Pan-russo', in conformità a un rilancio della tradizione nazionalistica usando un idioma russo, con in piccola parte accenti Art Nouveau".

Quello che ha fatto, riassume Mark Schaffer, direttore di La Vieille Russie, specialista in arte, antiquariato russo e Fabergé, è stato di fondere i molti elementi di design differenti inventando il suo stile. "Così, mentre si vede la tradizione di Luigi XV, Luigi XVI alcune, in stile Art Nouveau e la tradizionale influenza russa, vi è anche, sempre, un senso di uniformità e coerenza".

All'inseguimento della pietra verde
Che si trattasse di un uovo di Pasqua in miniatura a ciondolo, o un uovo di Pasqua Imperiale, rileva Schaffer, Fabergé creava opere d'arte. "Erano essenzialmente gioielli – oro, gemme e smalti. - Solo non tutti indossabili"


Con entrambi, gioielli da indossare oppure oggetti preziosi, dice Peter Shemonsky, gioielliere privato e storico di gioielleria  a San Francisco in California, "Fabergé utilizzava vari colori di oro, smalti e pietre preziose, con un artistico senso pittorico della moda".

In realtà non era sulla 'preziosità, non era una questione di ricoprire un oggetto con rubini per ottenere il rosso e smeraldi per il verde, usava piuttosto pietre preziose native, giada russa e vari smalti colorati per tradurre il senso e l'essenza dei pezzi. 

Dice von Habsburg, "L'essenza di un gioiello o gingillo da Fabergé fu, ed è, il suo fascino ineguagliabile, il design immediatamente riconoscibile, la sua attualità e la maestria consumata". Fabergé ha riassunto il suo credo estetico in un’intervista nel 1914, affermando, “... gli oggetti costosi m’interessano poco, se il valore è concentrato solo sui diamanti o sulle perle”.

Come’era per tutti i gioielli di quel periodo in Russia, i gioielli Fabergé - spille, ciondoli – avevano dimensioni relativamente piccole, Schaffer, spiega, " molti pezzi non includevano un numero alto di gemme di grandi dimensioni, ma erano e sono apprezzati ancora oggi per la loro qualità artistica".

Quando usava le gemme di colore - acquemarine, ametiste, calcedonio, granato, erano scelte molto attentamente e oculatamente per l’effetto che avrebbero trasmesso agli occhi dell’osservatore.

"Tra i gioielli da indossare Fabergé, continua Schaffer, " c'erano anche pezzi in smalto, a volte con pietre, come fibbie per cinture, fermagli da cappotto o spilloni e anche gemelli per gli uomini. Infatti, i gemelli Fabergé possono essere indossati ancora oggi.

"Il prezzo fu un fattore importante nella popolarità di Fabergé", rileva von Habsburg. "A causa delle molte migliaia di oggetti regalati dalla famiglia imperiale russa ai loro parenti in Inghilterra, Danimarca e regni tedeschi, il costo relativamente basso degli oggetti , era dovuto all’uso di gemme semipreziose,  tagli a rosa dei diamanti e piccoli cabochon di gemme provenienti dalla Siberia, li ha resi attraenti come oggetti appunto da regalo".

I Diamanti, spiega Betteley, "erano usati più spesso come accento e non come interpreti principali". “Usava gemme di colore e pietre dure non usate tradizionalmente da altri gioiellieri, come la Rodonite, pietra di colore rosa, la nefrite, che è una specie di giada, infine la pietra di luna e il calcedonio”.

La Tecnica

Forse la realizzazione e l'innovazione più famosa di Fabergè, afferma von Habsburg, fu il suo "smalto alla francese guilloché trasparente ", che comprendeva fino a sette strati di una sostanza vitrea colorata applicata su una base guilloché e amorevolmente lucidato per realizzare le famose superfici immacolate. Nel corso degli anni, Fabergé ha sviluppato una gamma di oltre 140 tonalità diverse. Il suo uso di fino a sei colori di oro è stato senza precedenti nella Russia nel suo tempo.

Impressionanti erano anche i suoi laboratori, osserva Shemonsky ", dove Fabergé aveva una linea di lavoro data dai migliori artigiani supervisionati da un mastro che coordinava la produzione, mantenendo una qualità costante". E quello che sorprende ancora adesso è che non c’erano due pezzi che fossero identici... anche se il disegno fosse stato lo stesso, le pietre erano state cambiate, così come la combinazione dei colori, ecc.

ROYAL CACHET
Avendo la patente reale, dice Schaffer, " Fabergé godeva di un certo prestigio". "I suoi clienti, includevano non solo lo Zar e la sua famiglia ma case reali di tutta Europa e oltre - la collezione della casa Reale della Thailandia fu una delle prime nel mondo ".

"Questi oggetti appartenevano a persone incredibilmente ricche e potenti, la loro provenienza impressionava per stato sociale". "La gente di oggi vuole avere un legame con quella grandezza ", dice Shemonsky. "Si tratta di oggetti di qualità, ma anche come di una pietra di paragone con la grandezza del passato". E c'è solo una quantità limitata di queste opere d’arte che le rende ancora più desiderabili. Alcune persone raccolgono pezzi specifici o sono felici di avere solo un pezzo, altri raccolgono tutta una collezione.

I gioielli Fabergé sono sicuramente famosi, dice Schaffer. "Abbiamo sempre alcuni dei suoi gioielli portabili”. Betteley dice che ha visto salire i prezzi dei gioielli in asta, "soprattutto nelle vendite russe". A Parigi, li vedo tanto in tanto. Vi è un grande fascino per Fabergé ancora oggi, così i prezzi sono molto alti.

"Io vedo qualche gioiello occasionalmente", dice Shemonsky. "E hanno prezzi molto elevati".  Anche se non tutti hanno lo stesso valore, dipende delle  dimensioni, ma c'è sicuramente sempre un mercato per tutto quello che riguarda Fabergè.

Gli oggetti più “ragionevoli" dice Shemonsky, sono i piccoli pendenti a ovetto smaltati, regalati nel periodo pasquale.

Sia in argento e smalto o argento e pietre o pietre dure e oro, i prezzi possono variare da  2.000  a 20.000 dollari.

Quando si arriva a trovare qualche piccolo oggetto individuale in argento, questi possono avere anche un prezzo un po’ più ragionevole, sotto 10 mila dollari in asta.

"Pochissimo dei pezzi di alta gioielleria Fabergé sopravvisse alla Rivoluzione del 1917, " dice von Habsburg. "Alcune delle sue opere d'arte più famose, le sue uova imperiali di Pasqua, sono state valutate fino a 25 milioni dollari ...

I prezzi per gli oggetti Fabergé hanno iniziato il loro impulso alla rapida crescita nel 2004, con la vendita privata della Collezione Forbes". - tra cui nove uova imperiali di Pasqua e circa 250 altri pezzi – all’oligarca russo Victor Vekselberg per oltre 100 milioni di dollari, e si sono stabilizzati da allora. Mentre pezzi eccezionali ancora raggiungono prezzi molto elevati, pezzi medi possono essere acquistati per circa la metà di quello che costavano cinque o sei anni fa.

FALIZE

Founded 1840

Rinomata casa di gioielli francese famosa per i suoi smalti cloisonné e i disegni d’ispirazione giapponese.

La storia dell'azienda inizia nel 1832, quando Alexis FALIZE (1811-1898) iniziò un apprendistato presso il gioielliere parigino Meller dits Mellerio. Fu un allievo volenteroso, FALIZE impara rapidamente tutti gli aspetti del commercio: produzione, incastonatura, incisione, design, vendita, e contabilità.

Cercando di migliorare le sue prospettive di matrimonio, egli lascia Mellerio nel 1835 per Janisset. Nel 1838, lascia anche Janisset per aprire la sua attività in proprio. "Questi furono gli inizi", scrisse Henri Vever, "questo grande gioielliere di talento il cui lavoro come progettista e produttore è stato così indicativo".

Vever attribuì a FALIZE il merito di aver rivitalizzato i gioielli e le arti decorative durante il regno di Napoleone III (1852 - 1870). Le sue specialità erano i “gioielli artistici " i gioielli con pietre semi-preziose, la lavorazione a intreccio del metallo, e lo smalto sopra ogni cosa. Dal 1860 al 1865, FALIZE sperimentava con gli smalti e studiava con i suoi talentuosi smaltatori la maggior parte del tempo.

Nel 1871, introdusse un nuovo metodo di smaltatura cloisonné. Il suo lavoro è stato ampiamente copiato e ha suscitato un interesse generale, l’uso di smalti vivacemente colorati, l'ispirazione per i suoi disegni fu ispirata da quasi ogni epoca storica e da molte culture, comprese quelle della Persia, India e Giappone.

Quando FALIZE andò in pensione nel 1876, suo figlio Lucien (1839-1897) assunse il controllo dell’attività. Avendo lavorato con suo padre per i due decenni precedenti, Lucien era un successore sicuramente competente, un esperto smaltatore, orafo e designer.

La sua ossessione per le epoche passate in particolare il Rinascimento e l'arte giapponese, eguagliava, se non superava quella del padre. Nel 1878, FALIZE vinse un premio per i suoi gioielli e la croce della Legion d’Onore all’International Exposition di Parigi.

Nel 1878, si associa con i discendenti di Bapst, l'ex Gioiellerie della Corona francese, per creare gioielli per i ricchi aristocratici di Parigi. Fino al 1892, Bapst et FALIZE ebbe grande prosperità. In quel periodo, FALIZE contribuì a teorizzare il nascente movimento Art Nouveau, contribuendo a scrivere articoli per Samuel Bing sul mensile Le Japon artistique.

I gioiellieri dell’epoca, guidati da” Lucien FALIZE “, dice Vivienne Becker, furono sedotti dalla semplicità della forma, l’intensità e nitidezza dei colori degli smalti giapponesi, e l'effetto intrigante della lavorazione dei metalli misti. Queste furono molte delle caratteristiche dei gioielli Art Nouveau.

Quando Lucien morì improvvisamente nel 1897, i suoi figli (André, Jean e Pierre) continuarono l'attività come Frères FALIZE. Essi produssero bellissimi pezzi Art Nouveau, vincendo due gran premi a Parigi all’Esposizione Internazionale del 1900.

FARAONE

Milano, dal 1945

Raffaele Faraone arriva a Milano poco dopo la Prima guerra mondiale, quando il capoluogo lombardo si avvia a diventare la capitale della vita mondana e culturale italiana, e inizia a lavorare nella nota gioielleria Cusi, della quale, con la sua amabilità e facondia tutta napoletana, diventa un abile venditore, ben introdotto nella clientela che conta.

Qui conosce Elvio Trabucco, direttore del laboratorio di produzione Cusi, con il quale decide di aprire nel 1945 una gioielleria in via Montenapoleone, con doppio nome, in ditta: Faraone - Trabucco. Egli si impegna soprattutto nella cura dei clienti e delle public relations, mentre Trabucco, abile disegnatore, si dedica all’aspetto creativo e alla realizzazione tecnica dei gioielli.

Sontuosi, carichi di diamanti, ricercati non solo come status symbol ma anche per finalità d’investimento, in quegli anni i gioielli Faraone – Trabucco, quintessenza dello stile del gioiello che si affermerà negli anni cinquanta, diventano quasi un simbolo della rinascita di Milano nel dopoguerra, e l’espressione del suo miracolo economico.

Tuttavia, nonostante l’incontestabile successo, i due soci si separano dopo pochi anni per divergenze di conduzione aziendale che nascono anche da marcate differenze caratteriali, per contrapposizione tra la riservatezza nordica di trabucco e l’esuberanza napoletana di Faraone.

Così, Elvio Trabucco apre nel 1952 un nuovo negozio, mentre Raffaele Faraone rimane in quello di via Montenapoleone, con due nuovi associati.

Poi, nel 1961, Raffaele Faraone muore improvvisamente: nessuno dei suoi figli, data la tenera età, è in grado di succedergli e così la gioielleria è rilevata dal gioielliere fiorentino Cesare Settepassi, che ne conserva intanto il nome, anche in memoria dell’amico scomparso.

In seguito la ditta Faraone, sotto la guida di Settepassi, si accosta ai prodotti della Tiffany, società newyorkese di fama mondiale con la quale conclude nel 1989 un accordo, oggi non più operante, che le riserva l’esclusività dell’importazione e della distribuzione dei prodotti Tiffany, in Italia.

PAUL FLATO

Ci fu un tempo in cui Paul Flato era considerato uno dei più grandi gioiellieri d'America. Flato nacque in Texas nel 1900, e si trasferì a New York nei primi anni 1920. Ha iniziato la sua carriera come venditore di orologi prima di aprire il suo negozio di gioielli sulla 57a East St. a Manhattan.

In breve tempo, è stato uno dei migliori gioiellieri a New York.. Fu Paul Flato a lanciare e rendere popolare i pezzi“say-it-in-jewelry” (dillo con un gioiello), chi li indossa rende pubbliche le proprie iniziali, il nome, oppure manda messaggi come "ti amo"il tutto scritto in lettere d’oro.

Egli creò il primo “braccialetto d’identità”.Anche quei gioielli disegnati per le celebrità di Holliwood lasciarono un’impronta indelebile sulla gioielleria del 1930/40.

Ad esempio per la celebre ereditiera del petrolio Millicient Rogers realizzò una serie di cuori gonfi costellati di gemme colorate, che divennero molto popolari.

Per Josephine Forrestal crea una collezione di clip sinuose, con componenti “tremblant” tremolanti al minimo movimento, che fecero sensazione.

Al suo ritorno da Parigi la Forrestal ispirò a Flato anche il classico bracciale gourmette o “Curb-Link”, che veniva usato per legare le biciclette ai lampioni del marciapiede, lei ne portò uno in argento; Flato glielo realizzò in oro.Lo stile di questo oggetto venne ampiamente  riprodotto da altri gioiellieri ed è uno dei bracciali più usati per legare charms e placchette con il nome inciso.

FONTENAY

Un uomo di rara intelligenza, di grande spirito e di gusto sicuro.

Vero artista e notevole scrittore… aperto e piacevole di carattere, con un talento stupendo per tutte le cose, si interessava in modo appassionato a tutto ciò che aveva a che fare con la sua professione.”

Fontenay non avrebbe potuto sperare in un tributo maggiore di queste parole scritte dal giovane collega Henri Vever in una notevole opera sull’oreficeria francese dell’Ottocento. E Vever aggiunse:

“Fontenay è stata una delle più grandi figure dell’oreficeria; come Catellani, creò uno stile che porta il suo nome e che nessuno più è riuscito a ripetere”.A più di un secolo dalla sua morte – Eugène Fontenay morì il 6 marzo

del 1887 – è doveroso assegnarli il posto che gli spetta in quella generazione di abili e illustri artisti che caratterizzarono la secondo metà dell’Ottocento. Appassionato difensore della bijouterie (gioielli in metallo) – in un periodo in cui le joaillerie (con pietre preziose) regnava suprema – riuscì a coniugare la perfetta padronanza del mestiere con l’inventiva e la grande erudizione; imparò a fondo la lezione degli antichi e riportò l’oreficeria a grandi splendori. Cosa rimane oggi dell’incredibile quantità e varietà di gioielli di varietà di gioielli creati nei suoi atelier nel corso di una carriera durata trentacinque anni? I pochi pezzi che sono stati identificati, i preziosi album di fotografie e di incisioni, le testimonianze dei contemporanei e i suoi scritti storici sull’oreficeria ci aiutano forse a farci un’idea del suo lavoro; resta tuttavia una triste realtà: la maggior parte della sua produzione è scomparsa e tutte le sue carte e i suoi disegni sono andati perduti.

Fontenay nacque nel cuore di Parigi il 19 maggio del 1824. Nipote e figlio di orefici – il padre Prospero, che abitava al numero 32 di Rue du Caire, era specializzato in catene d’oro per abiti – dimostrò presto di voler seguire la tradizione di famiglia ed ebbe la fortuna di fare il proprio apprendistato presso due eccellenti gioiellieri parigini: Edouard Marchand, inventore di nuove forme, in particolare braccialetti elastici o basati su un sistema di molla, e Dutreih, che aveva riscoperto gli straordinari effetti degli smalti sull’oro puro, alla maniera degli artigiani del Cinquecento.

A ventiquattro anni Fontenay aprì un proprio modesto atelier al numero 2 di Rue Favart. Ricordando probabilmente le difficoltà dell’inizio, rammenterà ai colleghi della corporazione dei gioiellieri “le basi molto democratiche della professione dell’orefice: molti orefici… hanno cominciato come operai”.

Dei suoi primi dieci anni di attività, dal 1847 al 1857, si sa poco: Vever ricorda solo due lavori prestigiosi: un gioiello a forma di ventaglio con una decorazione istoriata, ispirato al Rinascimento, commissionato nel 1852 dalla regina del Portogallo ed eseguito in collaborazione con lo smaltatore Lefournier, che Fontenay conosceva dai tempi di Dutreih e,il capolavoro in pietre preziose realizzato nel 1855 per l’Exposition Universelle, un diadema formato da tre rami di rovo. In quest’ultimo caso, Fontenay realizzò un interpretazione originale di un’acconciatura già in auge sotto Luigi Filippo, dando prova di un naturalismo particolarmente efficace, accentuato dalla montatura molto leggera, eseguita in parte in platino.

Fu con uno spirito completamente differente che diede forma all’elegante diadema eseguito nel marzo del 1858 per l’imperatrice Eugenia. Consapevole che un diadema deve fare effetto a distanza, come risultato di “linee e di parti ben scandite e ben individuali”, che si riducono “a poco più che profili”, realizzò un’acconciatura che permetteva due soluzioni diverse, intercambiabili: i grandi fleurons- impreziositi da smeraldi o zaffiri – potevano essere sostenuti con “grosse perle  a goccia che producevano un effetto straordinario”; queste sostituivano anche i  “grossi diamanti che venivano staccati dalla rivière imperiale di cui facevano parte”.  Con l’amore  per la precisione che gli era abituale, Fontenay si affrettò a chiarire che quelle corone – la principessa Matilde ne aveva una simile con perle – non erano strettamente  araldiche; erano per molti aspetti lavori di fantasia che completavano la toilette in modo ammirevole.

Il decennio successivo costituì uno stadio decisivo nella carriera dell’artista e culminò con il grande successo alla Exposition Universelle del 1867. Unendo le proprie forze a quelle di Joseph Halphen, importante commerciante di pietre preziose, Fontenay si assicurò una grande quantità di commissioni da una clientela orientale estremamente ricca e cominciò a diversificare la propria produzione per soddisfare la domanda.

Alla sua morte, il collega Massin gli tributò un caldo omaggio descrivendone così il successo: “Grazie alla straordinaria varietà dei suoi talenti, uniti alle risorse di una tecnica e di una abilità perfette, era fra i colleghi  quello nella migliore posizione per aumentare all’estero la reputazione della nostra arte parigina. Orefice quando si trattava di creare servizi da tavola… diventava armaiolo quando doveva fare sciabole. L’arma che usciva dalle sue mani era costruita a regola d’arte… adatta alla parata come alla guerra”.

Certi capricci reali, come le scatole per le noci di betel, le pipe, le cinture per la spada, gli specchi, i parasoli, i cacciamosche, le armi da parata – persino finimenti completi con morso, sella, briglie, staffe, frustino ecc. – fatti per il re del Siam, lo scià di Persia o i principi indiani, avevano soprattutto lo scopo di sfoggiare una profusione di stupende pietre preziose. Il servizio da pranzo del viceré d’Egitto, iniziato nel settembre del 1858 e finito nel febbraio del 1867, era talmente prezioso da superare ogni immaginazione.

Consapevole della reputazione acquisita grazie a queste commissioni stravaganti, ma convinto anche che fossero soltanto un pallido riflesso dei suoi veri obiettivi artistici, Fontenay ne andava abbastanza orgoglioso:

«Riteniamo di non poter concludere questo condensato della storia della nostra industria… senza ricordare il servizio da pranzo eseguito in oro, diamanti e pietre preziose… realizzato per Said Pascià. Il servizio, consistente in 42 pezzi in oro e smalto incastonati di diamanti, ciascuno del valore di 60.000 franchi, fu completato da una grande fruttiera che costituiva il pezzo centrale di un insieme che comprendeva due candelabri con sei braccia… del valore di 1.800.000 franchi e sei fruttiere più piccole a forma di foglie».

Grazie ai profitti provenienti da queste esportazioni e alla fiducia dimostrata da una clientela affezionata, Fontenay riuscì a fare a meno dei commercianti per i quali, negli anni sessanta, aveva montato molte pietre, presentate con successo nelle esposizioni industriali a partire dal 1855. Dovette aspettare fino al 1863 per punzonare gli oggetti con il proprio marchi e solo nel 1865 poté partecipare ad una esposizione con il suo nome, a Porto. Da allora divenne un espositore fisso delle fiere internazionali, e contribuì ad aprirne le porte ad altri orefici.

Ora che si sentiva pronto a mostrare la sua opera al grande pubblico, Fontenay capì che l’esposizione universale del 1867 gli offriva l’occasione ideale per farsi conoscere, sfruttando abilmente l’infatuazione per lo stile neogreco.

Affermo con orgoglio che nessuno dei pezzi esposti era stato realizzato per l’occasione: «La mia vertina è l’esatta e sincera espressione di ciò che faccio… e presenta gli oggetti che io vendo comunemente». A parte tre colibrì eseguiti da un collega, Hommassel, la sua vetrina era dedicata tutta ad oggetti in oro.

Probabilmente era consapevole che il suo nome sarebbe stato legato più alla serie di gioielli che aveva disegnato ed eseguito su sua ispirazione nello spazio di pochi anni, che alla serie di gioielli tempestati di pietre preziose che aveva realizzato per la clientela orientale.

L’exposition universelle del 1867 fu fortemente nominata dallo stile neogreco. La moda per l’antichità classica, già annunciata da alcune opere isolate, conquistò il favore generale nell ’ultimo decennio del secondo Impero. Nel 1854 Napoleone III aveva dato il via commissionando la sua casa pompeiana al numero 18 di Avenue Montaigne, a Parigi. E fu ancora Napoleone ad assecondare la moda, acquistando la collezione riunita a Roma dal cavalier Campana. La presentazione della collezione, che consisteva in 1200 gioielli greci, etruschi e romani, prima al Palais de l’Industrie e poidal 1863  al Louvre, fu un avvenimento artistico sensazionale.

Già all’esposizione di Londra del 1862 alcuni artigiani parigini, tra cui Marret, Baugrand e Mellerio, avevano presentato pietre montate in uno stile  definito «etrusco». Quella che per molti non sarebbe stata una moda definita passeggera, basata sul gusto artistico del momento, nel caso di Fontenay avrebbe dato vita ad uno stile che sarebbe durato per anni e avrebbe costituito una fonte inesauribile di ricerca, studi e riflessioni.

Fontenay non era né il primo né l’unico, a Roma, a Vienna, a Londra già ci si ispirava all’oreficeria dell’antichità. In Italia, Castellani aveva già scoperto certi procedimenti di lavorazione e aveva riprodotto con successo un gran numero di famosi gioielli, Nella stessa Parigi altri orefici – Wiese, Rouvenat, Gueyton e Falize, per ricordarne solo alcuni- si erano ispirati al patrimonio archeologico e lo avevano adattato temporaneamente al proprio lavoro. Vever perese atto del grande successo dei gioielli «tipo Campana». In particolare ammirò le parure di Fontenay, di cui riprodusse non meno di 64 modelli nel suo libro sulla oreficeria francese dell’Ottocento: «Le parure degli eroi e degli dei cantati da Omero, delle belle donne di Micene, Cipro e Tiro, si materializzarono nelle sue mani per adornare le donne parigine del secondo Impero.

Fontenay riuscì a coniugare con un tour de force il patrimonio dell’antichità nella sua forma piùpura, il gioiello d’oro, con la tradizione parigina, che aveva avuto il suo apice nel settecento nella manifattura di scatole d’oro sbalzate e catene, pietre dure e smalti, per proporre una sottile sintesi che appartiene in modo inequivocabile alla sua epoca. Mai sottovaluto il pericolo del pastiche, rappresentato dal prevalente eclettismo. «Questi stili, nessuno, sono diventati nostro patrimonio… che, nuova camicia di nesso, distrugge la nostra linfa». Con grande preveggenza, difese comunque le creazioni dei colleghi contro coloro che le accusavano di essere senza stile: « I produttori contemporanei, cui si rimproverava la mancanza di carattere, hanno fatto più fatica di quanta ne fecero gli antichi quando, percorrendo un sentiero battuto, seguivano tranquillamente le orme, indefinite o ben definite che fossero, di uno stile».

Fontenay riuscì a evitare il trabocchetto dell’eccessiva familiarità con gli stili antichi esotici. Anche se qualche volta si andò lasciare ai capricci della moda – disegnando qualche gioiello in stile egiziano cinese per commemorare l’apertura del canale di Suez o la conquista di Pechino – rimase nel complesso fedele alle regole della composizione da lui stesso stabilite.

Dov’è il segno della sua originalità e il vigore del suo stile? Prima di tutto in una conoscenza diretta e non comune (visitò i musei e le collezioni private di tutta Europa) e nella nostalgia entusiastica della gioielleria antica. Gli piaceva parlare di questo suo entusiasmo, e lo sapeva fare bene: « Mi piace immaginare l’oro dei diademi, delle collane, delle fibule, dei pendenti, che si staglia sui capelli neri che corre con un rivolo di fuoco su pelli dalle tonalità calde e brune e traccia fantastici arabeschi sulle semplici pieghe di tuniche bianche».

L’antica oreficeria egiziana e assira, l’oreficeria gallo-romana e bizantina, quella moderna delle province francesi, della Scandinavia, della Cina e del Giappone, e persino dell’Africa e dell’India, dove senza dubbio trovava distanti echi dell’antichità, non sfuggivano alla sua curiosità intellettuale. Ma soprattutto Fontenay era uno di quegli artisti  che cercavano di andare oltre la produzione di quelle che spesso non sono che imitazioni un po’ piatte di opere antiche; e interrogando costantemente i modelli che studiava, giunse ad una profonda comprensione dei principi della decorazione: «Quella che voglio è un’arte… che possa subordinare la conoscenza del gusto».

I suoi gioielli, spesso arricchiti da una discreta policromia, ottenuta talvolta con smalti, talvolta con pietre dure, corallo, perle e simili, conservavano sempre uno stile omogeneo, nobile e misurato. Pur lasciandosi ogni tanto trasportare dal virtuosismo, specialmente nell’uso della filigrana, Fontenay si preoccupava almeno di assicurarsi sempre che ogni motivo, per particolareggiato che fosse, costituisse una parte integrante del lotto e restasse chiaramente leggibile. Ai lapidari faceva tagliare la giada e il lapislazzuli, all’arte dello smalto chiedeva quelle figure mitologiche che tanto gli piacevano: Artemide, Atalanta, Atena, Circe, Danae, Leda, Omfale, Saffo, ognuna circondata dagli emblemi consueti. Anche nello smalto, che stava attraversando un momento di grande favore, portò il proprio contributo, assolutamente originale, rivolgendosi ad un allievo di Thomas Couture, Eugene Richet, che produsse per lui smalti opachi trattati come miniature.

I pochi esemplari dei suoi gioielli riscoperti oggi consentono di apprezzare la straordinaria perfezione  che fu il marchio della sua produzione. Nessun metodo, non lo sbalzo, non il cesello, non il repercè, non la filigrana ebbe per lui segreti.

Vever racconta un aneddoto che rivela quanto Fontenay fosse esigente nel suo lavoro. Avendo scoperto una volta che un pezzo che doveva consegnare il giorno  dopo non era perfetto, non esitò a rifarlo con le sue mani, lavorando tutto il giorno: «Il giorno dopo, l’artigiano trovò sul tavolo… uno accanto all’altro, il pezzo difettoso e quello rifatto… pronto per essere consegnato al cliente».

Con una simile conoscenza dell’oreficeria antica e un simile perfezionismo, Fonenay era un sostenitore intransigente dei gioielli realizzati interamente in oro. Anche se gli venne in mente l’idea di gioielli più a buon mercato, lasciò ad altri il compito di realizzarli. Generoso ed esigente com’era, non riusciva ad imbarcarsi in quello che gli sembrava un impoverimento della professione che aveva scelto, anche se doveva far fronte alla sempre più grande concorrenza dell’oreficeria di imitazione in metallo dorato.

Per un nostalgico amante dell’oreficeria come lui, l’oro  22 carati restava il materiale ideale che nessuna lega poteva eguagliare: «Bisogna vedere i gioielli fatti con questo materiale all’aperto, nel verde, con la cupola del cielo, in piena luce, per coglierne gli effetti magici». Quando non fu più possibile usare l’oro a 22 carati con la stessa facilità di un tempo, propose di placcare con esso l’oro a 18 carati, per combinare «Il fascino dell’uno con la solidità dell’altro», e si riservò il piacere di usare l’oro puro per ornamenti particolarmente delicati:«Ho eseguito lavori a 22 carati – che sono quasi giochi di prestigio – perché non si potevano assolutamente fare con una lega più bassa, sarebbe come saldare una serie di granuli microscopici ad un pezzo stampato».

Più di altri gioiellieri si dedicava a produrre innumerevoli effetti con i diversi toni dell’oro. Ricordava che quando era giovane apprendista aveva cercato di combinare diverse colorazioni mischiando l’oro con l’argento e l’ottone. Diventato un maestro, preferì non produrre i facili effetti con l’oro colorato e conservare la ricca tonalità dell’oro,«che diventa più bello con l’uso». Sapeva anche come dare all’oro una finitura opaca, «molto piacevole a vedersi», che evitava l’eccessiva lucentezza e la superficiale brillantezza prodotta in genere dalla politura.

Questo rispetto per il nobile metallo, questa attenzione a conservarne le qualità intrinseche, in un momento in cui l’affermazione dell’industria incoraggiava ogni tipo di procedimento artificiale, riflettono chiaramente l’idealismo nostalgico di un artista che trovava difficile accettare gli sconvolgimenti prodotti dalla rivoluzione industriale: «La nostra società, così desiderosa di distrazioni, si accontenta dell’approssimazione».

Più acuto di altri, si rese conto che seguire l’esempio degli antichi non significava limitarsi a un semplice repertorio di forme e di ornamenti, ma richiedeva un’attenta riflessione sui principi del disegno e sulle regole della composizione. Deplorava il fatto che «le creazioni dell’oreficeria moderna non hanno… né il carattere, né la pienezza delle forme, né la purezza di linea» dell’oreficeria del passato.

Come per molti suoi contemporanei – Viollet-le-Duc, per esempio – c’era naturalmente molta distanza tra una teoria enunciata con non comune preveggenza e la produzione reale, che dipendeva troppo dalla moda, dalla richiesta della clientela e dalle consuetudini del laboratorio. Eppure, all’ interno di quel circolo artistico in cui la diffusione dell’eclettismo incoraggiava ogni mescolanza di stili, Fontenay fu uno dei pochi a ritornare ad un’unità di materiali e di stile.

Nei suoi pezzi più belli, in cui cercava di evitare un eccesso di decorazione, riuscì a raggiungerequella spontaneità, quella naturale semplicità che tanto apprezzava nell’oreficeria antica, traendo ispirazione dalla vita e dalla natura attorno a lui. Sarebbe diventato un acceso apostolo del ritorno alla natura, che anticipava la grande fioritura dell’Art Nouveau, e in Confession d’un Orfèvre  1885, raccontò le diverse tappe attraverso le quali era arrivato a quella convinzione:«Ho osservato i più minuscoli particolari della natura, uno per uno… e ciascuno di quegli studi, che mi sembravano all’inizio assolutamente privi di significato, diventarono a un certo momento e senza che me ne rendessi conto il punto di partenza de un gioiello; da un chicco di avena o di grano veniva il motivo per una collana».

Se osserviamo i gioielli che ci sono noti vediamo come nel corso degli anni  dimostrò questo amore per la natura: dal diadema di rami di rovo (1855) alle spille di giada (fu il primo gioielliere europeo a usare la giadeite) a forma di scarabeo, di cavalletta o libellula (1860), alle familiari demi-parures con chicchi di avena o di grano (1867). L’ispirazione alla natura, meno evidente a prima vista, impregna anche alcune composizioni che vanno dal 1870 al 1880, in particolare i pezzi realizzati per Boucheron. Un gioiello come la chàtelaine su cui è incisa l’iscrizione «FUGIT IRREPARABILE» sorprende per la leggerezza del motivo di foglie molto vicino allo spirito dell’Art Nouveau.

Il carattere complesso e spesso sconcertante di Fontenay ci dà l’impressione di un artista difficile da definire, capace tanto di disegnare le forme più semplici e più essenziali quanto di produrre gioielli enormi, quasi importabili. Ci sono collane voluminose come antichi pettorali, diademi che – come quelli che si trovano nelle foto degli archivi Boucheron – ricordano più i gioielli da teatro e anticipano i modelli analoghi che Alphonse Mucha avrebbe disegnato per Georges Fouquet.

Tuttavia, anche nelle parure di pesante gusto orientale, Fontenay dimostrava un vigoroso senso della composizione; l’ampiezza e il dinamismo dei motivi a spirale ricordano le placche articolote e i braccialetti romani o gallo - romani  che aveva disegnato o commentato durante i suoi viaggi.

Lo  stile più misurato dell’oro opaco dei braccialetti o delle collane flessibili rimanda a precedenti modelli di successo (ancora ai gioielli Campana a chicchi di grano o di avena), ma dà anche origine a nuovi modelli di successo: le collane « ricamate » con disegni in filigrana su una serie di piccole lingue di lunghezza decrescente.

Fontenay creò uno dei suoi capolavori per l’Exposition Universelle del  1878, un pezzo presentato fuori concorso in quanto lui faceva parte della giuria.  Si tratta di un piccolo brûle-parfum formato da un uovo ricoperto da filigrana e smalto, sorretto da delfini e sirene, su un piedistallo in lapislazzuli. Questo gioiello unico, che usa tutte le risorse dell’arte dell’oreficeria, può essere considerato da solo il testamento di un artista completo che aveva che aveva assimilato completamente gli insegnamenti dell’antichità: composto come un monumento di piccole dimensioni, questo pezzo di bravura di un gioielliere all’apice della sua carriera rappresenta una sintesi perfetta degli stili che Fontenay più ammirava, quelli dell’antichità classica e del rinascimento. I temi allegorici che appaiono su quattro medaglioni: la vivificante forza dell’amore, il lavoro, il piacere sensuale, la forza distruttiva della discordia – la composizione e la ricca policromia (qui Richet tornerà agli smalti trasparenti e iridescenti) – sembrano rendere omaggio all’oreficeria del rinascimento.  Opera di uno scultore, di un fonditore, di un cesellatore, di uno smaltatore, di un lapidario, il  brûle-parfum del 1878 prefigura le uova di Fabergé.

Fontenay aveva 59 anni quando nel 1882 decise di lasciare la ditta al più valido dei suoi colleghi, Henry Smets. Il rispettato e onorato orefice si trasformò in uno storico dell’oreficeria, dedicandosi a conferenze e scritti. Negli ultimi cinque anni di vita viaggiò per tutta Europa a studiare, raffrontare e disegnare tutti gli esemplari conosciuti dell’arte dell’oreficeria. Gli articoli che pubblicò sulla stampa specializzata e sui suoi libri apparsi dopo la sua morte nel 1887, mostrano come fosse uno dei primi a voler ripercorrere la storia dell’oreficeria a partire dall’antichità, applicandovisi con enorme passione ed entusiasmo.

Artista colto e ammirevole artigiano, Fontenay fu in tutto  e  per tutto un uomo dell’Ottocento, un secolo in cui l’erudizione era un complemento di ogni creazione artistica. Grazie al suo spirito meditativo e all’attenzione per la vita, fu uno dei primi a liberarsi dell’eclettismo dominante e a sostenere la necessità di imparare dalla natura, in anticipo sull’affermazione dell’Art Nouveau.

In un periodo che amava la ricchezza vistosa e la grande profusione delle forme, le sue creazioni più pure, gioielli semplici, tutti in oro, privi di ogni riferimento allegorico, appaiono sorprendentemente “moderni”.

Fouquet

Gioielliere francese, conosciuto per I suoi lavori in stile neo-rinascimentale e Art Nouveau. Nel 1839, il fondatore della casa, Alphonse Fouquet, entra nel mondo della gioielleria alla tenera età di 11 anni, servendo come apprendista per il gioielliere parigino Henri Meusnier. Il suo apprendistato sotto Meusnier può essere definito infame e degno di un romanzo alla Victor Hugo.

Nella sua autobiografia, parte della quale fu ripresa dal gioielliere francese Henry Vever, racconta che nel suo tirocinio erano inclusi abusi fisici, giornate di lavoro lunghe (da 14 a 20 ore),paga bassa e condizioni umane inenarrabili.

Fouquet resistette 5 anni, dopo di che passò da un lavoro a paga bassa ad un altro. Nel 1847 ci fu il punto di svolta, ottenne un lavoro come disegnatore presso il laboratorio di Pinard. Nel 1860 dopo vari cambiamenti, apre la propria attività.

Mentre le prime produzioni riflettevano lo stile neo-archeologico, nel 1870-80 cambiò gusto, si mise a realizzare oggetti nello stile più vicino al suo sentire; quello neo rinascimentale, creando così alcuni capolavori assoluti, come la Chatelain Bianca Capello. I suoi modelli erano “fantastici” in ogni senso, Sfingi, Sirene, Draghi, putti e altri personaggi mitologici.

Cura estrema del cesello, raffinatezza degli smalti e scelta accurata dei diamanti abbellivano questi pezzi. Nel 1878 portò le sue opere all’esposizione universale di Parigi, Fouquet vinse la medaglia d’oro; Il suo amico gioielliere Falize le descrisse come “ opere perfette”.

Suo Figlio Georges nacque nel 1862 due anni dopo l'apertura del negozio, quando prese in mano le redini della Casa e suo padre si ritirò nel 1895, egli continuò con gli standard di eccellenza seguendo le orme paterne, ma provò anche a cercare qualcosa di nuovo da infondere al suo stile, volgendo il concetto di family design verso una direzione molto marcata.

Quello che catturò la sua attenzione fu lo stile Art Nouveau, il quale abbracciava la maggior parte delle arti decorative del periodo, coinvolgendo le migliori menti del design. Il posto di Fouquet nel Pantheon della gioielleria del suo tempo è  senza dubbio tra i primi tre, a fianco di Rene Lalique e di Henri Vever.

La sua collaborazione con Charles Desrosiers produsse un certo numero di capolavori ispirati dalla natura, come i pettini per capelli con figure femminili, serpenti marini con smalti piquè-a-jour, e splendide rappresentazioni della natura, con fiori, vischio, pavoni.Egli lavorò anche con il raffinato smaltatore Etienne Turette. E’ difficile definire un aspetto del lavoro di Fouquet, perchè dipende dal collaboratore che lavorava con lui in quel momento, ma tutte le opere erano magnificamente realizzate, a testimonianza del fatto che egli proveniva da una famiglia di gioiellieri.

Egli sapeva scegliere i suoi collaboratori, e il suo negozio era molto famoso a Parigi. Infatti, il negozio era il culmine di un’importante collaborazione con il Designer della Cecoslovacchia Alphonse Mucha, una  associazione che avvantaggiò entrambi, sebbene durò solo dal 1899 al 1901. Fouquet aveva già un’ottima reputazione quando assunse Mucha come disegnatore di gioielli.

Mucha era già conosciuto come disegnatore dei manifesti teatrali dell’attrice Sarah Bernhardt, ma il successo lo ebbe lavorando con Fouquet nel disegnare i gioielli che l’attrice poi indosserà anche sulle scene, come nel caso dell’anello bracciale a forma di serpente che ancora oggi resta uno dei capolavori indiscussi, un’icona dell’Art Nouveau. Il negozio che Mucha disegnò per Fouquet fu un lavoro artistico in ogni sua parte.

Esso rappresenta l’ideale dell’estetismo del periodo e che interessò molti artisti Art Nouveau. Ogni elemento, dalle luci al mosaico del pavimento alle incredibili rondelle a coda di pavone sul muro, “ aiutava a creare un’atmosfera che enfatizzava i pezzi nelle vetrine, portando il cliente in un luogo di magia dove non potevano non essere sedotti dalla bellezza dei gioielli".

Comunque prima dell’inizio della I° guerra mondiale, Fouquet realizza che il gusto stava cambiando. E anche se sapeva che il suo negozio era un luogo speciale, piuttosto che tenerlo e vederne il declino come oggetto fuori moda, egli lo regalò in pianta stabile al museo Carnevalet di Parigi.

Realizzò anche dei gioielli nel nuovo stile Art Dèco, ma il suo legame con l’Art Nouveau era indissolubile, i suoi pezzi erano delle sculture vere e proprie, ed erano molto differenti dai gioielli che si erano fatti prima e che furono realizzati dopo. Come Lalique anche Fouquet sceglieva materiali che avrebbero dato più enfasi al suo design.

Egli usava lo smalto e molte gemme colorate. Fu molto influenzato dall’arte bizantina e del Medio Oriente. E il concetto di colore era svolto in maniera sontuosa, senza timori. I suoi gioielli sono molto rari, in parte perché già acquisiti dai maggiori musei del mondo in parte perché già dal 1908 Fouquet era ritornato a produrre una gioielleria più tradizionale, e considerando anche che la maggior parte dei gioielli avevano smalti piquè-a-jour e molti non sono sopravvissuti ai nostri giorni, possiamo capire il perché della loro rarità.

Nel 1898 esibì per la prima volta gioielli nello stile art nouveau. I suoi pezzi erano per la maggior parte composti di oro con smalti, opali, perle, osso, e qualche volta sottili linee di diamanti; era sicuramente l’unico che potesse competere con Lalique. A predominare era il gusto naturalistico per le linee curve, sinuose.

La storica della gioielleria Vivienne Becker, descrive i gioielli Fouquet come degli strani oggetti, teatrali e importabili, pezzi per le spalle e per il seno, ornamenti per il capo drappeggiati da catene, con placche smaltate di gusto bizantino, completamente diverso dal gusto naturalistico dei gioielli art nouveau.

Uno dei pezzi tra i più famosi fu certamente il bracciale serpente disegnato da Mucha e indossato sulle scene da Sara Bernhard.

Fino al 1910 Fouquet continuerà a produrre gioielli art nouveau. Dopo di che con la terza generazione, nel 1919, il figlio di Georges, Jean Fouquet, fece suo il nuovo credo che arrivò con i balletti russi di Diaghilev, sconvolgendo la società parigina e dando nuovo impulso e vitalità all’azienda di famiglia.Tutto divenne astratto e geometrico, concettuale e allostessotempo simmetrico. Nel 1925 ricevette una menzione speciale all’esposizione internazionale di arti decorative. Nasce il termine “ Art Dèco”.

FRASCAROLO

Valenza (AL), dal 1949 al 1976

Fondata nel 1949 da Rino Frascarolo (1928-1976) e Aldo Lenti (1910 -1982), l'azienda si dedica dapprima a una produzione di gioielleria media, per poi specializzarsi in modellazioni di alta gioielleria in platino e pietre preziose che la porta a fornire alcune tra le più prestigiose gioiellerie italiane: Zendrini e Fasano a Torino, Missiaglia a Venezia, Verga, Cusi, Faraone e Pederzani a Milano, Settepassi a Firenze, Massoni e Masenza a Roma, Chantecler a Capri, Fecarotta a Catania. Con l’assunzione del disegnatore e scultore milanese Renzo Basini viene iniziata la produzione di particolari spille, bracciali e anelli realizzati a cera persa, in edizioni limitate, che raffigurano animali buffi e fantasiosi che ricordano i cartoni animati, con un decoro in smalti policromi che li rende particolarmente riconoscibili e accattivanti.

Un’altra serie di animali della savana, (tigri leoni, zebre, giraffe e avvoltoi ) dà vita poi al ‘Bestiario Feroce’. Tutta la produzione ha un incredibile successo di vendite e gli animali diventano decori per porta rossetti e porta cipria, manici per ombrello, porta pastiglie e porta orologi da borsetta dedicati alle signore e per polsini, accendini e portachiavi dedicati agli uomini. Dal 1967 le produzioni vengono garantite con l’introduzione di una piccola placca ovale con la dicitura ‘FC, MODELE DEPOSÉ, MADE IN ITALY, 347 AL, 750/18k.’ saldata all’ interno dei gioielli. Nel 1970 l'azienda apre un ufficio di rappresentanza a New York e il mercato americano, già amante del genere animalier prodotto da Cartier e da David Webb, assorbirà la maggior parte di questi gioielli scultorei, di grandi dimensioni e peso. La strategia commerciale ambiziosa di Rino Frascarolo dà così vita, per la prima volta in ambito italiano a una collezione riconoscibile di gioielli di altissima gamma, creando un marchio che avvicina il mondo dei preziosi a quello degli stilisti italiani che iniziavano ad esser ricercati in tutto il mondo. Questo tentativo isolato e memorabile risulta ancor più straordinario in una realtà come quella valenzana, dove abilissimi artigiani hanno da sempre creato capolavori per maisons internazionali, senza aver mai avuto la forza o la volontà di imporre un loro brand al mercato. La ditta Frascarolo & C cessa di esistere nel 1976, con la drammatica scomparsa di Rino, ma alcuni suoi modelli sono ancora oggi copiati e imitati.

La linea è completata e proposta alla clientela solo a metà del decennio successivo. Ciò diventa possibile grazie all’operato dell’incisore romano Antonio Pietrolucci, realizzatore dei prototipi, e alla capacità fusoria di Augusto Iberti, orafo che durante il suo precedente soggiorno negli Stati Uniti si era specializzato nella realizzazione di gioielli con incastonatura invisibile per Van Cleef & Arpels.

L’équipe tecnico-creativa (Basini, Pietrolucci, Iberti) dà vita a una serie assai ampia di gioielli scultorei (soprattutto bracciali, ma anche spille e ciondoli) e accessori (portacipria, fibbie, copriaccendini), in oro, smalti colorati (champlevé e cloisonné) e pietre preziose, realizzati con la tecnica della fusione a cera persa, in seria limitate, di proporzioni monumentali, gigantesche, a volte mostruose, che raffigurano animali della savana (tigri, leoni, pantere, leopardi, zebre, elefanti) in atteggiamento aggressivo ed efficacemente naturalistico (“Bestiario feroce”); araldico (teste affrontate, felini rampanti); con espressioni buffe e caricaturali, ispirate al mondo dei fumetti.

Nel 1970 l'azienda apre un ufficio di rappresentanza a New York e il mercato americano, già amante del genere animalier prodotto da Cartier e da David Webb, assorbirà la maggior parte di questi gioielli scultorei, di grandi dimensioni e peso. La strategia commerciale ambiziosa di Rino Frascarolo dà così vita, per la prima volta in ambito italiano a una collezione riconoscibile di gioielli di altissima gamma, creando un marchio che avvicina il mondo dei preziosi a quello degli stilisti italiani che iniziavano ad esser ricercati in tutto il mondo. Questo tentativo isolato e memorabile risulta ancor più straordinario in una realtà come quella valenzana, dove abilissimi artigiani hanno da sempre creato capolavori per maisons internazionali, senza aver mai avuto la forza o la volontà di imporre un loro brand al mercato.

Nascono così le linee (in serie limitata) “Carte da gioco” (poker e tarocchi) in oro giallo e pietre dure, applicate con la tecnica del commesso, e “Zodiaco”, tutti ciondoli di grandi dimensioni, appesi a lunghe catene composte da maglie tridimensionali, decorate da trafori irregolari, martellature e finte granulazioni. Le creazioni di Frascarolo a partire dal 1967 erano garantite da un marchio di forma ovale con la dicitura “Modèle déposé FC 750/18 made in Italy”, saldato sul retro o all’interno di ogni singolo oggetto.

Froment-Meurice

Orafo e gioielliere parigino, François Désiré Froment  continuò l’attività iniziata dal padre François Froment nel 1792 aggiungendo il proprio cognome a quello di Pierre Meurice, un altro orafo, marito della madre in seconde nozze.

François Désiré, non solo esperto nelle tecniche di oreficeria ma istruito nelle arti in genere, era particolarmente interessato alla scultura e inserito negli ambienti artistici del suo tempo.

Divenne particolarmente famoso tra il 1830 e il 1840 per i suoi gioielli d’ispirazione romantica in stile neogotico e rinascimentale, ove motivi d’ispirazione gotica incorniciano figure tridimensionali di cavalieri, angeli e santi decorate con smalti policromi.

François- Désiré conseguì un grandissimo successo all’esposizione universale di Londra nel 1851 per la sua produzione di ornamenti neogotici e neorinascimentali.

Alla sua morte nel 1855, l’attività passò al figlio.

Gaillard

Gaillard fu un gioielliere francese che divenne famoso per i propri gioielli con motivi giapponesi e per il lavoro di ricerca sulle leghe metalliche.
Nel 1860, Ernest Gaillard prese il posto del padre nel loro laboratorio parigino. Sebbene fino ad allora il laboratorio produsse principalmente gioielli placcati di rame, Ernest decise di concentrare la propria attenzione sui gioielli d’argento. Tra gli anni ’70 e gli anni ’80 dell’Ottocento, sperimentò con diversi tipi di patinature, oltre che con l’uso di smalti e del niello e con intarsi in pieno stile giapponese. Nel 1878, il suo lavoro gli valse la medaglia d’argento all’Esposizione Universale di Parigi. Nel 1889 fu insignito della croce di cavaliere della Legione d’Onore per il suo contributo tecnico, estremamente innovativo, in questa particolare area commerciale.

Nel 1892, Gaillard passò l’attività nelle mani del figlio, Lucien. Infatti, era dal 1878 che Lucien continuava ad aspettare con impazienza dietro le quinte dell’impresa.
“Un lavoratore instancabile che era ammaliato dal suo stesso lavoro”, ci dice Vever, “Gaillard con estremo entusiasmo studiò tutti gli aspetti tecnici del gioiello, incluse le leghe, le dorature e le patine, ottenendo risultati affascinanti”.

Nell’Esibizione Universale di Parigi del 1889, vinse la medaglia d’oro per le sue cesellature. 

All’Esibizione del 1900, mostrò un’impressionante gamma di vasi d’argento, degni di nota per le loro patine raffinate e affascinanti. Sebbene non vinse alcun premio, Gaillard riuscì a trovare una nuova fonte di ispirazione: la gioielleria di René Lalique.

In seguito, Gaillard cominciò a creare gioielli nel pieno stile dell’Art Noveau. I suoi pezzi furono impressionanti e gli valsero un importante riconoscimento in vari saloni parigini dal 1902 al 1904. I modelli avevano un distintivo gusto giapponese, difatti mostravano insetti stilizzati, fiori e alberi. Questo non dovrebbe sorprenderci, in quanto Gaillard assunse artigiani giapponesi per la sua bottega parigina. I pezzi che crearono con Gaillard e con il suo solito staff parigino erano caratterizzati da materiali organici come corni e avori. Se venivano utilizzati anche l’oro e l’argento, questi metalli venivano ricoperti da una leggera patinatura e solitamente abbelliti da un accurato lavoro di smaltatura, cesellatura, o entrambi. 

GALLE'

"Ma racine est au fond de bois”, le mie radici sono nel cuore dei boschi. Queste erano le parole che accoglievano i visitatori del laboratorio di Nancy di Emile Gallé, “artista operaio” e grande maestro dell’Art Nouveau.

Emile Gallé, probabilmente il più grande maestro dell'Art Nouveau, nasce a Nancy il 4 maggio 1846 da Charles Gallé e Fanny Reinemer. Dopo gli studi classici, si affianca al padre che dirige un'azienda appartenuta al nonno materno, ora Veuve Reinemer et Gallé, che comprende la fabbrica di ceramiche Saint-Clément (nell'omonima cittadina) e la decorazione e il commercio di cristalli fatti soffiare a Saint-Denis e a Pantin e soprattutto alla vetreria dell'amico Mathieu Burgun, la Burgun-Schverer & C. di Meisenthal.

L'ambiente familiare predispone il futuro del giovane Emile: appena diciassettenne egli fornisce al padre i disegni, composizioni floreali e stemmi nobiliari, per gli ateliers di gobeleterie e ceramica.

Intanto segue corsi di disegno e di botanica; il suo amore per la natura lo spinge a raccogliere erbe e fiori nelle ricche foreste della Lorena e dei Vosgi, dell'Alsazia sino alle Alpi Savoiarde, italiane e svizzere.

Durante il soggiorno di un anno nel 1875 a Weimar,importante centro culturale della Germania, studia il tedesco, la letteratura, le scienze e la mineralogia, approfondisce la conoscenza della musica e diventa un convinto wagneriano.

Al ritorno, nel 1866, decide di lavorare a Meisenthal presso la Burgun-Schverer & C., dove resterà fino al 1868.

Fa il suo apprendistato nel laboratorio di incisione diretto da Désiré Christian, suo coetaneo, al quale si lega in amicizia. Lo delegherà in seguito ad essere il supervisore dei suoi progetti che commissiona alla vetreria di Meisenthal secondo un segreto accordo durato dal 1885 al 1896.

In seguito riprende la collaborazione con il padre. Emile, noto per le sue idee patriottiche, parte volontario nella guerra franco-prussiana del 1870; l'anno successivo, quando l'Alsazia e una parte della Lorena passano alla Germania, rimane isolato dagli amici di Meisenthal e va a Parigi.

Al Museo del Louvre si appassiona ai vetri smaltati dell'antica arte islamica e si mette a studiarne le tecniche.

Sempre durante il suo soggiorno a Parigi, prende interesse alla produzione vetraria di artisti contemporanei quali Joseph Brocard, Auguste Jean e Eugène Rousseau; nel 1871 si sposta a Londra dove può ammirare al British Museum il famoso vaso di Portland, rendendosi cosciente delle possibilità offerte da questa tecnica.

Nel 1878, all'Esposizione Universale di Parigi vedrà le copie dello stesso vaso eseguite dagli inglesi John Northwood e Joseph Locke, ne rimarrà nuovamente colpito e si deciderà ad iniziare gli studi che lo porteranno a specializzarsi in questa tecnica.

Gallé padre fa costruire a Nancy in una vasta proprietà i nuovi ateliers e la nuova residenza per la famiglia chiamata La Garenne, circondata da quel famoso giardino botanico in cui il giovane Emile trova la sua diretta fonte d'ispirazione.

Il trasferimento avviene nel 1873: in questa casa nasceranno le quattro figlie di Emile dopo il suo matrimonio nel 1875 con Henriette Grimm, figlia di un pastore protestante. Tra il gennaio 1877 e l'anno seguente, Charles Gallé si ritira gradualmente dagli affari e lascia al figlio Emile la responsabilità dell'impresa.

È di questo periodo il viaggio di Emile in Italia (deve essere arrivato fino a Roma); sappiamo, dai suoi appunti, della sua emozione per la visita del giardino botanico di Villa Troubetzkoi sul Lago Maggiore, dove è lo stesso principe ad accompagnarlo in quell'incantevole Eden indicandogli in lieta conversazione i nomi delle innumerevoli piante qui coltivate.

Sempre attento e appassionato ai problemi problemi della sua terra, Gallé ha a cuore le sorti dell'Alsazia

e della Lorena, per questo inizia nel 1877 a incorporare la croce di Lorena alla sua firma, come protesta alle conseguenze della guerra francoprussiana.

Seguendo la tradizione familiare, si dedica personalmente alla ceramica fino al 1893-94: pezzi in ceramica tenera stannifera, più propriamente maioliche, denominate in Francia"faïences" (nome che deriva dalle maioliche italiane di Faenza).

A seguito degli sviluppi del suo lavoro, nel 1885 fa costruire nuovi ateliers e un nuovo forno per facilitare la lavorazione della ceramica che faceva modellare a Saint-Clément (dal 1864 al 1875) e poi a Raon-L'Etape nei Vosgi, oppure in collaborazione con la Faïenceries di Choisi-le-Roi.

Lo stesso anno nei nuovi ateliers Gallé dà avvio all'ebanisteria. In questa disciplina il nome del maestro si inserisce fra le grandi firme di fine secolo, quelle di Hector Guimard (1867-1942) e degli amici e concittadini Louis Majorelle (1859-1926) e Eugène Vallin (1856-1922).

Emile Gallé è giustamente considerato il maestro verrier più importante della storia del vetro. Le tecniche applicate nei suoi ateliers sono numerose e complesse. Nel primo periodo, quello che va dal 1874 al 1884, detto "trasparente", prevalgono soggetti ornamentali e storici dipinti a smalto.

L'interesse per gli smalti arabi e persiani è all'origine dei suoi esperimenti; già prima del 1870, quando decora vetri per la ditta paterna, incontra non poche difficoltà per la vetrificazione poiché nel fissare gli smalti nel forno, se la temperatura è troppo bassa gli smalti nonaderiscono alla superficie del vetro, se è troppo alta il vetro fonde.

Gallé adatta smalti traslucidi a vetri precedentemente decorati con smalti duri e opachi, raggiungendo effetti luminosi simili alle vetrate. La smaltatura a volte ha per complemento la doratura: elaborati personaggi di ispirazione medioevale, oppure temi naturalistici vengono lumeggiati ad oro. La smaltatura sarà usata in anni successivi abbinata in certi casi ad altre tecniche.

Del periodo "trasparente" sono i pezzi bleutés conosciuti come clair de lune, vetri tintati nella pasta vitrea con l 'ossido di cobalto che sono il suo primo esperimento di trattamento con gli ossidi; questi oggetti, esposti per la prima volta all'Esposizione Universale di Parigi del 1878, ottengono subito un gran successo.

Grazie al suo ricettario di ossidi coloranti (ferro, manganese, rame, cromo) ottiene vetri con effetti di colori suoi propri; eventuali difetti, inclusioni di bolle d'aria e zone dalle differenti intensità di colore sono da lui abilmente sfruttati a fini decorativi.

Firma la produzione di questo periodo solitamente sotto la base del vaso con incisione alla punta o a smalto, il più delle volte nero.

A partire dal 1884 nascono i vetri detti "opachi", e simoltiplicano le tecniche: craquellée, fumée, métallisée, oxidée, soufflée de bulles (spesso simulanti gocce d'acqua), mouchetés, marbrés (imitanti il marmo, l'agata e altre pietre dure), inclusioni di lamine di metallo (oro, argento, platino).

Vi è la prima verrerie parlante, il vaso contenitore per pennelli dal titolo La Ballade des dames du temps jadis (da un testo di François Villon), ora al Musée de l'Ecole de Nancy.

Gallé esperimenta una nuova smaltatura con cottura a piccolo fuoco, che lui stesso battezza émaux-bijoux, strati di smalti sovrapposti ad una sottile lamina di metallo che serve da base, fatta aderire al vaso per fusione. Questa tecnica permette un effetto talmente naturale che gli insetti, le ali diafane delle libellule, le elitre degli scarabei sembrano veri e tangibili.

Oppure gli émaux-bijoux sono utilizzati come cabochon sapientemente colorati di smalti applicati alla superficie del vetro per simulare topazi, smeraldi, rubini e altre gemme; troviamo anche smalti inseriti a caldo fra due strati di vetro a formare un decoro, secondo l'antica tecnica del vetroéglomisé.

Negli anni che seguono, Gallé allarga la gamma dei colori degli smalti: ai colori forti ne aggiunge altri, spenti e tenui, i rosa a base dorata, i lilla e i violetti; e crea una novità: gli émaux champlevés.

Questa tecnica (tradizionale per gli oggetti in rame: i cloisonnées) è del tutto nuova per il vetro: consiste nello scanalare, intagliare la superficie del vetro per formare i campi in cui posare gli smalti in quantità sufficiente per riempire lo scavo, in modo di pareggiare con i decori la superficie del vetro.

A portargli una ventata d'arte di quel lontano paese è l'amico e pittore Tokuso Takaskhima operante a Nancy. Motivi nipponici, ora alla moda, sono presenti non solo sulle ceramiche e sui mobili di Gallé, ma anche sui vetri. Libere interpretazioni e sinuose linee, con il simbolismo, contribuiscono alla metamorfosi che segna un'epoca, facendo presagire il nuovo stile che più tardi prenderà il nome di Art Nouveau.

È partendo dal 1890 che Gallé incomincia la cosiddetta "lavorazione chimica" producendo i "vetri industriali", ma non per questo di scarso valore artistico, anzi alcuni di elevata qualità. La lavorazione, effettuata con la tecnica della gravure à l 'acide per vetri a cammeo, la cui esecuzione è tutt'altro che facile (e inoltre nociva per le esalazioni dell'acido), consiste nell'incidere, in negativo o in positivo, il vetro a più strati per mezzo di bagni d'acido fluoridrico, operazione ripetuta varie volte seguendo il disegno a matita bianca indelebile ottenuto con il sistema dello spolvero, e ricoprendo di volta in volta con bitume o vernice giudaica quelle parti che non si vogliono intaccare.

Emile Gallé, ormai artista affermato, intende fare un'arte accessibile a tutti.
Avvalendosi dell'incisione ad acido che abbrevia i tempi della lavorazione, produce vetri paragonabili alla grafica o ai multipli d'oggi.

I vetri sono realizzati in serie. La documentazione ci rivela che all'epoca il costo di lavorazione, per piccoli vasi, si aggirava sui 10 franchi ognuno, mentre per un pezzo elaborato il costo saliva a 300 franchi, per arrivare a 1.300 franchi e più per gli esemplari unici.

La firma incisa ad acido in rilievo a cammeo (raramente in creux alla ruota o alla punta), sempre sul fianco del vaso, contraddistingue questa produzione. Da questo momento, sostenuto dalla produzione commerciale, Gallé può meglio finanziare le sue ricerche e i suoi esperimenti per opere di maîtrise, ritrova nuovo slancio creativo e i processi di ideazione e di realizzazione di nuove pièces uniques di straordinario livello artistico non si fanno attendere.

Con il procedimento classico dei vetri applicati a caldo, Gallé ottiene opere eccezionali che chiama Les applications sculptées. Dalle prime anse e dai cabochon, il maestro passa alle applicazioni sul corpo del vaso, con elementi in vetro preparati alla pinza e con le forbici per ottenere le forme dei soggetti.

Petali, pistilli, foglie e rami o le componenti di una libellula, farfalla o scarabeo sono minuziosamente preparate sul banco con il vetro a temperatura costante. A saldatura avvenuta, intervenendo con gli strumenti per incidere - ruota, moletta -, le applicazioni vengono modellate scolpendole per dar loro un aspetto veristico.

Ai decori applicati e scolpiti Gallé si dedica nell'arco di tempo che va dal 1890 alla fine dei suoi giorni. Tra i vasi di maggior prestigio vi sono:Le Lys et l'Orchidée, Le Figuier, aux Hippocampes, La Forêt guyanaise e La Libellule, la coppa La Feuille du rhubarbela coppa La Feuille du rhubarbe e tutta la magnifica serie dalle diverse dimensioni di vasi, coppe e flaconi, aventi per tema le languide rose che portano il titolo generico Roses de France; di eccezionale livello artistico è

l'interpretazione surreale La main aux algues et aux bagues del 1904, enigmatica scultura in vetro soffiato marmorizzato e striato.

L'innovazione tecnica, senza dubbio la più importante e originale, è la marqueterie. L'artista l'esperimenta nei primi anni del '90 per giungere a risultati soddisfacenti nel 1898, quando, per assicurarsene l'esclusiva, ne deposita il brevetto sotto il nome Marqueterie de verres ou cristaux.

Contemporaneamente deposita un secondo brevetto per un'altra tecnica che gli permette di ottenere nuovi effetti inseriti fra due strati di vetro o cristallo, o direttamente sulla couche esterna, che chiama Patine sur cristal et stirverre, il cui principio consiste nello sfruttare la polvere delle ceneri che si accumula durante la combustione.

Ma è la marqueterie che renderà famoso il maestro. L'esecuzione è simile all'intarsio in ebanisteria: alcune lamelle di vetro colorato dalle forme predeterminate, vengono dal vetraio incastonate direttamente nel corpo del vaso incandescente e molle secondo un ordine prestabilito, quindi il vetro ancora caldo viene fatto rotolare sulla lastra di marmo o di ghisa per dissipare e fondere le asperità rimaste. Una volta modellato e ricotto, il vaso, a raffreddamento avvenuto, viene inciso alla ruota per determinare il decoro.

In alcuni casi viene aggiunto uno strato di vetro o cristallo trasparente a ricoprire tutto il vaso, in altri, alla tecnica della marqueterie si aggiungono decori applicati in rilievo. Questo procedimento, spinto da Gallé al suo estremo limite, era già realizzato, in maniera molto più semplice, fin dall'antichità: usato in alcuni millefiori di epoca romana, per le inclusioni a caldo bizantine, dai veneziani in epoca rinascimentale; nel 1885 i fratelli Boutigny iniziano a inserire a caldo piccoli frammenti di vetro colorato nel vaso, che chiamano Intarsia.

Questa lavorazione lunga e laboriosa implica molti rischi per rotture o fessure nel continuo riscaldare il vetro per mantenere molle la pasta, e richiede grande abilità e sveltezza per inserire i decori.

Tuttavia larichiesta da parte dei collezionisti di Gallé è tale che per certi modelli egli è costretto ad operare in piccole serie. Un derivato degli intarsiati sono i Gallé Etudes, così firmati sotto la base, vetri vittime di incidenti di lavorazione, conservati a titolo di documentazione, contesi oggi dai collezionisti.

Gallé stesso chiama Vases parlants, i vetri sui quali incide versi e poemi, e Vases de tristesse i raffinati lavori tristi e scuri che riflettono l'umore del maestro, ormai ammalato. Le citazioni letterarie che figurano incise sui primi sono tratte da opere di poeti e scrittori di varie epoche: Virgilio, Dante, S. Francesco d'Assisi, Shakespeare, Chateaubriand, Prud'homme. Primeggiano però i versi dei simbolisti a cui Gallé è particolarmente legato per profonda ammirazione, Charles Baudelaire, Victor Hugo, Robert de Montesquiou, Maurice Maeterlick, Jean-Jacques Grandville, Paul Verlaine.

I vases de tristesse, anche definiti vases noires, sono quelli che alla fine del secolo il maestro progetta ispirati per lo più al misterioso universo sottomarino, con la presenza di alghe, conchiglie, molluschi e stelle marine; una delle opere più celebri: Les feuilles des douleurs passéès, esposta nel 1903, sta quasi a significare una preghiera del maestro.

I primi vases noirese incisi con versi sono Deux fois perduemeglio conosciuto come Orphée et Eurydice e L'Amour chassant le papillon noir, entrambi creati su disegno dell'amico e collaboratore Victor Prouvé, esposti nel 1889, capolavori ora conservati al Musée des Arts Décoratifs di Parigi.

Tra il 1890 e il 1904, tutta una serie di vasi e qualche paralume vengono stupendamente montati a motivi naturalistici in bronzo dorato o in ferro forgiato nello stesso atelier della Garenne, dove vengono eseguite le garnitures per i mobili.

Altre opere vengono elaborate con arricchimenti di materiali preziosi a Parigi dai migliori orefici del momento, tra questi Gérard Sandoz, Emile e Lucien Falize (ai quali si devono, verso il 1896, due montature in oro su vasi di Gallé per lo Zar Nicola II di Russia), Bonvallet, Froment-Meurice, Cardeilhac e si ha notizia di una montatura floreale in argento di Fabergé per un vaso ordinato dal granduca russo Serghei.

Inoltre tutte le opere fornite ai fratelli Pannier, proprietari del negozio A L'Escalier de cristal al n.1 della rue Aubert di Parigi, venivano da questi sistematicamente montate alla base e guarnite sul corpo del vaso con bronzi dorati o vermeil.

Tra le opere più celebri, arricchite con montature in metallo: Cattleya vaso offerto nel 1890 dal governo francese alla zarina di Russia in visita a Parigi; il vaso Cornet, di qualche anno dopo, L'étoile du matin, L'étoil du soir; la lampada Chauvessourisverso il 1900; Re Salomone anfora realizzata nel 1900; e la lampada Les Coprins forse la sua ultima opera, inquietante e famosa, realizzata nel 1904 in vetro soffiato e modellato in forma, a cinque strati intagliati, raffigurante tre funghi giganti (h. 83 cm) montati su base e griffe in ferro battuto. Di questa lampada ordinatagli dal magistrato di Nancy suo amico Henri Hirsch, si conoscono quattro esemplari, di cui uno è attualmente conservato al Musée de l'Ecole de Nancy.

Anche per tutti gli altri pezzi di maîtrise Gallé fa eseguire sempre cinque esemplari del modello per non correre il rischio di irrimediabili fessure o crepe nelle varie fasi di ricottura e raffreddamento; si possono perciò avere due o più modelli uguali fra di loro, ma con leggere varianti nei dettagli, secondo la sensibilità e l 'abilità dell 'artigiano verrier.

Pezzi unici invece sono quelli commemorativi che il maestro crea su ordinazione, come il vaso del 1893 per il settantesimo anniversario di Louis Pasteur, ora alla Fondazione Pasteur a Parigi; o il vaso dedicato nel 1896 al fedele amico e collaboratore Victor Prouvé; oppure il vaso La Soude del 1903, omaggio delle autorità al chimico e industriale belga Ernest Solvay, ora al Musée de l'Ecole de Nancy.

Al contrario di quanto si creda, Emile Gallé, a parte la decorazione delle ceramiche e dei vetri che dipinge nei primi anni della sua carriera, non esegue direttamente nessuna delle opere che idea, progetta e disegna, ma ne sorveglia la lavorazione e ne organizza la produzione con l'aiuto della sua stretta cerchia di collaboratori.

Tra questi troviamo Victor Prouvé (1858-1943) pittore e disegnatore, figlio di Gengoult Prouvé, collaboratore di Gallé padre; entrato tredicenne nel 1874 negli ateliers della Garenne, diventa ben presto il braccio destro di Emile, progetta cartoni per la marqueterie in legno e disegna celebri vetri; suo è il ritratto di Emile Gallé dipinto nel 1892, ora al Musée de l'Ecole de Nancy.

La lista prosegue con il principale decoratore, il valido Louis Hestaux (1858-1919), il capo decoratore Emile Munier, gli incisori Mercier padre e figlio, Rose Wild, Lang padre, Schmitbergen e Isaël Soriot, e altri artisti e artigiani che esplicano più tecniche, il pittore Paul Nicolas, gli scultori Uriot e Jacquot, Jean Cordier, Louis Diebold, Julien Roiseux, Ferdinand Schmitt e Auguste Herbst, infine il chimico Daniel Schoen.

La maestranza conta nel periodo tra il 1890 e il 1904 ben 300 operatori. La produzione viene inviata ai rivenditori che ne fanno richiesta, tra questi la già citata maison "L'Escalier de cristal" di Parigi; inoltre Gallé ha un grande negozio a Nancy in rue de la Faïencerie ed un deposito di vendita a Parigi (dapprima al n. 34 della rue des Petites Ecuries aperto nel 1879, poi trasferito nel 1885 al n. 12 della rue Richer), diretto da Marcelin Daigueperce e, alla sua morte nel 1896, dal figlio Albert.

La manifattura ha anche negozi in altri paesi: dal 1896 a Francoforte al n. 38 della Kaiserstrasse e a Londra dal 1901 al n. 13 di South Molton Street. Fra i suoi acquirenti vi sono musei e personaggi famosi, monarchi, noti mecenati e banchieri: Edmond Taigny, Léon Clairy, Germain Bapst, Henri Hirsch, Rothschild; il critico Roger Marx (1859- 1913) uno dei suoi primi ammiratori e collezionisti; l'esteta e poeta conte Robert de Montesquiou (1855-1921), il quale, entusiasta delle opere di Gallé, gli dedica alcuni suoi scritti e gli diventa grande amico, come dimostra la corrispondenza fra i due a partire dal 1887 .

Collezionista raffinato, raccoglie opere del maestro in ceramica, ebanisteria e vetreria; lo introduce nella cerchia degli aristocratici parigini, tra cui la cugina contessa Greffulhe, considerata una delle più belle donne della nobiltà: per lei Gallé esegue nel 1890 la Coupe mystérieuse.

Il maestro è invitato nei salotti più famosi, ha per amici intellettuali, musicisti e artisti, frequenta la principessa Bibesco, Anna de Noailles, la baronessa Rothshild, Sarah Bernhardt, i fratelli Goncourt, Verlaine, Rodin, Listz e Marcel Proust, che, conquistato dalla qualità dell'opera di Gallé, entusiasta, in più occasioni scrive nei cahiers romantiche considerazioni e inoltre gli commissiona vasi da donare agli amici più intimi.

Sono stati senz'altro la grande passione e il profondo amore per la natura ad indurre Gallé a far scolpire nel 1896 dall'ebanista Eugène Vallin il portale in rovere per le sue officine con la scritta: "Nos racines sontau fond des bois, au bord des sources, suries mousses".

Les Ecrits pour l'Art, di Emile Gallé, pubblicati postumi nel 1903 a Parigi e ristampati da Lafitte a Marsiglia nel 1980, riferiscono che la frase è tratta da un libro del 1866 di Jacobus Moleschott, seguace di Baudelaire, il poeta più amato dal maestro, che porta ai suoi occhi i colori della poesia.La nascita legale de  L'Ecole de Nancy data 11 febbraio 1901 e vede in Emile Gallé il propulsore e l'inventore del movimento.

Sotto quest'egida si raggruppano le industrie artistiche dell'Est della Francia (non si tratta del termine abituale di scuola che unisce o associa artisti).La finalità è quella di unire le energie isolate, fare sforzi comuni per far fronte alla scarsità di operai d ' arte, trattenendo nella regione di Nancy gli allievi delle scuole locali e gli artigiani, di mettere in comunicazione i vari centri di produzione e di vendita delle industrie artistiche attraverso musei e scuole, di organizzare esposizioni. Lo statuto dell' Ecole de Nancy in effetti codifica in ritardo un movimento che era in sviluppo da un trentennio.

Affermando il principio Unité de l'Art (a significare che al di là delle tecniche, conta la solidarietà fra l'artista e l'industriale, a salvaguardia della personalità e la libertà dell'operaio), asserisce che la "Natura" è la sola inesauribile fonte di rinnovamento per le arti decorative. Alla direzione della Società dell' Ecole de Nancy sono eletti Emile Gallé presidente, Antonin Daum, Louis Majorelle e Eugène Vallin vice-presidenti; e il Comitato direttivo riunisce 36 membri.

Nella sezione Vetro allestisce uno spettacolare stand: nel centro pone un forno da vetraio con ammucchiati tutti intorno i resti di numerosi pezzi filati o rotti in corso di fabbricazione, sulla fronte del forno vi è la scritta: "Mais si les hommes sont méchants faussaires et prévaricateurs, à moi les mauvais démons du feu! A fin que tous apprennent à pratiquer la justice".

La mostra chiude con un grande trionfo per Gallé: egli ottiene due Grand Prix, uno per la vetreria, l'altro per il mobilio, e vengono premiati con la medaglia i suoi migliori collaboratori. Nel 1900 il maestro incomincia a manifestare i primi segni della leucemia, ma i medici giustificano il suo stato di salute con il surmenage per le fatiche dell ' Esposizione.

Peggiorato nell'autunno del 1902, è curato in una clinica del Lussemburgo: all'inizio del 1904, ricoverato in Svizzera, viene a conoscenza del male che lo affligge. Malgrado la malattia, negli ultimi quattro anni, alternando periodi di riposo a momenti di febbrile attività creativa, realizza le opere più belle ed originali.

Muore il 23 settembre 1904 a soli 58 anni. La sua firma resta nella storia dell'arte del vetro quella di un geniale artista le cui straordinarie realizzazioni hanno segnato il gusto di un'epoca e costituito un punto di riferimento per i contemporanei. Dopo la sua morte, la vedova Henriette Gallé, affida la direzione degli établissements al genero, il dottore Paul Perdrizet. La manifattura che riguarda la ceramica si arresta di lì a poco. Da questo momento la sola tecnica praticata per i vetri rimane l 'incisione ad acido fluoridrico.

La produzione dei primi anni si rifà quasi esclusivamente ai modelli precedenti; fino alla fine del 1906 i pezzi si contraddistinguono per l'aggiunta di una piccola stella accanto al nome, in omaggio al maestro scomparso.

Se Emile Gallé ha dedicato pochi progetti all'illuminazione, ora, con la divulgazione della corrente elettrica, Perdrizet dedica a questo settore grande importanza, sfornando graziose serie di lampade da tavolo, plafoniere con o senza tulipe, veilleuses e veilleuses brule-parfums: con la produzione in serie di vasi, coppe, flaconi e soliflores dà notevole incremento alla firma, che nel 1914 conta 450 lavoranti.

I temi restano ispirati alla flora e alla fauna; sono di questo periodo la produzione in serie di vasi,
coppe, flaconi e soliflores dà notevole incremento alla firma, che nel 1914 conta 450 lavoranti.

Nel 1920 alla direzione dell'établissement si aggiungono gli altri due generi di Gallé: Jean
Bourgogne e Robert Chavalier; si realizza ora la serie degli Orsi polari, ed inoltre si dà avvio a tutta una produzione (presentata all' Exposition Internationale des Arts Décoratifs di Parigi del 1925) nella più bella tecnica del periodo postumo, quella dei magnifici soufflées.

I vetri così chiamati sono soffiati come gli altri a due o tre strati in una forma di metallo incernierata che ne consente l'apertura, ma con la differenza che la matrice, in corrispondenza dei decori, è decisamente più incavata, quindi dà ai pezzi rilievi esteriori molto evidenziati che, sottoposti a più riprese alla morsura dell'acido captano e ritengono la luce.

Tra queste belle esecuzioni ci sono le lampade e i vasi color rosso porpora o violetto, con ornamento di rododendri, e quelli decorati con le clematidi; i curiosi vasi decorati tutt' intorno da elefanti, e tutta una serie di vasi - e qualche plafoniera - a decoro di frutti: aranci, uva, ciliege, ribes, prugne, sorbe, mele o pomodori; vi sono i vasi con i decori di crocus, tulipani, giacinti, fucsie, rose canine, narcisi, belle di giorno o fiori di melo.

Se la produzione Gallé, negli anni Venti-Venticinque, nonostante non si siaallineata all'Art Déco, può contare su una clientela ancora fedele allo stile floreale, con il 1930 incontra notevoli difficoltà di vendita; i gusti sono radicalmente cambiati, gli établissements non sanno adattarsi ai canoni estetici del momento e, nel 1931, sono costretti alla definitiva chiusura; invece il negozio a Nancy fino al 1935 continua la vendita dei modelli giacenti in magazzino.

Da questo momento la firma va incontro a tempi oscuri, il nome Gallé è diventato sinonimo di cattivo gusto e paccottiglia. Bisogna aspettare l'anno 1954, quando viene messa all'asta la più importante collezione di vetri Gallé appartenuta al re Farouk d'Egitto, per ridestare l'interesse delle opere Gallé da parte dei critici e del mercato dell'arte. Il prestigio di questo nome risale ai vertici a partire daI 1960, quando incominciano le mostre retrospettive in musei e gallerie private, in Europa, in America e in Giappone. Nelle molteplici firme, stilizzate, incise in creux o in rilievo a cammeo, in orizzontale o in verticale alla Japonica compare sempre "Gallé".

Gallé si avventura in un' altra lavorazione: i vetri a cammeo, o a più couches: a strati (normalmente due, ma anche tre o quattro - per questo detti doppi, tripli o quadrupli) incisi in laboratorio con grande abilità al tourette, alla roue o alla molette per ricavarne il decoro negli strati di diverso colore. Spesso queste tecniche sono abbinate ad altre: l'acido fluoridrico per sgrossare oppure satinare, lo smalto per impreziosire, o la mola per rendere martellato il fondo. Le opere così eseguite si definiscono vetri incisi, intagliati o anche cesellati (dalla punta di diamante o dal bulino). La firma in questi pezzi si trova, comunemente, incisa sotto la base del vaso. Come nel secolo XVIII l'Europa era stata attratta dalla civiltà cinese tanto che si erano sviluppati motivi, disegni e decori, detti "cineserie", ora è la cultura giapponese a influenzare l'arte occidentale.

Supportato da una cerchia di collaboratori di eccellenza come Victor Prouvé, Louis Hestaux, Emile Munier, Paul Nicolas – cui era affidata l’esecuzione delle opere in ceramica e vetro che, specie nella prima fase della sua carriera, erano solamente ideate da Gallé – , il maestro riuscì in pochi anni ad ingrandire l’industria Gallè con l’apertura di nuove sezioni, come quella dell’ebanisteria, e con l’espansione in Inghilterra e Francia di nuovi negozi. Presentò le sue opere a Chicago, Bruxelles, Stoccolma, Dresda, Londra, Francoforte, Darmstadt, Pietroburgo, Karlsruhe, Anversa, Torino e Saint-Louis. In Francia espone a Parigi, Strasburgo, Nancy, Nizza, Metz, Lione, Limoges, Bordeaux, e alle più importanti esposizioni come l’Esposizione Universale a Parigi nel 1900, o quella di Torino nel 1904, ottenendo sempre grande successo. Non interruppe la sua frizzante attività creativa nemmeno con il sopraggiungere della leucemia, che lo porterà alla morte nel 1904, a soli 58 anni, e che lascerà come testimonianza, solo la vaga nota di malinconia dei suoi Vases de tristesse, raffinati lavori tristi e scuri che riflettono l’umore del maestro, ormai ammalato.

GARAVELLI

Valenza (AL), dal 1912

Il capostipite di Casa Garavelli è Mario (Valenza, 1890-1978), orefice, che si associa nel 1912 al cognato Silvio Cassola, incassatore.

Nell’anno 1935 ha il marchio “51 AL”; nel 1943 Aldo (Valenza, 1913-1988), incassatore, figlio maggiore di Mario, subentra allo zio e al padre nella conduzione della ditta. La ragione sociale diventa Aldo Garavelli di Mario, marchio “237 AL”.

Nel secondo dopoguerra produce oreficeria con granati e pietre sintetiche. Aldo Garavelli è socio fondatore nel 1945 dell’Associazione Orafa Valenzana e riceve, a Roma, per due anni consecutivi (1972 e 1973), la medaglia d’oro “Exportes”.

Nel 1958 fonda l’ufficio commissionario GAM snc con altre due ditte: Ottavio Molina, con sede in San Salvatore Monferrato, e Annamaratone, Piretto, Cavalli; amministratore unico è Franco Frascarolo (Sestri Ponente), 1922 – Valenza, 2003.

Le tre fabbriche consociate hanno uno sviluppo rilevante consentito dalla progressiva espansione nei mercati europei, statunitensi, dell’America Latina, del Sudafrica e dell’Australia. Negli anni sessanta GAM produce oreficeria e gioielleria media: la Aldo Garavelli spille e anelli in oro giallo e bianco, smalto, brillanti (ne è esempio la spilla Gallo); la Annaratone collane e bracciali; la Molina spille.

Dopo il 1965 nella Aldo Garavelli entra Kira (Valenza, 1943), figlia di Aldo, e con lei il marito Gian Carlo Molina (San Salvatore, 1940), nipote di Ottavio. Nel 1972 le ditte consociate ritornano a operare separatamente, pur mantenendo a livello individuale il logo GAM. Nello stesso anno la ragione sociale diventa Garavelli & Kira snc, trasformandosi in Garavelli Aldo e C. nel 1958.

Sono inseriti come direttori responsabili alle vendite Stefano (Milano, 1965), laureato in scienze politiche ed Elisabetta (Milano, 1970), figli di Kira e Gian Carlo.

Dal 1994 è designer e direttore artistico della casa Luca Valerani, marito di Elisabetta. Le recenti, raffinate e inconfondibili collezioni “Narciso” (in oro bianco, giallo e brillanti) e “Roses” (oro giallo e bianco, diamanti, pietre preziose e semipreziose), create da Luca Valerani nel 2001, esprimono caratteristiche ben precise: leggerezza, volume, morbidezza che richiamano i tessuti preziosi e operati (velluti, pizzi, trine), mentre le complesse impernature e impagliature rimandano alla grande tradizione tecnica italiana.

I gioielli di casa Garavelli Aldo srl – Garavelli Design Italy (Stati Uniti d’America) – Lancelot Co Ltd. (Giappone), vengono punzonati con il logotipo “GARAVELLI”. La Casa ha aderito alla prima edizione dell’iniziativa benefica “Un gioiello per la vita” realizzando nel 1990 il ciondolo disegnato da Sophia Loren.

PAUL FLATO

Ci fu un tempo in cui Paul Flato era considerato uno dei più grandi gioiellieri d'America. Flato nacque in Texas nel 1900, e si trasferì a New York nei primi anni 1920. Ha iniziato la sua carriera come venditore di orologi prima di aprire il suo negozio di gioielli sulla 57a East St. a Manhattan.

In breve tempo, è stato uno dei migliori gioiellieri a New York.. Fu Paul Flato a lanciare e rendere popolare i pezzi“say-it-in-jewelry” (dillo con un gioiello), chi li indossa rende pubbliche le proprie iniziali, il nome, oppure manda messaggi come "ti amo"il tutto scritto in lettere d’oro.

Egli creò il primo “braccialetto d’identità”.Anche quei gioielli disegnati per le celebrità di Holliwood lasciarono un’impronta indelebile sulla gioielleria del 1930/40.

Ad esempio per la celebre ereditiera del petrolio Millicient Rogers realizzò una serie di cuori gonfi costellati di gemme colorate, che divennero molto popolari.

Per Josephine Forrestal crea una collezione di clip sinuose, con componenti “tremblant” tremolanti al minimo movimento, che fecero sensazione.

Al suo ritorno da Parigi la Forrestal ispirò a Flato anche il classico bracciale gourmette o “Curb-Link”, che veniva usato per legare le biciclette ai lampioni del marciapiede, lei ne portò uno in argento; Flato glielo realizzò in oro.Lo stile di questo oggetto venne ampiamente  riprodotto da altri gioiellieri ed è uno dei bracciali più usati per legare charms e placchette con il nome inciso.

Gioielliere della Corona britannica dal 1843, l’azienda Garrard and Co. traccia le proprie origini a partire da George Wickes, orafo che registrò il marchio alla Goldsmith’s Hall nel 1722. 

Wickes, che aprì il suo primo negozio nel 1735, diventò famoso provvedendo alle sfarzose richieste di Fredrick Luois, principe del Galles. L’azienda di Wickes cambiò proprietario e sede varie volte nell’arco di tutto il XVIII secolo. Nel 1802, Robert Garrard comprò la società; fu nel 1818, che i suoi figli gli succedettero.
Nel 1843, sei anni dopo che la regina Vittoria salì al trono, ella nominò Garrard gioielliere della corona. Con questo titolo si assunse la responsabilità di disegnare e produrre gioielli per la famiglia reale, così come salvaguardare e avere cura del gioielli della Corona. 

Nel corso degli anni, la bottega creò numerosi importanti pezzi.
Per la regina Vittoria, Garrard fece una tiara leggera che la Regina indossò frequentemente e che possiamo trovare nella maggior parte dei dipinti dopo il 1870.
Nel 1910, rimodernò lo scettro reale in modo che potesse contenere il diamante Cullinan I. Nel 1937, Garrard creò la nuova corona reale per la regina Elisabetta, che conteneva il diamante Koh-I-Noor, un diamante che precedentemente si trovava nella corona della regina Maria. 

Oltre a servire la famiglia reale, Garrard vende i propri articoli nei suoi negozi di Londra, New York, e in molte altre sedi in tutto il mondo. 

LUCIEN GAUTRAIT

L’origine e la storia artistica di Gautrait sono alquanto misteriose. Di Gautrait si è inattendibili anche sul nome, comunemente ci si riferisce a lui come “Lucien”, altre volte come “ Leopold”.

L’industria del gioiello al volgere del secolo era imprecisa circa la sua catalogazione e cronaca interna, senza alcun registro delle opere.

E’ molto arduo determinare se il nome attribuito a un pezzo denota lo stile dell’artefice. Riferendoci sempre a Vever, alla sua opera sulla storia dei gioielli francesi, parla di Gautrait come di un abile cesellatore e fedele collaboratore del gioielliere Parigino Leon Gariod.

I pezzi conosciuti di Gautrait sono per la maggior parte pendenti e spille e ci rivelano come anche lui conoscesse le opere di Lalique e quanto influissero sul suo lavoro. Le sue composizioni hanno un distinto carattere ornamentale e mostrano una preferenza per contorni mossi, entro cui inserire motivi decorativi a festoni e a cerchio.

Gautrait era altamente qualificato nel creare pezzi con uccelli in volo o pavoni con piume colorate e decorate da smalti.

L’effetto dello smalto e dell’oro finemente cesellato sono molto ricercati, la presenza di pietre preziose creano un discreto accento artistico. Le opere attribuite a Gautrait, si notano anche per il fine lavoro di scultura dei volti femminilie l’eccezionale luminosità degli smalti che usava.

La maggior parte dei pezzi creati nell’atelier di Leon Gariod, reca non solo la firma L. Gautrait ma anche il punzone di Gariod con il monogramma “LG” separato da un corno entro una losanga verticale. (registrato nel 1884).

A parte i pochi pezzi che possono essere attribuiti positivamente a Gautrait, poco altro si sa sull’uomo o sul suo lavoro.

Cataloghi di saloni e mostre dell’epoca, articoli su riviste e periodici specializzati, forniscono scarsi indizi da integrare con le informazioni raccolte sui suoi pezzi.

GHISO

Nato in Italia nel 1890,  emigrò in Argentina dalla sua natia Genova. Entro un breve periodo di      

tempo, apre un salone di gioielleria.

Il business dei gioielli  diventa la principale attività di questa famiglia nel centro di Buenos Aires.

Uno dei figlii, Oscar, coordinava tutte le attività di maggiore importanza così come il design delle nuove collezioni di gioielli negli stili più alla moda che venivano poi spediti a Buenos Aires, con l'apertura di un'altro ufficio a New York City, consolidarono la loro posizione nell'ambito della gioielleria di lusso.

Nel 1930 e lel 1940 chiusero le due sedi estere, mentre il negozio principale di Buenos Aires rimase aperto fino al 1960. Oscar muore a Buenos Aires nel 1985.

Il nome oggi è stato acquisito da una società che continua a produrre oggetti di alta qualità.

GRAFF, Laurence

Considerato da molti uno dei principali creatori di gioielli con gemme eccezionali sia per la loro qualità sia per la loro rarità. Il primo grande successo risale al 1973 quando fu il primo gioielliere a ricevere il Queen’s Award to Industry, un riconoscimento conferitogli una seconda volta nel 1977.

Il suo negozio al numero 55 di Brompton Road, nel quartiere londinese di Knightbridge, è meta di pellegrinaggio di una clientela d’elite alla ricerca di magnifiche gemme, spesse esemplari unici.

Laurence Graff è considerato da molti l'erede di Harry Winston; il nuovo "Re dei diamanti". Nel 1962, Graff aprì un piccolo negozio a Londra.
 È noto per importanti diamanti tra cui il Grand Coeur d'Afrique, un diamante impeccabile a settanta carati, a forma di cuore.
The Empress Rose, un diamante perfetto, rosa, a forma di pera appena sotto novanta carati.

Graff è rinomato soprattutto per i suoi gioielli montati con diamanti e ultimamente con diamanti di colore, una categoria di gemme provenienti dalle miniere diamantifere dell’Australia occidentale che abbraccia una gamma di tinte: dal giallo all’arancio, al verde, al blu - al celeste al violetto-, dal rosa intenso al rosso.

I disegni di Graff sono essenziali e le sue montature non offuscano mai la bellezza innata delle gemme.  Graff ha segnato un traguardo quasi insuperabile nella sua ricerca della gemma «perfetta»; si dice infatti che sono passati tra le sue mani più diamanti di qualità perfetta che in quelle di qualsiasi altro mercante di gemme.

I suoi gioielli sono firmati per esteso GRAFF.

GRIMA ANDREW

Nato a Roma nel 1921, fu educato a Londra e studiò ingegneria meccanica all’università di Nottingham. Nel 1939, interrotti gli studi a causa della guerra, fu arruolato come ingegnere nell’esercito, e come tale servì per i successivi cinque anni soprattutto in India e in Birmania.

Senza dubbio Grima avrebbe continuato la sua carriera da ingegnere se non avesse sposato nel 1946 la figlia di un gioielliere viennese, direttore della ditta H. J. Co. Ltd, situata nel quartiere di Hatton Garden a Londra. Nel 1947, infatti, lasciò l’esercito e l’ingegneria per prendere parte all’attività del suocero. Nel 1951, alla morte di questi, divenne presidente e direttore della H. J. Co. Dopo i difficili anni dell’ immediato dopoguerra, l’ attività cominciò a rifiorire e nel 1956 Grima stava già disegnando e vendendo con un discreto successo gioielli di gusto moderno.

La sua ascesa comunque ebbe inizio nel 1961 quando i suoi gioielli vinsero la maggior parte dei premi nella De Beer Diamonds International Awards. Qualche anno dopo, nel 1966, Grima vinse il Duke of Edinburgh Prize for Elegant  Design, poi il Queen’ s Award to Industry e la nomina reale. Nel 1970 ricevette dall’Omega una commissione per disegnare una collezione di prestigiosi orologi alla quale venne dato il nome About Time e che fu esibita in tutto il mondo.

Nel 1965 fondò la società Andrew Grima Ltd e nel 1966 aprì, in Jermyn Street a Londra, un elegante negozio dalla facciata ricoperta di lavagna. Seguirono aperture di sedi a New York e a Sidney nel 1970, a Zurigo nel 1971, tre negozi a Tokyo nel 1973 e infine a Lugano nel 1987.

Grima può essere ritenuto uno dei gioiellieri più innovativi del suo tempo e il precursore dello stile moderno tra i gioiellieri inglesi. Contrariamente all’uso convenzionale di gemme preziose, Grima adoperò per i suoi monili frammenti di cristalli allo stato naturale, opali, conchiglie esotiche e perle, sempre trattenute da montature di oro scabro e ruvido, ponendo l’accento sul valore artistico dell’insieme piuttosto che sul valore intrinseco dei materiali.

Dal 1958 Andrew Grima vive a Lugano con la moglie Jojo e la figlia Francesca.

I suoi gioielli sono di solito firmati per esteso in lettere maiuscole: GRIMA.

Gübelin

Lucerna, Svizzera, nel 1854 Jakob Josef Mauritz Breitschiìmid apre un laboratorio di orologeria, l’apprendista Eduard Jakob Gübelin, sposa la figlia di Breitschmid, Bertha e nel 1899 assume la direzione dell’impresa. Nel 1919 l’azienda passa al figlio Eduard Moritz Gübelin.

Nel 1923 inizia a vendere anche la gioielleria, e apre, all’interno del negozio, un laboratorio di analisi gemmologiche. Diventa ben presto un punto di riferimento per le case d’asta più importanti al mondo. Una gemma molto importante è sempre accompagnata da un suo certificato, soprattutto le gemme di colore.

Eduard e Walter, figli di Eduard Moritz Gübelin, assumono il comando dell’attività paterna nel 1945. Eduard si occupa del settore gemmologico e Walter del resto dell’azienda familiare. Nel 1988 Tomas Gübelin prende il controllo della ditta rimanendovi fino al 2010 quando inizia il periodo di Raphael e Sara Gübelin.

Nel 2004 la compagnia celebra I 150 anni nel mondo degli affari.

Laboratorio gemmologico Gübelin

Con l’introduzione delle prime perle coltivate e gemme sintetiche, agli inizi del XX secolo, l’industria del gioiello inizia aveva bisogno di un metodo sicuro e affidabile per verificare queste gemme. Eduard Gübelin, Sr. ricevette una formazione gemmologica dal Professor H. Michel a Vienna. Dopo di che Gübelin stesso dotato di tutto il necessario per aprire un laboratorio gemmologico, il più tecnologicamente avanzato del suo tempo, fece da mentore ai suoi impiegati – allievi.

Inclusioni a due e trifasi in uno smeraldo. Edward Gübelin è stato il pioniere negli studi delle inclusioni, un settore che ha cambiato completamente gemmologia moderna.

Il figlio di Gübelin, Eduard J. Gübelin divenne una figura di spicco nel mondo della gemmologia, pioniere questo di nuovo campo, divenne uno dei più rinomati specialisti gemmologi del mondo. Gübelin, con la sua devozione alla conoscenza delle gemme e il suo lavoro nello studio delle inclusioni nelle gemme determina grandi progressi nel mondo della gemmologia. Ha viaggiato nelle miniere di molte località, ha creato nuovi strumenti gemmologici, quando possibile ha pubblicato testi d’importanza capitale  e cercato di promuovere la gemmologia,. Durante il 1960, cedendo alle pressioni delle case d'aste Christies e Sotheby’s, Gübelin cominciò produrre certificati sulle gemme principali offerti in asta. Presto il laboratorio si è messo al servizio dell’industria del gioiello e delle gemme. Gübelin Gem Lab è diventato uno dei laboratori gemmologici più rispettati al mondo.

HAFNER

Bologna, dal 1970

Nel 1970 Stefano Hafner (Solothurn (Svizzera), 1940) fonda a Bologna l’omonima casa di gioielleria con marchio d’identificazione “I 36 BO”.

Produce pezzi unici e piccole serie firmate, gioielli che stupiscono per bellezza e ricchezza e sono espressione dell’alta manualità di modellisti, orafi e incassatori interni ed esterni all’azienda. Le disegnatrici di casa Hafner sono Cristina Bagnari, Sandra Roncarati e Giusi Cartechini, le quali esprimono nella progettazione anche le loro precedenti esperienze maturate nel campo della scenografia e della grafica pubblicitaria.

“Capobanco” degli orafi è da circa trent’anni il maestro Luciano Orsi, assistito da Germano Castellari. Hafner si è avvalso anche della collaborazione della disegnatrice Luisa Bini e del maestro incassatore Vittorio Guglielmo.

Stefano Hafner sostiene che la gioielleria, considerata arte minore, è invece a pieno titolo arte, e i suoi gioielli sono frutto del collegamento tra le varie discipline delle arti visive, interpreti d’eccezione degli stili e delle culture del mondo, antico e contemporaneo.

Il team creativo di Stefan Hafner è riuscito a rinnovare formalmente l’alta gioielleria italiana introducendo in questo genere i concetti di minimalismo, spazialismo e movimento sviluppati negli ultimi venti anni all’interno dei vari linguaggi artistici di sperimentazione e d’avanguardia.

Tra le opere di casa Hafner si ricordano la collezione Stardust (1999), Feather e Sun (2000), Drewdrop (2001).

Per tutti i gioielli realizzati viene preventivamente depositato il brevetto del disegno; alcuni detengono il brevetto di invenzione industriale, altri sono protetti da quello di modello ornamentale, tutti validi anche in Giappone e negli Stati Uniti.

I gioielli sono punzonati con il logotipo formato dalle lettere “H” e “S” sovrapposte e racchiuse in un triangolo isoscele.

LEON HATOT

L'uomo che dette impeto e originalità con misura all' espressione artistica del periodo art dèco, nacque in un paesino della Borgogna nell'Aprile del 1883, a Châtillon-sur-Seine.Appena dodici anni dopo, Léon Hatot entra nella scuola di orologeria di Besançon, continuando la sua educazione fin dopo il 1898 presso la scuola cittadina di belle arti.

Se da una parte imparò  la tecnica della precisione meccanica, dall'altra affina il senso per il bello. Il futuro poi metterà alla prova il suo senso per il rigore e per la fantasia, entrambi importalti per la scelta del suo campo di lavoro. Lèon Hatot era appena ventiduenne quando senza paura di prendersi i suoi rischi, mette in chiaro la sua predisposizione ad essere indipendente e ad aprire una sua propria ditta nella città che gli aveva insegnato il commercio.

Subito vennero assunti dodici artigiani, in quella che sarebbe diventata la casa leader specializzata nella realizzazione di splendidi gioielli, incisori di metalli preziosi e assemblatori con eccezionale finitura di orologi prestigiosi. Con il passare dei giorni Hatot imparava le sottigliezze della sua professione. Intanto il mondo era sedotto dalle stravaganze del nuovo stile di vita che emergeva dalla Parigi della Belle Époque.

Alla fine del Novecento tutte le colossali fortune del mondo, sia vecchio che nuovo, erano in forte crescita.... e il più delle volte erano spese a Parigi.La moda e tutti i suoi accessori ispiravano sempre più audaci creazioni d'avanguardia mentre la società modaiola impegnata a passare in tempo tra delizie gastronomiche e serie infinite di feste. Parigi era la città che ognuno voleva vedere.... se non altro per farsi vedere. Chi poteva resistere alle sirene di una capitale che stava diventando la scintillante città delle luci?

Per Léon Hatot l'opportunità si presenta nel 1911. Senza esitazione egli afferrò la sua chance e diviene proprietario della ditta Brédillard,  una tra le prime case in assoluto come produttrice di gioielle e casse per orologi di lusso, i suoi clienti non erano clienti privati, ma i più importanti gioiellieri che si trovavano tra Rue de la Paix e Place Vendôme. Già specialista in orologi gioiello, il giovane imprenditore ora disponeva del mezzo ideale per andare alla conquista di Parigi, e con essa il mondo.

Non passò molto tempo prima che il suo nome fosse affisso sulle spedizioni di sontuosi orologi che avrebbero abbellito ii polso della società Parigina. Egli  montava i migliori movimenti disponibili, molti dei quali rifiniti e assemblati nel workshop Hatot di Besançon.

I suoi clienti, tutti nomi prestigiosi, si resero subito conto che c'erauna nuova forza con cui fare i conti, un uomo i cui modelli catturavano superbamente gli umori predominanti.

Al tempo in cui lo stile art nouveau era ancora molto di moda, Léon Hatot trova la sua ispirazione nei motivi dell'ottocento, in particolare le foglie di alloro, ghirlande e nei delicati motivi in stile Luigi XVI.

Egli si costruisce una reputazione che già da subito si imprime nella mente di tutti, convincendo anche le autorità politiche del suo talento.

La città di Besançon ad esempio gli commissiona un elegante orologio da taschino da regalare al presidente Armand Fallières per commemorare la sua visita ufficiale nella regione.

Quando scoppia la guerra nel 1914, Hatot fu arruolato. Questa fu per lui un'opportunità per  mettere a frutto le su conoscenze tecniche e servire il suo paese. Così si distinse con un'invenzione per costruire parti meccaniche di artiglieria a basso costo effettivo.

Dal 1919 Léon riprende la produzione di orologi di lusso, trasformati dalla nuova libertà ritrovata, si ispirarono a quella nuova corrente artistica che sarebbe poi diventata Art Deco, nome ripreso dalla Esibizione d'arte moderna tenutasi a Parigi nel 1925.

Nel momento in cui gli uomini furono chiamati alle armi, migliaia di donne risposero "presente" nel prendere il loro posto negli uffici e nelle fabbriche dove la comodità, oltre che la sicurezza dettarono le nuove regole nella moda di tutti i giorni.Anche i gioielli come la maggior parte degli accessori sottostarono a queste nuove leggi dello stile di vita di quelli che poi vennero chiamati " Anni ruggenti".

IHM

Incisore e gioielliere francese, espose pettini e fermagli al salon di Parigi nel 1901

ILLARIO

Valenza (AL), dal 1920

La ditta è fondata nell’anno 1920 dai fratelli Carlo, Vincenzo e Luigi Illario. Carlo (Valenza, 1891-1955), orefice (che si è specializzato nella maison parigina N. Wisoune), organizza e dirige la produzione, guida il perfezionamento professionale delle maestranze; nell’anno 1926 è segretario della I Associazione Orafa Valenzana.

Vincenzo (Valenza 1896-1969), incassatore (già operaio della Melchiorre), si occupa dell’acquisto e della scelta delle pietre preziose e mantiene i rapporti con i clienti.

Luigi (Valenza, 1898-1981), ragioniere, si occupa dell’amministrazione generale e delle relazioni pubbliche della casa, è stato co-fondatore e presidente (anno 1945) della IIA Associazione Orafa Valenzana, presidente della Federazione nazionale fabbricanti Gioiellieri, consigliere nazionale della Confedorafi.

L’arrivo nel 1928 da Vienna di un gruppo di operai altamente qualificati (l’orafo E. Popper, lo smaltatore R. Howrka, il disegnatore-miniaturista F. Ballon, l’incisore - guillocheur L. Skrabal, il lucidatore C. Wohree) dà il via alla riorganizzazione della fabbrica in quattro reparti: alta gioielleria, media gioielleria, tessuti e catene, accessori e oggettistica.

L’anno successivo sono assunti gli orafi – argentieri - scatolai fiorentini A. Castagni, Adolfo e Baldassarre Ficalbi; ai quali si aggiungono, nel 1934, altri due fiorentini: T. Manuelli e D. Giusti. Il reparto specializzato nella produzione di catene e tessuti raffinati ed esclusivi, in oro giallo, rosso e bianco, è diretto dagli alessandrini Cesare e Alfio Drago, incisori e guillocheur sono M. Montini, G. Gatti, E. Baggio, F. Soli, P. Rossetti. Ai viennesi e ai fiorentini, affiancati dagli orafi, incassatori e incisori valenzani (L. Mazza, E. Visconti, V. Faciotti, G. Dogliotti, A. Carnevale, G. Borelli e P. Vecchio) è affidata la creazione e l’esecuzione degli accessori e dell’alta gioielleria.

Gli accessori di lusso sono eseguiti in platino, oro, diamanti, pietre preziose e raffinati smalti, su commissione delle più importanti gioiellerie italiane: Fasano, Cusi, Bulgari, Ventrella, Fecarotta.

I diademi, le parure con diamanti di elevata caratura, eseguiti e incastonati alla perfezione dagli orafi dell’alta gioielleria Enrico Prandi e Carlo Aviotti, sono disegnati e progettati da Franz Ballon (Vienna, 1898-Valenza, 1963). Tra il 1932 e il 1936 in casa Illario opera come disegnatore e cesellatore Giuseppe Gillio.

Nel 1935 viene depositato il marchio di identificazione “26 AL” e la ragione sociale è Carlo Illario e F.lli. Nel 1939 la fabbrica occupa ottanta dipendenti che producono circa mille manufatti l’anno. Nel 1949 prima disegnatrice è Nella Viarenghi (Valenza, 1934).

Nel 1952-1953 entrano in azienda i figli di Luigi, Giovanni (valenza, 1932) e Vittorio (Valenza, 1934). Dal dopoguerra a tutti gli anni settanta del secolo scorso Casa Illario riconferma le sue capacità.

L’alta gioielleria è creata ed eseguita anche per Faraone e Settepassi. Il bracciale elastico
“Serpente”, gioiello tecnicamente perfetto e stilisticamente d’avanguardia, creato alla fine degli anni cinquanta e da allora costantemente aggiornato, è l’emblema della Casa.

Oggi Illario continua a produrre pezzi unici e piccole serie, utilizza platino, oro di tutte le colorazioni, diamanti in forma, brillanti, pietre preziose.

Con il bracciale Cornucopie, in oro e acciaio, brillanti taglio baguette e due diamanti taglio ovale, creato dal disegnatore Carlo Pianzola, vince il premio  “Diamonds International Awards” nel 1982; seguito da un secondo, nel 1986, ottenuto grazie a un anello sempre disegnato da Pianzola.

Dal 1977 sono titolari della Casa Illario e F.lli e del logo “Illario 1920” Vittorio e i suoi figli Pier Luigi (Valenza, 1965) ed Edoardo (Valenza, 1967), rispettivamente responsabili della produzione e del settore commerciale. Del 1998 è la linea pret-à-porter  “Penthaus”, composta da anello, orecchini e bracciale, quest’ultimo protetto da brevetto valido per tutto il mondo.

Mario Dessi è l’attuale disegnatore. Vittorio Illario sovrintende tuttora alla progettazione e alla creazione dei gioielli, attualmente riveste la carica di presidente dell’Associazione Orafa Valenzana.

Illario ha aderito ad ambedue le edizioni dell’iniziativa benefica “Un gioiello per la vita” realizzando i gioielli disegnati dall’imprenditore Raul Gardini e dall’attrice Joan Collins.

LEOPOLDO JANESICH

Dal 1835 per oltre un secolo e mezzo la casa Janesich ha dato vita a una prestigiosa attività orafa, che, attraverso le generazioni, si è sviluppata in diverse nazioni. Tutto ha inizio nel 1835 quando il capostipite Leopoldo Janesich, apre i battenti della ditta in una città viva di traffici e ricca di commerci, com'era la Trieste d’inizio '800, in Capo di Piazza, centro di ritrovi culturali e mondani.

Passata da poco la trentina, con una pluridecennale esperienza a bottega, buon disegnatore e orafo molto capace, Leopoldo, di origine dalmata, individua subito il gusto di una ricca e composita clientela e in breve tempo banchieri, armatori, nobili e mercanti si rivolgono a lui con fiducia ed entusiasmo.

La città, porto franco, favorisce la nascita di forti capitali cui fa seguito un’ostentata mondanità, anche il cliente più impreparato resta sedotto dalla qualità sempre misurata dei gioielli posti in vendita da Janesich.

Quantunque non manchi, chi per distinguersi dal gentiluomo elegante esagera nell’adornarsene, prevale nella borghesia dell’epoca un gusto attento per il bello e per il sobrio. Qualche decennio dopo, la fama è già consolidata e la ricerca di fornitori ha allargato di molto i contatti di Leopoldo con le città di Firenze, Roma, Venezia, Milano; ma anche con i laboratori tedeschi di Hanau e austriaci di Vienna.

A coadiuvarlo c’è il figlio Giovanni, il quale nel volgere di pochi anni, porterà le fortune della Casa fino in Francia la cui capitale impone la moda in tutta Europa. Parigi è frequentata sia da lui sia dal giovane figlio Alberto. Leopoldo muore nel 1880 dopo una vita generosa di soddisfazioni professionali e con il compianto dei concittadini che lo avevano conosciuto anche come membro del Consiglio Cittadino e della Commissione di Borsa.

Nel 1896 Giovanni apre a Parigi, in Rue de Lafayette, un ufficio per il commercio all’ingrosso di pietre preziose e perle: a dirigerlo pone il giovane Alberto dotato di talento spiccato per la compravendita e appassionato conoscitore delle gemme. L’altro figlio, Giuseppe, il quale ha ereditato dal nonno la predisposizione al disegno e la passione per le belle arti così da essere il referente culturale della famiglia, segue intanto il negozio di Trieste.

È interessante notare che tra i due negozi ci sarà uno scambio continuo di oggetti: quelli prodotti in Francia sono venduti anche a Capo di Piazza e viceversa.

Il padre è impegnato a promuovere i contatti d’affari per le due sedi di Trieste e Parigi e la corrispondenza della ditta evidenzia i buoni rapporti con le case Bulgari e Settepassi in Italia e con Vever, Boucheron e Chaumet in Francia.

Alcuni vasi di Daum e di Walter sono montati in argento su disegno di Giuseppe, mentre Tiffany acquista perle per somme considerevoli da Alberto. Quest’ultimo, ormai introdotto nell’alta società parigina, frequenta l’Opera nel palco della principessa di Metternich, annova tra i suoi clienti tutta la crème della Ville Lumière.

Siamo cosi nel 1913. Alberto rileva due negozi dalla famiglia Goustikker: uno molto grande in Rue de la Paix, tempio del lusso parigino, situato tra Tiffany e Cartier, l’altro più piccolo a Montecarlo ma prospiciente al Casinò. Se mai avesse avuto delle perplessità sui passi da compiere, queste sono subito fugate dallo sviluppo vertiginoso degli affari.

Non ancora spenti gli echi delle celebrazioni tenutesi a San Pietroburgo per il trecentesimo anniversario dei Romanoff che gli procurano nuovi facoltosi clienti, già partecipa all’asta dei preziosi della duchessa di Marlborough aggiudicandosene il diadema e un collier.

Soltanto lo scoppio della prima guerra mondiale arresterà quest’ascesa. Cessato il conflitto, il desiderio della clientela di recuperare il tempo perduto porta gli Janesich ad aprire altri due nuovi negozi nelle rinomate località turistiche di Deauville e Vichy.

Mentre la sede di Trieste annovera tra la sua clientela re Nicola del Montenegro e, il duca Amedeo d’Aosta, oltre alle grandi compagnie di navigazione, a Parigi e a Montecarlo si succedono le visite della principessa Ruspoli, delle baronesse Rothschild e Forest assieme a tutto il bel mondo dell’epoca.

Tiffany continua a comprare gemme da Alberto, mentre il padre, seppure anziano, cura le relazioni con la fabbrica di orologi Baume et Mercier per le cui meccaniche sono eseguite splendide casse in pietre e oro nel gusto furoreggiante allora, il "dèco".

Il grande disegnatore di gioielli Alfred Langlois (così come Boucheron e Mauboussin), lavora molto anche per la casa Janesich; Giuseppe a Trieste disegna e fa eseguire in occasione delle nozze della principessa Mafalda di Savoia un elegante cofanetto in oro, argento e smalti.

Nel 1923 la prima Biennale delle Arti Decorative della villa reale di Monza ospita alcune belle creazioni della ditta e nel 1925 Casa Savoia concede agli Janesich il brevetto reale. Dai loro laboratori uscirà anche la corona che cinge il capo della Madonna del santuario di Castelmonte.
Nel 1927 conclude la sua vita terrena Giovanni Janesich e Giuseppe inizia all’attività il figlio Pietro detto Momo che si inserisce brillantemente negli affari di famiglia.

Gli Janesich si specializzano intanto anche nella produzione di medaglie eseguite in occasione di inagurazioni di navi, ricorrenze storiche e commemorative che la ditta Janesich eseguirà dagli inizi del 900 fino alla sospensione delle attività.

Il 1933 porta in dono la concessione del brevetto di Casa d’Aosta, ma la gioia non può essere condivisa da Alberto, spentosi alcuni mesi prima: i negozi francesi vengono chiusi nell’arco dei due anni successivi; un ufficio aperto da Alberto a Londra era stato chiuso da lui stesso nel primo dopoguerra.

Rimangono Giuseppe e Momo con un secolo di tradizione alle spalle. Continueranno la bella produzione per le autorità dell’epoca e per celebrazioni ufficiali, locali e nazionali. Numerosi sono i lavori eseguiti per l’allora capo del governo Mussolini e il ministro Ciano e gli oggetti regalo eseguiti in occasione delle frequenti cerimonie di importanti navi degli anni Trenta.

Il 1937 è l’anno della morte di Giuseppe Janesich. Di lì a poco l’Europa, di nuovo in guerra, dilanierà se stessa per sette lunghi anni. Toccherà a Momo, rimasto solo, riprendere l’attività nel dopoguerra.

Ma tutto il mondo è cambiato: Momo, uomo colto e raffinato, confida amareggiato a un amico che tutti i grandi clienti sono tra i "più". La Casa produrrà ancora, tra i grandi lavori, la coppa Golden Laurel Award per il noto produttore americano di Addio alle armi e Via col vento, Daniel O. Selznik.
Nel 1971 muore indimenticato nella sua bella dimora a Barcola.

Attualmente la tradizione viene rinnovata da Francesco Janesich, sesto erede di una famiglia di gioiellieri, nella casa madre sita a Trieste, in via San Nicolò 30, dove nel rispetto della storia vengono ideati ed eseguiti i gioielli e monili in osservanza della tradizione di 175 anni.

Georg Jensen

(Denmark 1866 - 1935)

Casa fondata nel 1904 a Copenhagen

Argentiere e gioielliere danese famoso per il design, la sua cultura si esprime al meglio nel movimento artistico “Art & Craft”. Come molti dei suoi contemporanei, in Danimarca, Georg Jensen frequentò estensivamente le scuole di arte e design. Dal 1880-1884, è apprendista di un orafo locale e imparò la scultura.

Nel 1887, vinse una borsa di studio per il Royal Danish Academy of Fine Art, dove ha studiato fino al 1892. Sebbene egli preferisse lavorare come scultore, non era in grado di guadagnarsi da vivere facendo solo questo e quindi dovette “arrangiarsi” facendo altri vari lavori, uno dei quali fu la fabbricazione di gioielleria. Nel 1898, iniziò a lavorare nella ceramica con un amico, Joakin Skorgard. La svolta per la sua carriera avvenne nel 1900 quando una delle sue brocche fu scelta per il padiglione danese a Parigi nell'International Exhibition.

Jensen si recò a Parigi per la mostra dove incontra altri artisti del movimento Art & Craft. Nonostante il suo successo, la sua attività nella ceramica si interruppe, e finì per entrare definitivamente nel mondo dell’argenteria.

Nel 1901, iniziò a lavorare al negozio di argenti Ballin & Mogen. Ballin, un sostenitore della filosofia dell’ Art & Craft, incoraggia Jensen a sviluppare i suoi propri progetti di design. Una delle prime opere di Jensen, una cintura con fibbia Adamo ed Eva, era sraordinaria.Con questo lavoro cattura l'attenzione di entrambi i suoi datori di lavoro e della critica esterna. Altro classico fu il “Magnolia blossom”, realizzato nel 1910.

Nel 1904, Jensen ha abbastanza fiducia, e liquidità, per fondare un proprio laboratorio. Fu nei primi due decenni, che produsse gioielli per cui sarebbe diventato famoso. I suoi pezzi di disegno naturalistico ponevano in primo piano: fiori, piante, uccelli, uva, e animali. Essi venivano realizzati in argento, che dopo essere stato martellato e cesellato per creare una ruvida superficie materica.

L'ossidazione venne utilizzata per dare un senso di profondità e una colorazione unica su ogni pezzo. Pietre semi-preziose venivano spesso usate per abbellire le superfici: labradorite, opali, ambra, malachite, lapislazzuli, corallo e agata.

In poco tempo, il lavoro di Jensen acquista rinomanza internazionale. Nel 1909, apre un negozio a Berlino. Nel 1910, i suoi pezzi vengono premiati con una medaglia d'oro al Salone Internazionale di Bruxelles.

Alla sua prima mostra in America del Nord a San Francisco nel 1915, vinse diverse medaglie d'oro. William Randolph Hearst, magnate della carta stampata, ha acquistato vari pezzi.

Nel 1915, il negozio di Berlino, nonostante il grande successo chiuse per l'inizio della prima guerra mondiale . Egli aprì altri negozi per recuperare il mercato perso in Svezia , Parigi (1918), Londra (1921), e New York (1924). Nel 1925, ha conseguito il Gran Premio all’ Esposizione Mondiale di Parigi.

Verso la fine del 1920, Jensen ha cominciato a cedere il controllo creativo ad altri progettisti all'interno della sua azienda. Quando morì, nel 1935, il New York Herald Tribune lo definì "il più grande argentiere degli ultimi 300 anni."

Da quel momento, la ditta Jensen senza il suo artefice inizia in una nuova direzione stilistica. Il nuovo stile Jensen , iniziato da Sigvard Bernadotte, era più geometrico e astratto. I nuovi designers: Nanna e Jorgen Ditzel, Nebbia Astrid, Henning Koppel e Arno Malinowski ha continuano il trend nel 1950 e '60.

L'azienda è ancora in attività, oggi riproducono pezzi vecchi per crearne di nuovi. Tra il 1985 e il 1987, la casa si fuse con altre due per creare la più grande impresa di arti decorative della Scandinavia.

JAR

Joel Arthur Rosenthal

dal 1977

Solitario artista francese contemporaneo noto per i suoi gioielli con lavorazione a pavé eccezionale. Nel 1977, Joel Arthur Rosenthal apre in maniera discreta e con le iniziali del suo nome il laboratorio “JAR”, con il suo compagno Pierre Jeannet.

E’ stata l'ultima di una serie di imprese artistiche la sua migliore di sempre. Nato nel Bronx nel 1943, Rosenthal ha frequentato Harvard dal 1964 al 1966, laureandosi in soli due anni in storia dell'arte e filosofia e subito si trasferisce a Parigi. Prova a scrivere sceneggiature per film in inglese e francese, progetta arazzi, poi apre un negozio di oggetti ricamati, e infine lavora brevemente per Bulgari .

Quindi ha cominciato a sperimentare anche con i gioielli. Le sue creazioni divennero presto famose per i suoi colori vivaci e le forme organiche.

Composte di leghe in metallo nero, tra cui argento, i pezzi sono tipicamente tessuti con piccole gemme dai colori brillanti, le loro incastonature sono così sottili da farle apparire invisibili.

Tutto ciò che si vede, è una gradazione di colori che vanno a formare il pezzo: un fiore, un insetto, o anche animali mitologici. L'azienda, situata in Place Vendôme, produce solo 70-80 nuovi pezzi di gioielleria ogni anno.Si rifiuta di fare pubblicità, mantenere orari regolari, o di mostrare i suoi gioielli in vetrine al pubblico.

Tuttavia i gioielli di JAR hanno un seguito e una venerazione che ne fanno oggetti di culto, ed è molto ricercato anche sul mercato delle aste.

Tra i suoi clienti, sono molti i personaggi famosi, tra gli altri, Elizabeth Taylor, Ann Getty, Elle MacPherson, e Barbara Walters.

Fonti

• Adams, Susan. “The Cult of Jar.” Forbes (2006).
• Rosenthal, Joel. Jar. Paris: JAR, 2002. ISBN 095430960X

KUTCHINSKY

I Kutchinsky incominciarono la propria attività nel 1893 quando, dopo essere emigrati dalla Polonia, si stabilirono nel quartiere East End di Londra ove continuarono la loro professione aprendo un piccolo negozio di gioielleria e di riparazione di orologi. Gli affari fiorirono rapidamente e nel 1913 i gioiellieri si trasferirono in una sede più grande, situata al numero 171 della Commercial Road, sempre nel quartiere East End.

Nel 1928 Joe Kutchinsky, all’età di soli quattordici anni, cominciò a prendere parte agli affari di famiglia diventando, in pochi anni, una delle figure di maggior rilievo della maison Kutchinsky. Joe riuscì a imparare con molta rapidità i segreti del mestiere e si occupò degli affari con molto successo fino all’inizio della seconda guerra mondiale. Durante la guerra il negozio rimase parzialmente chiuso, ma nel 1945 Joe riprese in mano l’attività con rinnovato entusiasmo, creando nuovi disegni e tecniche per i suoi gioielli.

Agli inizi degli anni ’50, infatti, la maison Kutchinsky era rinomata nel mondo della moda e della gioielleria. Nel 1958 si trasferì nel quartiere West End di Londra, in Old Brompton Road, tuttora sede dell’ attività. Da allora Kutchinsky ha goduto del patrocinio di diverse case reali e di una fama internazionale che continua a mantenere sotto la direzione di Paul Kutchinsky che dal 1971 s’ interessa agli affari di famiglia.

Dopo la guerra Kutchinsky cominciò a creare nuove tecniche di oreficeria che permettevano la realizzazione di gioielli unici e moderni. Tra le varie innovazioni di Kutchinsky è l’uso di una particolare lega d’oro, argento e platino.

La maggior parte dei gioielli di Kutchinsky sono contraddistinti dalla firma: Kutchinsky in caratteri corsivi.

LACLOCHE Freres

dal 1875

Lacloche Frères fu fondata a Madrid nel 1875 da quattro fratelli: Fernand, Jules, Leopold e Jacques. Durante gli anni 1920 e 1930 ottennero un grande successo, progettando pezzi decorati con smalti multicolori e gemme scolpite ispirate all'Oriente.

La maison Lacloche Frères era un’attività al dettaglio che selezionava i suoi oggetti presso i migliori designers che non erano aperti al grande pubblico. Chiamarono a raccolta i migliori artigiani che operavano per i grandi gioiellieri di Parigi, ottenendo la collaborazione dei laboratori, Louis Girard, Georges Verger, Rubel, Georges Lenfant, Strauss-Allard-Meyer, e Halluin-Matlinger.  

La reputazione dell'azienda, come una delle prime gioiellierie di tendenza crebbe rapidamente dopo l’Esposizione Internazionale del 1925 a Parigi. I fratelli Lacloche trassero la loro ispirazione dalla cultura cinese e dall’arte orientale così come dai personaggi delle favole di La Fontaine. La Maison si trasferisce a Parigi da Madrid a cavallo del secolo, aprì diverse sedi, infine, si stabilì come Frères Lacloche al 15 di rue de la Paix nel 1901.

L'azienda ha continuato a espandersi, nel 1912 aprì la sede di New Bond street a Londra dove durante la Prima Guerra Mondiale, Lacloche comprò l’intero stock di Fabergè; il governo russo a seguito della rivoluzione rimpatriò il personale di Fabergé e i loro beni.

Nei primi anni del 1920 l'azienda, seguendo l'esempio di Cartier e Van Cleef & Arpels, divenne nota per l’arte del nécessaire; che consisteva di creare elaborati contenitori per il trucco e per le sigarette delle signore, altri oggetti per la moda e accessori femminili da giorno.

Ottennero grande fama alla’Exposition International del 1925, che celebrava la grandezza della Francia vittoriosa al Grand Palais, realizzando colonne con argento e oro per le vetrine dei gioielli, tutto questo sfruttando i benefici dell'eccesso dei ruggenti anni Venti.

A Lacloche fu chiesto di creare gioielli a personaggi del calibro di Edoardo VII, Grace Kelly e la regina Vittoria di Spagna. Purtroppo, la società fu costretta a presentare istanza di fallimento dopo il crollo del mercato azionario del 1929.

I libri inventario dell’Impresa del 1932-1938 registrano una varietà di prodotti offerti in diversi stili. Durante il 1930 l'impresa vendette soprattutto bracciali, spille, clip regolabili e divisibili, vari anelli con motivi estetici modernisti.

Dopo il 1934 i pezzi registrati nei libri inventario fanno presagire il disegn che divenne popolare nel 1940. Le clips sono state il pezzo di gioielleria più venduta, assumendo molte forme e motivi, realizzarono clip, doppie clip , clip come orecchini, fermagli per capelli, in vari modelli e forme dal design che riproduceva i trucioli arricciati del legno. Nel 1936 Jacques Lacloche nipote dei fratelli Lacloche aprì un negozio di gioielli al N. 8 di Place Vendôme sotto la denominazione di SARL Jacques Lacloche. Il negozio rimase aperto fino al 1966, quando chiuse per perseguire una carriera in Arte Contemporanea.

ILIAS LALAOUNIS

E' nato ad Atene da una famiglia originaria di Delfi che aveva esercitato l' oreficeria per quattro generazioni. Ilias, dopo aver conseguito una laurea in economia, cominciò ad interessarsi all' attività di famiglia contribuendo al revival dell' arte dell' oreficeria e della gioielleria dell' antica Grecia. Convinto che la gioielleria antica fosse una vera e propria forma d' arte capace d' appagare il gusto moderno, si dedicò ad uno studio approfondito di essa.

Nel 1957 esibì, alla Fiera Internazionale di Tessalonica, la sua prima collezione di riproduzioni di gioielli dell' antica Grecia. L' esposizione ebbe un esito positivo e Lalaounis cominciò a produrre gioielli e oggetti d' arte ispirati a stili e periodi dell' antichità piuttosto che di diretta derivazione. Le sue fonti d' ispirazione non provenivano unicamente dal mondo dell' oreficeria antica ma anche da motivi architettonici, da dettagli scultorei, da affreschi, da mosaici, da icone e anche da ricami di volta in volta tipici di un determinato momento storico.

Col passare del tempo Lalaounis cominciò ad allargare i suoi orizzonti artistici ispirandosi anche alla Grecia bizzantina, alla Persia, al mondo Arabo e a quello Ebraico, al Giappone,  alla Cina e recentemente anche alla cultura degli indiani del Nord America.

Pure il mondo naturale e quello della tecnologia si sono dimostrati inesauribili fonti d' ispirazione. Ilias Lalaounis è profondamente convinto che la gioielleria sia una forma d' arte tramite cui il gioielliere trasmette i propri sentimenti e il proprio impulso artistico stimolando contemporaneamente nel suo pubblico reazioni simili a quelle provocate da altre forme d' arte.

Al tempo stesso Lalaounis è convinto che il gioielliere debba sempre essere a contatto con la realtà del suo tempo e consapevole delle nuove tendenze, mode e stili di vita, perchè i gioielli sono ornamenti che vengono indossati.

Inoltre è del parere che ogni gioiello degno di questo nome debba narrare una storia, cioè portare un messaggio che lo ricolleghi al passato e diventare così una sorta di simbolo o rimembranza. La sua filosofia riguardo alla natura e alla funzione dei gioielli è esposta nel suo trattato Metamorphses pubblicato nel 1984 ove i suoi gioielli sono dettagliatamente illustrati e analizzati.

Ilias Lalaounis ha sempre preferito per le sue creazioni oro a 22 carati, proprio per la colorazione più ricca e solare e spesso impreziosisce i suoi gioielli con diamanti, pietre preziose e semi preziose.

La Ilias Lalaounis Gallery e il suo laboratorio, situati al piede dell' Acropoli, furono inaugurati nel 1968; poco dopo seguirono le aperture di gallerie gemelle a Parigi (1976), a New York (1979), a Honk Kong (1981) e infine a Londra (1985).

Negli ultimi tempi Ilias Lalaounis è assistito nella direzione dell' attività dalle quattro figlie: Katerina, Dimitra, Maria e Ioanna. Nel febbraio del 1990 è stato eletto membro dell Accademie Francaise, e come tale è stato il primo esponente nell' ambito delle arti visive a ricevere questo riconoscimento.

I gioielli Lalaounis sono spesso firmati con il nome per esteso in lettere maiuscole oppure sono contraddistinti dal suo monogramma racchiuso in un elemento ovale.

RENE' LALIQUE

dal 1876

Gioielliere francese riconosciuto come il maestro indiscusso dello stile Art Nouveau. Nel 1876, René Lalique (1860-1945) iniziò la sua carriera come apprendista presso l’eminente orafo parigino Louis Aucoc.

Anche se desideroso di imparare il mestiere, Lalique era interessato alle arti in generale. Si iscrive a L'École des Arts Décoratifs e la frequenta dal 1876 al 1878 e poi va a Londra, dove frequenta la Scuola d'Arte a Syndenham tra il 1878 e il 1880.

Tornato a Parigi, ha studia scultura con Justin Lequien e progetta tessuti per un parente. Nel 1881, Lalique inizia a progettare e realizzare gioielli, vendendo i pezzi ad aziende come Aucoc, Boucheron, e Cartier.

Nel 1885, aprì una propria boutique e nei primi dieci anni gode di una creatività senza precedenti, così come di un successo di pubblico enorme, era la stella indiscussa del periodo.

Adottando i temi, le tecniche e i materiali del nascente movimento Art Nouveau, Lalique raggiunge un punto di raffinatezza senza eguali. I suoi gioielli si basavano su linee sinuose, rami e piante di vite, fiori, animali realistici e di fantasia, donne vestite in abiti succinti.

I pezzi erano abbelliti con pietre preziose organiche e insolite come osso, avorio, e ambra. Lo smalto utilizzato comprendeva tutte le tecniche, anche se la preferita era quella plique-à-jour.

Nel 1900, i critici all'Esposizione Universale di Parigi lodarono i suoi gioielli all’unanimità, indicandoli come i migliori esempi di design contemporaneo.

Nello stesso periodo, inizia a disegnare e fabbricare oggetti in vetro, un’impresa alla quale si sarebbe completamente dedicato nel 1920, deluso dall’uso commerciale che si stava facendo del movimento artistico Art Nouveau.

Nel 1925, all’Exposition des Arts Décoratifs et Industriel, l'esposizione per la quale prese il nome, il periodo conosciuto come epoca Art Deco, i suoi oggetti di vetro rubarono ancora una volta la scena della ribalta internazionale.

Anche se rifiutava di lavorare con l'oro nei suoi ultimi anni, Lalique comunque continua a creare spille e pendagli in vetro.

I suoi laboratori sono stati chiusi tra il 1937 e il 1940. Quando Lalique morì nel 1945, la sua impresa continua con il figlio Marc il quale gli successe.

Nel 1977, la figlia di Marc, Marie-Claude ne raccolse la eredità. L'azienda continua ancora oggi la produzione di raffinati oggetti di cristallo.

RENE' LALIQUE

René Lalique, creatore di gioielli e di vetri, nasce il 6 aprile 1860 ad Aÿ nel Dipartimento della Marne, da Jules Lalique e Olympe Berthellemy. Da ragazzo inizia a studiare disegno al Collegio Turgot a Parigi, per poi continuare al Collegio Barbe a Fontenay-sur-Bois.

Rimasto orfano del padre, ancora sedicenne viene mandato presso il gioielliere Louis Aucoc, che gli insegna le tecniche orafe; intanto prosegue i corsi serali di disegno e modellato alla Scuola d'arte decorativa di Parigi, che lascia nel 1878 per trasferirsi due anni a Londra, dove segue i corsi professionali di oreficeria e disegno alla famosa Scuola d'arte di Sydenham.

Al suo ritorno a Parigi nel 1880, inizia a lavorare progettando nuovi modelli per rinomati gioiellieri parigini, come Aucoc, Acno, Cartier, Gariod, Jacta, Renn e Destapes. Da quest'ultimo, nel 1886, Lalique preleva la piccola ditta, diventando fabbricante di gioielli egli stesso. Subito, ingrandendo l'attività, si trasferisce prima al 24 di rue du Quatre-Septembre, poi, aumentato il suo giro d'affari, nel '90 si trasferisce al 20 della rue Thérèse in un'ampia sede per la quale egli stesso disegna l'arredamento.

La creatività di Lalique va oltre i materiali preziosi e il mestiere dell'orefice. Non sono infatti solo le perle, le pietre e i metalli preziosi a dar valore ai suoi gioielli; egli utilizza vari materiali, come il corno, l'avorio, la tartaruga, la madreperla, il bronzo, lo smalto, l'agata e il vetro. Le linee curve e sinuose Art Nouveau trovano nei gioielli del maestro una raffinata interpretazione.

In ogni oggetto - parures, pendenti, diademi, colliers, pettini, anelli e bracciali - si fondono magistralmente arte e fantasia, raffigurazioni di animali fantastici o di donne fatali, temi inusitati in gioielleria che trascendono il gusto del momento e il capriccio femminile. Tra le schiere di entusiasti ammiratori, le attrici Sarah Bernhardt e Julia Barthet, per le quali Lalique, assecondandone la personalità, crea gioielli straordinari che le attrici sfoggiano anche sulla scena.

Anche importanti uomini d'affari collezionano i suoi gioielli, fra questi il finanziere turco Caluste Sarkis Gulbenkian, che tra il 1900 e 1903 raccoglie oltre 150 pezzi, ora esposti alla Fondazione del museo omonimo a Lisbona.

All'Esposizione Universale di  Parigi del 1900, dove espone con altri grandi maestri del vetro Art Nouveau, quali Emile Gallé e Antonin Daum, viene premiato per le sue originalissime opere e riporta un successo che diventa ben presto di fama mondiale. I suoi gioielli sono considerati un'alta espressione dell'arte decorativa, appartenendo all'architettura, alla scultura, alla pittura e alla vetreria insieme.

Le prime ricerche sul vetro di René Lalique datano 1890, quando realizza i suoi elementi per i gioielli intervenendo con le tecniche della smaltatura e dell'incisione al touret. Lalique, sempre più interessato alle esecuzioni in vetro, è incoraggiato dalla critica di Jules Heurivaux, direttore della manifattura Saint-Gobain, che gli fornisce i blocchi di cristallo necessari ai suoi lavori; incomincia a creare vasi e coppette con la tecnica della cera persa, che espone - in una vetrina da lui stesso ideata  e che contiene una trentina di pezzi - al Salone di Parigi nel 1901 (userà la stessa vetrina l'anno seguente all'Esposizione Internazionale di Arti Decorative Moderne di Torino).

Verso il 1902 apre un nuovo atelier a Clairefontaine, piccolo centro nei pressi della foresta di Rambouillet, dove inizia a produrre in serie vetri dalle forme da lui inventate, con le tecniche del vetro soufflé-moulé (soffiato dentro uno stampo in metallo con la canna a bocca, ma nel caso di Lalique, il più delle volte per mezzo di un tubo di gomma con un rubinetto regolabile, collegato all'impianto, che immette direttamente aria compressa nella canna), e moulé-pressé (il vetro o cristallo allo stato vischioso - bolo, viene pressato in uno stampo in metallo tramite uno stantuffo).

Lalique mette così la macchina al servizio dell'arte per realizzare dei pezzi quasi industriali, riservandosi però una finizione artigianale di lavorazione a freddo. Questa comporta il taglio al collo o alla base del vaso, la pulizia alla mola per eliminare costolature o sbavature, in certi casi l'arricchimento della decorazione mediante l'incisione ad acido, o al getto di sabbia, oppure servendosi della tecnica del depolire (smerigliatura o satinatura), che rende il vetro più contrastato e leggibile.

Un'operazione complementare può essere la smaltatura, come annerire i pistilli dei fiori, i gambi di certi vetri e qualche motivo decorativo (operazione seguita poi da una cottura in forno a bassa temperatura). Altro intervento abbastanza frequente è la patinatura, consistente nell'applicare a pennello un velo di smalto colorato per dare più rilievo al decoro; possiamo perciò  trovare vasi dello stesso modello con patina di diverso colore.

Questo procedimento permette di variare all'infinito gli effetti di materia e di trasparenza; ma ha lo svantaggio che, non essendo fissato a caldo, con il tempo e i numerosi lavaggi è facile che questo velo di smalto vada scomparendo.
Sempre nel 1902 si inaugura a Parigi in Cours la Reine (oggi al n. 40 di Cours Albert I) la Maison Lalique, adibita ad atelier di disegno e a luogo di esposizione, nota per la porta con figure d'atleti in bassorilievo in vetro traslucido, all'avanguardia per il gioco dei bianchi e dei satinati opachi.

Con l'apertura di una nuova fabbrica a Combs-La-Ville vicino a Fontainebleau, nel 1909, René Lalique, nel contempo artista verrier e abile uomo d'affari, ormai avviato ad un grande successo internazionale, comincia a disegnare e produrre per il profumiere Coty i primi flacons: L'effeurt, Ambre antique, Stiyx, Cyclamen.

Con gli anni si aggiungeranno altri modelli realizzati in migliaia di pezzi, evaderà ordinazioni, oltre che per Coty, per D' Orsay, Rigaud, Arys, Roger & Gallet, Worth e molti altri. Ai flaconi faranno seguito i vaporizzatori e tutta una serie di scatole portacipria.

Il 1912 è l'anno in cui Lalique smette la lavorazione dei gioielli con materiali diversi e si consacra unicamente al vetro. La varietà dei suoi vetri sembra infinita, è sempre lui a studiare e a disegnare la maggior parte dei modelli, vasi, coppe, piatti, statuine, orologi, soprammobili, candelieri, caraffe, bicchieri, bomboniere, scatole,garnitures de toilette, portacenere, brucia-profumi, specchi, porta-ritratti, oggetti religiosi, calamai, buvards, boccette, presse-papier, bouchons de radiateur, gioielli in vetro.

Opere a cui dà un nome e un numero, verificabile nei cataloghi  R. Lalique del 1932 e nell'esauriente catalogo ragionato R. Lalique di Félix Marcilhac del 1989.Incomincia nel 1920 l'originale lavorazione dei bouchons de radiateur (molti modelli senza l'apposita avvitatura in metallo cromato diventano presse-papiers o ferma-libri).

Sono piccole sculture in vetro o in cristallo per automobili private, ma nel 1926 riceve anche un'ordinazione da parte di André Citroën per lanciare la nuova 5CV; le sue esecuzioni più famose: Comète, Faucon, Tête de belier, Vitesse, Perche, Cinq che-vaux, Paon, Granouille, Mustang, Archer, Tête de cerf, Libellule, Victoire (ora Spirit of the wind),Tete d 'aigle (modello del '28 che piacque a Hitler e se ne servì come regalo ad alcuni suoi generali); alcune di queste mascottes, montate con una piccola lampada alla base, diventano un punto luce di notte.

Anche nel settore dell'illuminazione Lalique realizza splendide opere: lampade da tavolo, lampadari, plafoniere, appliques, veilleuses. All'éclairage si interessa sin dal 1905, ma è nel 1920 che manifesta tutto il suo talento, specie in quelle sculture in vetro spesso, montate su uno zoccolo in bronzo - in cui si trova la lampadina che illumina il vetro - creazioni personalissime, tra cui Suzanne au bain, modello creato nel '25, in catalogo n. 833 (lo stesso modello eseguito in cera persa porta in catalogo il n. CP 411), Thaïs (detta anche Suzanne II) modello del '25, in catalogo n. 834; Oiseau de feu, del '22 in catalogo con il n. 1111; modelli questi che Lalique fa eseguire, anche senza l'illuminazione, su base in vetro come centri-tavola.

Le opere d'illuminazione, esposte nei vari Saloni, gli valgono da parte della critica dell'epoca l'appellattivo di magicien de la lumière. Lalique deve la sua riuscita alla tecnica del vetro modellato in forma: partendo dalle radici Art Nouveau e giungendo alle forme Art Déco, sviluppa verso il 1920 una vasta produzione di vetri opalescenti (circa il 90% della sua produzione), che presentano una superficie perlacea, con una misteriosa lucentezza che sfuma nel blu.

Altre opere sono in vetro bianco, a volte satinato quindi non lucente, per questo chiamato blanc traditionel. Solo eccezionalmente prima del 1914 Lalique utilizza vetro colorato, in seguito con vetro colorato nella massa realizza varianti di modelli precedenti fabbricati in bianco semi-trasparente, satinati o brillanti, oppure patinati.

A partire dal '21 certi modelli vengono creati sia in vetro opalescente che colorato (questi ultimi sono ricercati quasi come le sue rarissime opere a cera persa, anche se il loro numero sul mercato è di gran lunga superiore). I colori ottenuti con l'aggiunta di vari ossidi metallici al composto di base, assumono tonalità che vanno dall'ambra all'aranciato, dal rosato al rosso rubino, dal bruno o grigio fumé al nero, dal verde giada al verde smeraldo, fino al blu intenso.

Il medesimo modello può presentare delle varianti di intensità di tinta dovute alla fusione. I vetri inoltre possono assumere aspetti particolari quando con la canna si preleva da un crogiolo vetro in fusione colorato, da un altro del bianco opalescente e, secondo la sequenza di immissione nello stampo, la materia opalescente può fare da base al colore o viceversa. Il vetro opalescente di Lalique deriva da una modifica apportata alla tecnica collaudata dai veneziani all'inizio del Cinquecento: il vetro lattimo, ottenuto inserendo nel composto vetroso a base di potassio polveri d'ossa calcinate o con l'ossido di stagno o con quello d'antimonio.

Lalique aggiunge ossido di piombo nella percentuale del 12% (ottenendo un demicristal), e inoltre miscela fosfati di ossidi di fluoro, d'alluminio e di manganese, spesso insieme ad una piccolissima percentuale di cobalto, che è quella che dà la sfumatura blu del riflesso.

Questi pezzi presentano a volte le parti in rilievo più opache dello sfondo, ciò è dovuto al fatto che il grado di opalescenza dipende dalla velocità di raffreddamento della superficie esterna rispetto all'interno. Intorno agli anni '20 Lalique riprende la lavorazione dei gioielli in vetro, creando con successo numerosi pendentifs da indossarsi sospesi ad un semplice cordoncino di seta.

La lavorazione si estende ad anelli, bottoni, bracciali (i cui elementi forati sono tenuti assieme da una doppia fila di elastici), broches, fibbie per cintura, colliers e spille. I motivi decorativi, simili a quelli dei suoi oggetti, rappresentano figurine per lo più danzanti, angioletti, naiadi, maschere, meduse o anche vari animali: dai cervi, alle cicogne, alle farfalle e fiori e foglie stilizzate.

Nel 1921 Lalique apre una nuova fabbrica a Wingen-sur-Moder in Alsazia, affidandone la direzione al figlio Marco. Questo nuovo stabilimento all'inizio ha una produzione complementare alla vetreria di Combs-La-Ville, in seguito, attrezzandosi con macchinari più moderni che rendono più rapida la lavorazione e meno costoso l'oggetto, produce soprattutto pezzi semplici e destinati alla tavola, con tale successo che gli iniziali 50 operai diventano 400 nel 1940.

Contemporaneamente a Combs-La-Ville si continua la produzione dei pezzi di qualità più artistica, ed è René Lalique stesso ad eseguire i pezzi unici, ottenuti con il procedimento lungo e costoso della cera persa. Durante tutta la sua carriera realizza poco più di seicento modelli. La maggior parte in un solo esemplare, altre volte le prove dello stesso modello arrivano a sei, in altri casi, la richiesta dei collezionisti induce Lalique a rifare più volte l'impronta utilizzando la stessa tecnica. Solo in rari casi le cere perse non sono firmate, generalmente la firma incisa alla ruota si trova sotto la base.

Tra i più famosi vasi della manifattura Lalique: Serpent ( n. 896) in vetro bianco soufflé-moulé, anche patinato o in vetro colorato, h. 26 cm, modello creato nel 1924, non più in produzione dopo il  1947; Cluny (n. 961, anche chiamato Due maschere con anse in bronzo) in vetro fumé-soufflé-moulé, anche in vetro colorato, h. 26 cm, modello creato nel 1925, non più in produzione dopo il 1947; Danaides (n. 972) in vetro bianco moulé-pressé patinato, o opalescente, anche in vetro colorato fumé, h. 18,5 cm, modello creato nel 1926, non più in produzione dopo il 1947; Tourbillons (n. 973) in vetro bianco moulé-pressé smaltato, anche in vetro colorato giallo, h. 20 cm, modello creato nel 1926, dal 1947 resta in produzione fino al 1951 con il n. 2003; Bacchantes (n. 997) in vetro bianco moulé-pressé patinato, o opalescente, anche in vetro colorato fumé, h. 25 cm, modello del 1927, dal 1947 resta in produzione fino al 1951 con il n. 2005, tuttora in produzione; Palestre(n. 1012) in vetro bianco soufflé-moulé satinato, h. 40,5 cm, modello creato nel 1928, non più in produzione dopo il 1947;Salmonidés (n. 1015) in vetro bianco soufflé-moulé patinato, anche in vetro colorato, h. 29 cm, modello creato nel 1928, non più in produzione dopo il 1947.

René Lalique nella sua lunga carriera crea opere monumentali; celebri le sue fontane di cui si conoscono venti modelli in vetro pressato, il più delle volte con strutture in nichel.

Nella manifattura si eseguono anche pannelli ed elementi per mobili e per l'architettura, noti i pannelli decorativi per porte di edifici e per la Compagnie Internationale des Wagons-Lits, ed anche gli arredi per transatlantici.

Verso gli anni Trenta hanno successo i tavoli da pranzo in vetro bianco o giallo pressato, con montature in metallo cromato, o anche i deliziosi guéridons, tutti in vetro stampato, oppure con il solo piano in vetro inciso al getto di sabbia e la base in palissandro.

Non poche sono le installazioni e gli elementi di architettura religiosa: è tale la reputazione di Lalique che architetti e scultori gli chiedono di realizzare in vetro le loro opere commissionate dalla chiesa. Ma spesso è lui stesso a progettare: nel '31 l'arredamento di un 'intera cappella all' Avana richiestagli da un ricco committente di Cuba; nel 1932 tutto il complesso - altare, grande croce, candelieri, porta a due battenti, pannelli decorativi, colonne, fonte battesimale, tavolo, appliques, lampadari e vetrate - per la chiesa di Saint- Matthew a Saint-Hélier nell'isola di Jersey; altri altari e pale sono eseguite per chiese in Francia; tra le vetrate, quelle dei trittici raffiguranti angeli, collocate nel 1925 nella chiesa di Saint-Nicasie du Foyer Ré-mois a Reims. Un'importante Via Crucis i cui pannelli misurano 63 x 54 cm realizzata nel 1930 per la chiesa di  Sauchy-Lestrée nella regione di Pas-de-Calais.

I suoi collaboratori più attivi sono il modellista Maurice Bargelin, i disegnatori Chardon, Barette e Riard e il maestro vetraio Pierre Girre. Questi, dopo essere stato apprendista da Décorchemont, presta la sua opera da Lalique dal 1915 al 1926, apportando utilissime innovazioni tecniche, poi lavora in proprio firmando i vetri con il nome d 'arte Pierre D 'Avesn.

All' Esposizione Internazionale di Arti Decorative di Parigi del 1925 è presidente per la sezione vetreria...Società degli Artisti Francesi a Parigi (dal 1912 solo più con i vetri); Saloni degli Artisti decoratori di Parigi (dopo il 1912 solo più con vetri); Esposizioni al Musée Galliéra di Parigi (dal 1912 solo più con vetri). All' Esposizione Internazionale di Arti Decorative di Parigi del 1925 è presidente per la sezione vetreria.

Oltre ad allestire il suo stand, che ottiene un enorme successo, viene incaricato di decorare in vetro con porte, pannelli, fregi e lampadari, non pochi pavillons di altre ditte espositrici. Inoltre realizza su richiesta del Comune di Parigi la monumetale fontana Sources de France, composta da 128 cariatidi, smontate a fine esposizione e vendute separatamente.

Partecipa al gruppo degli artisti della Galleria di Géo Rouard esponendo in permanenza. Infine espone alla Biennale di Milano del 1936 e lo stesso anno al Metropolitan Museum di New York; nel
1938 alla Fiera di Belgrado e nel 1939 all' Esposizione Internazionale di New York, ultima mostra del maestro in vita.

Numerosi artisti e varie marche hanno seguito la via tracciata da Lalique, usando le stesse tecniche, con risultati abbastanza somiglianti, fra questi: Sabino, Etling, Hunebelle, Genet & Micon, Verlux e l'inglese Arthur Jobling, nonché alcuni vetrai boemi (di questi ultimi, alcuni modelli portano la firma apocrifa del maestro).

Il figlio Marco (1900-1977), alla morte del padre nel 1945, assume la direzione di tutte le manifatture. Mantenendo in produzione alcuni modelli del padre, crea nuovi modelli disegnandoli egli stesso. Oggi la firma Lalique è diretta dalla nipote Marie Claude, figlia di Marco, che continua la tradizione del nonno illustre, progettando creazioni contemporanee.

I lavori di René Lalique fino al 1945 portano la firma R. Lalique (in qualche eccezione senza la R), a volte seguita da France, in stampatello, ottenuta previo stampo o in corsivo, incisa alla piccola ruota, spesso seguita da un numero che contraddistingue il modello; con la scomparsa di René, quando la direzione passa al figlio, viene abolita definitivamente l'iniziale R e i vetri portano da allora la scritta Lalique France.

Arthur Lasenby Liberty

dal 1876

Gioielleria inglese famosa per aver reso popolare lo stile Arts & Crafts. Nel 1876, Arthur Lasenby Liberty aprì un negozio che vendeva esclusivamente oggetti "esotici" dall’India, Giappone e da altre zone dell’oriente.

Il magazzino attrasse gli intellettuali e gli artisti di Londra, e così divenne uno dei negozi più frequentati della città. Nel 1890, Liberty ha aprì una filiale a Parigi. Nel 1899, l'azienda ha presentato una linea di gioielli in stile Celtic-revival, la presento al pubblico con il nome di" Cymric".

Questa linea fu disegnata dai maggiori artisti d’arte decorativa del periodo, alcuni di essi avevano forti legami con il movimento “Arts & Crafts”,come Archibald Knox e Arthur Gaskin, la linea "Cymric" era progettata come un prodotto di massa con intenti artistici con prezzi che erano quindi accessibili.

A causa di questo, come ammettono anche gli storici di gioielleria, " Liberty & Co. ha avuto il merito far accostare ai 'gioielli d'arte' il grande pubblico, coniugando il design ideale del movimento Arts and Crafts con una produzione di massa di qualità, producendo così oggetti di buona qualità e alla moda e allo stesso tempo convenienti.

Sia in patria che all'estero, Liberty commercializzò con successo i suoi gioielli, facendo del nome dell'azienda un sinonimo dello stile Arts and Crafts.

I gioielli erano per lo più in argento lisci o anche con superfici martellate a mano. Pietre semi-preziose come perle blister e citrini, così come smalti colorati abbellivano con colori vivaci il tutto.

I pezzi presentavano spesso linee a colpo di frusta, fiori e foglie di vite con grappoli d’uva, o nodi celtici così come intrecci geometrici e lineari.

Il termine Liberty, dal suo nome, diventa in Italia sinonimo di Art Nouveau.

LIVERINO BASILIO

Torre del greco (NA), 1917

Collezionista e storico del corallo,ha compiuto studi in Svizzera.

Basilio Liverino entra giovanissimo nell’azienda di famiglia che vanta una tradizione dedita alla lavorazione del corallo dalla seconda metà dell’Ottocento. Nel 1989 è insignito dell’onorificenza di cavaliere del Lavoro.

Fondatore nel 1996 della Scuola Artigiana Torrese “E. Mele” (SATEM), sostiene quel programma di valorizzazione dei sistemi produttivi, con l’appoggio delle principali istituzioni napoletane, per favorire il livello di formazione scolastica delle maestranze. I suoi frequenti viaggi all’estero intrapresi nel 1957 gli consentono di entrare in contatto con le culture orientali, da cui resta affascinato.

Inizia casualmente, nel 1934, l’idea di un collezione culminante nella nascita nel 1986 del Museo del Corallo e dei Cammei Basilio Liverino.

Il museo, annesso all’azienda a Torre del Greco, ospita oltre mille manufatti provenienti da tutto il mondo, dal XVI secolo a oggi, con particolare attenzione alle sperimentazioni contemporanee di più recente acquisizione.

La collezione comprende esemplari di cespi grezzi, sia mediterranei sia asiatici, tra cui un enorme cespo di corallo cerasuolo di circa 12 chilogrammi; sculture trapanesi in corallo di Sardegna, del XVI e XVII secolo; arredi liturgici, tra cui spicca il celebre calice di arte trapanese del XVII secolo, in argento e rame rivestito interamente di coralli scolpiti.

Numerosi sono gli ornamenti personali di produzione napoletana e torrese del XIX secolo, tra cui due parure in stile neoclassico in corallo mediterraneo e di Sciacca di pregevole fattura.

Tra i lavori giapponesi e cinesi acquistati da Liverino in Estremo Oriente si distingue per finitezza e minuziosità la collana di manifattura cinese, in seimila microsfere, e monumentali composizioni. Opere autografe di artisti cinesi e giapponesi.

Il museo comprende una sezione dedicata al Nepal e al Tibet, da cui proviene un prezioso gilet, oltre a una sezione dedicata alla conchiglia, alla pietra lavica e alla tartaruga. Isolato in una teca, il pezzo più interessante: il celebre cammeo inciso in una conchiglia sardonica di enormi proporzioni con l’allegoria dell’Impero britannico (1873-1883), opera di Sabbato.

Il suo volume, Il corallo. Dalle origini ai nostri giorni, è oggi alla quarta edizione, è una fonte preziosa per la storia dell’arte del corallo, riportando dati biografici e giudizi critici su famosi artigiani napoletani e torresi, notizie sui materiali e sulle tecniche.

MARCHAK

Founded 1878

Nato appena fuori Kiev a Ignatovka, Joseph Marchak inizia il suo apprendistato nel 1868, all'età di 14 anni. Dopo dieci anni apre il suo negozio e, dopo venti, Marchak aveva guadagnato fama internazionale come una delle gioiellerie più importanti dell'Impero russo.

Conseguì la patente di fornitore ufficiale della famiglia Romanoff. Vinse una medaglia alla Fiera Mondiale di Chicago nel 1893 e una ad Anversa nel 1894, Marchak divenne noto come il "Cartier di Kiev". Purtroppo, Joseph Marchak morì alla giovane età di 64 anni. Con gli sconvolgimenti della rivoluzione russa e la fine della prima guerra mondiale, la famiglia Marchak raccolto quello che poteva dei gioielli fuggì a Parigi.

Alexander Marchak aprì un negozio in Rue de la Paix, dove nel 1920 la sua pregiata qualità di lavorazione e di design originale acquisì notorietà. Purtroppo gli affari sono nuovamente interrotti dalla seconda guerra mondiale e Marchak fu costretto a reinventarsi ancora una volta. Dopo che il lavoro inizia a riprendersi dagli effetti della guerra, Alexander Diringer, che lavorava da Sterle, è fu assunto come capo progettista, dove rimase fino al 1960.

Un altro gioielliere che lavorava a Parigi, Jacques Verger, gestiva un laboratorio di successo dietro le quinte per clienti del calibro di Boucheron, Cartier, Gübelin, Tiffany, Van Cleef & Arpels e altri ancora.

I suoi figli, Georges e Henri, anche loro negli affari, erano fornitori di Lacloche, Janesich, Ostertag, Chaumet, Black Starr & Frost, Tiffany, Caldwell e molti altri dal 1920 agli anni 30.

Il figlio di Henri, Jacques, iniziò la sua carriera lavorando dietro il banco per Ostertag e più tardi, per Sterle. Attirando l'attenzione di Alessandro Marchak, Jacques andò a lavorare per lui come un commesso nel 1946, un periodo non molto favorevole per il business dei gioielli.

La combinazione tra lo stile nella gestione di Verger, il talento di Diringer e Degommier, che è stato aggiunto al team nel 1958, assicurò il successo per la maison Marchak.

La mania per i disegni floreali in combinazione con uccelli e insetti che andavano per la maggiore in quel periodo del 1950 era perfetta per Marchak, . Gli schizzi del designer dovevano rendere perfettamente lo splendore delle gemme colorate e del metallo.

Senza un loro laboratorio di proprietà comunque, i pezzi erano prodotti da diversi altri artigiani. Libero dal peso dei costi generali che incombevano sugli altri gioiellieri di Place Vendôme, Marchack era libero di seguire la sua ispirazione. Ai loro progettisti era suggerito di "tenere gli occhi chiusi", quando passavano davanti alle vetrine degli altri gioiellieri, per preservare il loro stile unico.

Jacques Verger decise voler di conquistare il mercato americano. Sfruttando il suo fascino francese, portò la sua collezione a New York a ogni cadenza di fiera esponendo privatamente i suoi oggetti per una scelta clientela in un hotel della Quinta Avenue. Le composizioni corpose di Marchak catturano il sentire delle donne americane.

Gli anelli fiammeggianti creati durante questo periodo con cabochon arroccato in cima con lavorazioni a traforo riccamente decorate furono le creazioni di più grande successo. Verger era noto per donare oggetti preziosi ai suoi clienti. Jacqueline Kennedy  ricevette un set da scrivania in oro e lacca nera.

Eisenhwoer sparava con i suoi fucili con il calcio riccamente decorato da Marchak. Marchak fu nominato gioielliere di re Hassan II del Marocco, attraverso l’amicizia di Verger con il monarca, a sua Maestà piaceva avere il controllo di tutti gli aspetti che riguardavano la gioielleria che commissionava, in cui la cultura orientale era combinata con il successo dell'eleganza francese nel mondo.

Questi oggetti di solito erano regalati ad altri capi di Stato. Diringer andò in pensione nel 1967 lasciando Verger e Degommier il compito di proseguire nel successo di Marchak.

Nel 1988 Marchak fu venduto a Daum e l'identità Marchak fu persa. Oggi un nipote di Marchak è protagonista di un rilancio del nome con un team di progettazione che fu educato da Degommier e la produzione affidata a Cristofol, Parigi.

L'inaugurazione a Parigi in rue de Richelieu ha avuto luogo nel mese di aprile del 2005.

La tradizione della produzione rifiutando una produzione di  massa continua assicurando ai gioielli vivacità e unicità per la nuova clientela.

MARCUS & Co. 1892

Marcus &  Company società fondata nel 1892 a New York , sicuramente  una grande azienda nel campo della gioielleria Art Nouveau degli Stati Uniti ; il loro nome viene citato  dai più famosi gioiellieri e commercianti d’arte nella grande mela come altri ancora.

Nel primo decennio del ventesimo secolo il loro obiettivo era di creare gioielli utilizzando pietre fini, perle, gemme colorate e, di introdurre tecniche innovative per poterle adoperare.

Sono loro tra i primi a utilizzare in America lo smalto plique-a-jour (dal francese “ aperto alla luce”) tecnica di decorazione a smalto vitreo applicato in piccole celle, operazione che richiede un tempo molto lungo nella lavorazione dei gioielli ed è per questo che le loro creazioni potevano  essere considerate delle vere e proprie opere d’arte con una storia da raccontare .

La realizzazione della gran parte dei gioielli a cavallo del secolo fu creata da George Marcus .

L’azienda fu poi gestita da Herman Marcus e dai figli George e William che con la loro esperienza individuale; cercavano di scoprire tecniche sempre nuove per concepire gioielli innovativi pronti a stupire il mercato.

Il nome Herman Marcus (emigrato in America nel 1850), fu associato a personaggi importanti come il gioielliere di Corte di Dresda in Germania e al nome di Tiffany negli Stati Uniti.

Dopo una collaborazione con Theodore Starr, nasce la (Starr& Marcus) durata tredici anni; nel tempo il loro nome si affianca a personaggi importanti e si formano diverse società.

Herman continua a lavorare con i suoi figli, fino alla sua morte avvenuta nel 1899. Marcus nel 1962 si fuse con Black, Starr e Frost, ma a tutti gli effetti, dalla seconda guerra mondiale la produzione creativa termina.

Secondo famosi gioiellieri e critici l’azienda creava seguendo la

moda del momento e ciò che accadeva nel mondo dell’arte (Art Nouveau  e Arts & Crafts) ma con il proprio modo di fare venivano realizzati gioielli di una estetica alta, si cita una famosa collana realizzata con pietra di luna (o adularia pietra bellissima dalla lucentezza morbida e argentea un gioco di luce chiamato adularescenza) e d’argento che George Jensen sarebbe stato orgoglioso di disegnare .

Quando si pensa a quello che Marcus & Company incarna nella creazione del gioiello, si capisce l’Art Nouveau; i loro gioielli possono essere riconosciuti a vista d’occhio dall’uso dello smalto e dalle forme asimmetriche. Marcus è stato l’unico che abbia usato lo smalto su superfici arrotondate (petali foglie) mentre la maggior parte di gioiellieri americani usava la smaltatura su superfici piane.

E’ per questo che il risultato di questa tecnica rende l’oggetto a chi lo osserva di un effetto tridimensionale,i loro gioielli ricalcavano la scena ,esploravano tutte le vie dell’estetica durante il periodo Art Nouveau a seguito di Lalique.

La loro ricerca d’ispirazione fu data da fonti diverse, spesso di design islamico-persiano ed è per questo che si possono trovare pezzi allegorici in questo stile o altri che ricordano alcune lavorazioni dei metalli del medioevo.

Possiamo dire che i loro oggetti si distinguono da altri durante il periodo Art Nouveau dall’insieme di oro che dona al gioiello un “Look morbido” e pietre preziose che troviamo all’interno della composizione come un accento del “design”.

Pezzi di Marcus & Company sono disponibili il più delle volte tramite aste e sono venduti a migliaia di dollari, questo ci fa capire come Marcus resta in assoluto il modello della nascita del Periodo Art Nouveau e Art e Crafts.

Luis Masriera

Gioielliere spagnolo, Luis Masriera (1872-1958) nacque a Barcellona, attivo centro artistico dal 1890 al 1900, dove il movimento art nouveau trovò la propria base. Figlio di un pittore e orafo all’interno di una famiglia di gioiellieri e artigiani. Nel 1839 suo nonno fonda l’azienda che si trova ancora oggi a Barcellona, e per tutta la metà dell’ottocento, la produzione della casa rispecchiava in pieno il gusto per il revival storico, che si estendeva dalla classicità di Roma al gotico europeo, ma sempre con un carattere spagnolo molto pronunciato.

L'art nouveau spagnolo (o Arte Joven «Nuova Arte», da un periodico con questo nome, o Modernista) riguarda quasi esclusivamente l'architettura di Barcellona e il genio creativo di Antonio Gaudì. Quando affrontò la gioielleria il design moderno si basò essenzialmente su esempi francesi. A Luis Masriera si deve l'unico contributo importante noto sinora nel campo della gioielleria art nouveau.

Luis, all’età di 17 anni, frequentava la scuola di Belle Arti di Ginevra. Qui egli studiò sotto il famoso maestro Lossier, chegli insegnò la tecnica degli smalti, in particolare gli fece imparare l’arte della scuola di Limoges del 16° secolo. Uno dei suoi primi lavori fu un vaso smaltato, che fu regalato al presidente dell’esposizione universale di Parigi dagli espositori Spagnoli. In questa esibizione Masriera conobbe il lavoro di Lalique, un’artista che ebbe una grande influenza nei suoi futuri lavori, lo stile gotico resta, ma appare anche uno stile floreale e giapponese. In seguito con il fratello rilevò l'azienda di famiglia.

Una completa rottura con il passato, comunque avvenne, dopo l’esposizione Universale di Parigi nel 1900. Qua il movimento francese Art Nouveau si mostrò in tutto il suo splendore, e Masriera decise -così narra la leggenda-  di fondere l’intero stock del suo negozio di Barcellona e di ripartire con il nuovo stile modernista. Ebbe un grande successo in America meridionale. Nel 1906 creava anche diademi ricchi di un forte simbolismo e che sono la massima espressione del gioiello Art Nouveau spagnolo.

Molti temi di Masriera sono quelli dell'art nouveau francese, in particolare le ninfe dalle aureole floreali, le spille a uccello dalla forte influenza giapponesee una varietà di temi riguardanti il fiore,da raffigurazioni attente e realistiche a rappresentazioni organiche più simboliche. Forse il suo lavoro più peculiare è costituito dai gioielli religiosi con motivi della iconografia cattolica, quali la vergine maria con l'aureola.

Uno dei migliori gioielli di Masriera è il pendente «Isolde», creato intorno al 1900 nel momento in cui le opere di Wagner godevano a Barcellona del massimo della popolarità. E' una creazione molto allusiva e rffigura il profilo della regina che si staglia contro una finestra gotica plique a jour.

Nel 1915 Masriera fa un accordo commerciale con il gioielliere Carreras, egli stesso discendente da una famiglia di affermati commercianti.

MASSIN OSCAR

(nato 1829 – cessata l’attività 1892)

Dopo un apprendistato a Liegi, Oscar Massin si trasferì a Parigi nel 1851, dove lavorò per tre anni presso il gioielliere Fester, producendo gioielli a forma di fiori e foglie dai contorni appuntiti o tondeggianti. Nel 1854 passò a lavorare per Rouvenat e poco dopo per Viette dove ideò il diadema indossato dall’imperatrice Eugénie in occasione dell’inaugurazione dell’Exposition Universelle del 1855.

Dopo diciotto mesi di apprendistato in Inghilterra, Massin ritornò a Parigi ove divenne socio di Tottis. Qui cominciò a sviluppare uno stile particolarmente naturalistico e accurato dal punto di vista botanico e le sue composizioni floreali sono caratterizzate da grande leggerezza e perfezione tecnica.

Nel 1863 declinò interessanti proposte di lavoro sia a Londra sia a New York presso Tiffany e si mise invece in proprio aprendo un laboratorio. Le creazioni di Massin degli anni attorno al 1860 sono contraddistinte da fiori e foglie resi in maniera realistica, spesso abbinati a nastri, piume, spighe di avena e cascate di diamanti. Tra il 1865 e il 1870 realizzò i suoi lunghi orecchini pendenti con piogge di diamanti articolate, sospese a sormonti leggerissimi in modo tale da permettere ai pendenti di oscillare e riflettere la luce a ogni movimento del capo.

Attorno al 1865 perfezionò le sue montature minimizzando l’uso del metallo, così da renderle meno visibili, e in questa maniera Massin divenne uno dei precursori delle “montature illusion”. Perfezionò anche le tecniche della montatura en pampille e en tramblant, imitate poi da numerosi gioiellieri europei sino alla fine del secolo.

Il successo di Massin all’Exhibition di Londra del 1867 fu tale che gli permise di mantenere una posizione di rilievo fino al 1892, l’anno in cui si ritirò dall’attività. Oscar Massin può essere considerato uno dei gioiellieri più innovativi del XIX secolo.

MAUBOUSSIN

dal 1827

Mauboussin, casa di gioielli francese famosa per i suoi gioielli e i suoi oggetti Art Dèco e Art Rètro. Anche se le sue radici risalgono al 1827, l’azienda conquistò fama internazionale nel 1920.

La sua ascesa nei ranghi dei gioiellieri parigini d’elite è attribuita a Georges Mauboussin, un gioielliere intraprendente e di talento che entrò in azienda con suo zio, Noury ​​, come apprendista nel 1877. Presto Mauboussin divenne socio nell’attività con lo zio.Nel 1903 divenne unico proprietario.

Dopo essersi trasferito a Parigi, s’ingrandisce nell’attività e afferma la sua posizione, Mauboussin comincia a estendere la sua presenza internazionale, con la creazione di nuove boutique ed esponendo la sua gioielleria in tutto il mondo. Nel 1925, l’azienda vinse, facendo un grande primo passo in avanti: un Gran Premio per la gioielleria all’Exposition des Art Decoratif di Parigi, un colpo pubblicitario enorme, visto la concorrenza.

L’azienda in seguito si sposta al 20 di Place Vendôme, dove suo flagship store rimane ancora oggi. Nel suo periodo di massimo splendore, Mauboussin era noto per il motivo floreale ottenuto dall’intaglio delle gemme, realizzava stupende spille, ciondoli e bracciali, spesso con smalti brillanti, diamanti, con cabochon di gemme colorate.

Tra le importanti acquisizioni della società possiamo includere “diamante” Nassak, una gemma da 80 carati acquistata dal Duca di Westminster nei primi anni del 1920. Negli Stati Uniti, con il nome, Trabert & Hoeffer -Mauboussin, l’azienda si espanse, aprendo filiali ad Atlantic City, Los Angeles, Miami e Palm Beach, divenne fornitore di attrici come Marlene Dietrich e Paulette Godard con gioielli Art Dèco e Rètro.

Ancora oggi la maison Mauboussin opera nella sua sede storica di Place Vendome, offrendo alla sua clientela internazionale, gioielli di gusto attuale sempre attenti alla ricerca e alla finitura dei dettagli.

Trabert & Hoeffer, Inc Mauboussin

Nel marzo 1929, uno dei primi annunci pubblicitari della ditta newyorkese Trabert & Hoeffer, Inc. presentava un paio di orecchini di diamanti che, puntualizzava l' annuncio, era appertenuto a Caterina la Grande, Imperatrice di Russia.

La storia del gioiello era scritta da uno dei fondatori della ditta, R.J. Trabert. La Trabert & Hoeffer, Inc., aveva la sua sede al 522 della Fifth Avenue, nel Guaranty Trust & Co., Building, all' angolo con la Fourty-fourth Strett, una filiale di Parigi, al 58 di Rue Lafayette e un' altra a Detroit, Michigan, al 120 di Madison Avenue.

Il I° ottobre 1929, Mauboussin annunciava l' inaugurazione di un salone al 33 della East Fifty-first Street di New York. Il momento scelto da Mauboussin non poteva essere più sfortunato: il 29 ottobre di quell' anno crollava la borsa valori di New York.

Alla società parigina rimaneva un grosso stock di gioielleria in America. Nel disperato tentativo di ritirarsi con un minimo di perdite, Mauboussin concluse un accordo con la Trabert & Hoeffer, Inc. in virtù del quale questa avrebbe rilevato lo stock ed il nome di Mauboussin; così la nuova azienda si chiamò Trabert & Hoeffer, Inc - Mauboussin.

Nei primi anni '30 la ditta si trasferiva in Park Avenue, sulla Fifty-fifth Street, e apriva filiali a Los Angeles, Atlantic City, Miami Beach, Palm Beach e Parigi. La firma si identificava con una linea unica di gioielli in oro, chiamata "Reflection" cioè "La vostra personalità in un gioiello".

I gioielli della linea "Reflection" furono i primi a sviluppare, in America, quelle moderne tendenze derivate dall' Europa che si erano viste all' Esposizione Coloniale di Parigi nel 1931.

Erano stati enfatizzati in questa sede, l' oro giallo e i materiali esotici, quali l' avorio, l' osso, la pelle di lucertola, i legni tropicali e gli artigli di pantera. I materiali esotici non avevano affascinato gli americani, attratti invece dall' oro giallo e dalle grandi, coloratissime pietre semi-preziose.

I gioielli di questa linea non potevano essere seguiti senza fusione; essi rappresentavano una felice, precoce applicazione della tecnologia più avanzata. Alla stregua di quelli europei, presenti all' esposizione i gioielli "Reflection" - in questo unici, in America - erano in oro giallo a 18 carati e si componevano di pietre semi-preziose ( che a quel tempo avevano scarso valore).

La fusione permetteva al produttore di fabbricare dei gioielli con elementi standardizzati; il cliente poteva raggrupparli nel modo che preferiva per creare un gioiello adatto alla sua personalità, e questa possibilità era stata, fino ad allora, prerogativa del ricco. Anche se gli oggetti di quest linea non erano interamente fabbricati a mano, venivano tuttavia rifiniti a mano e il costo era contenuto.

Durante il periodo di restrizione finanziaria degli anni '30 alla linea "Reflection" fu fatta grande pubblicità: i gioielli avevano un' aria raffinata, da lavoro eseguito su ordinazione, ad un prezzo abbordabile.

Divenerro immediatamente popolari e, sul finire del decennio, i disegni si erano affinati a tal punto da riflettere realmente i tempi, giustificando così appieno il nome dato alla serie: invece della linea angolosa tipica ddel gusto precedente, i loro contorni erano definiti da linee sinuose. Era già un' anticipazione della rivoluzione che stava per verificarsi nel design americano.

MEISTER

La maison Meister fu fondata nell’ottobre del 1881 da Emil Meister con l’apertura di un negozio nel centro di Zurigo. Il successo gli permise ben presto di trasferirsi in una sede più grande situata nel famoso Hotel Baur en Ville nel Paradeplatz.

Nel 1941 Walter Meister prese nelle sue mani l’attività del padre e presto si rese famoso per gioielli di alta qualità di disegno e di manifattura, montati con gemme molto preziose.

Nel 1975 la maison Meister si trasferì in una sede ancor più grande situata nella Bahnhof Strasse, mentre il reparto degli argenti rimase nella sede del Baur en Ville.

Dopo la morte di Walter Meister, nel 1986, la direzione dell’attività passò nelle mani del figlio Adrian Meister.

I gioielli di Meister sono di solito firmati: E. MEISTER oppure contraddistinti dalle iniziali EM.

MELILLO GIACINTO

Napoli, 1846-1915

Originale interprete dello stile classico e raffinato imitatore dei monili di scavo, Giacinto Melillo è prima allievo e poi direttore dell’atelier napoletano fondato nel 1858 da Alessandro Castellani.

Nel 1870 apre una bottega propria in piazza dei Martiri nn. 54-55, continuando a collaborare con l’orafo romano. Dai contemporanei la sua produzione è descritta come “oreficeria archeologica ed etrusca, in oro puro, riprodotta dalle principali collezioni di Roma”.

In un primo tempo, infatti, sentendo l’influenza dei maestri Castellani, la principale fonte di ispirazione è la collezione Campana, successivamente sono copiati i gioielli rinvenuti negli scavi di Ercolano e Pompei. Accanto a questa produzione Melillo utilizza elementi stilistici di provenienza eclettica per comporre opere a volte ridonanti di minuti particolari, ottenuti a granulazione con peculiare virtuosismo esecutivo, peraltro segnalato già dalla critica coeva.

Nel 1903 numerosi oggetti vennero acquistati presso l’atelier partenopeo dal collezionista americano Henry Walters. Di questi una parte è conservata nella stessa collezione Walters al Museo di Baltimora (cinque collane con scarabei etruschi, egizi e con gemme romane).

Il marchio dell’orafo, il monogramma “GM”, non sempre è riscontrabile nelle sue opere, a volte è presente la firma per esteso “G.MELILLO NAPOLI”.

MELLERIO dits MELLER

Già nel ‘500 i Mellerio erano conosciuti come una famiglia di orafi lombardi. In seguito alla battaglia di Marignano del 1515 emigrarono, come molti altri, dall’Italia settentrionale alla Francia e si stabilirono a Parigi. La leggenda vuole che fosse un giovane spazzacamino, originario di Villette in Italia, a scoprire un complotto contro il giovane re Luigi XIII e la reggente Maria de’ Medici.

Il piano fu rivelato alla regina dal console dei Lombardi, Jean Marie Mellerio. A riconoscimento dei suoi servigi alla corte, Mellerio e altri artigiani lombardi ricevettero protezione reale sotto Maria de’ Medici e in particolare i Mellerio furono distinti dal nome Mellerio dits Meller. La protezione reale fu rinnovata diverse volte specialmente quando artigiani italiani, quali gioiellieri e orafi, vennero a soffrire per l’iniqua concorrenza delle corporazioni parigine e provinciali.

I registri del re includono documenti che attestano che la famiglia di orafi e gioiellieri Mellerio ricevette completa libertà di continuare la sua attività sotto Luigi XIII, nel 1613 e nel 1635, e più tardi sotto Luigi XIV nel 1645, e ai tempi di Luigi XV nel 1716, 1760 e 1766. I Mellerio, in questo modo, godettero di continua protezione e patrocinio reale.

I Mellerio aprirono un negozio in rue des Lombards nel 1750 e poi in rue Vivienne. In questo periodo lavorarono per la corte di Versailles e furono patrocinati dalla regina Maria Antonietta. Durante la rivoluzione, Jean Baptiste Mellerio si rifugiò in Italia ma ritornò a rue Vivienne nel 1796. Sotto la guida di Francois Mellerio, il periodo del primo impero fu un momento di grande crescita per la casa, com’è documentato dai registri della ditta che si sono conservati dal1780. Tra le illustri personalità citate in questi registri sono da ricordare: Napoleone I e l’imperatrice Josèphine Beauharnais, Paolina Borghese e Carolina Murat, regina di Napoli, oltre a numerosi marescialli dell’impero e principi della corona.

Durante la restaurazione i Mellerio si trasferirono al numero 9 di rue de la Paix, che rimane tuttora il loro indirizzo. Durante la monarchia di luglio (1830-1848) i Mellerio furono gioiellieri della regina Amélie e di Louis Philippe.

I Mellerio aprirono filiali a Baden-Baden e Madrid 1848) e a Biarritz (1862). L’imperatrice Eugénie e Napoleone III, che usavano trascorrere le vacanze in quella località, erano tra i migliori clienti della casa nel periodo del secondo impero (1852-1870).

Durante questi anni numerosi membri delle famiglie reali patrocinarono i Mellerio: tra questi le regine del Belgio, della Svezia e della Gran Bretagna. La collezione di disegni d’archivio da loro conservata costituisce una testimonianza unica di questo periodo. Nel XIX secolo si specializzarono pure in oreficeria ecclesiastica. Dal 1936 in poi i Mellerio hanno creato le spade per gli accademici di Francia e nel campo dello sport hanno realizzato trofei quali la coppa per il torneo di tennis Roland Garros.

La quattordicesima generazione della famiglia dirige oggigiorno la casa Mellerio dits Meller. Francois Mellerio ne è presidente e Olivier Mellerio direttore generale. La ditta Mellerio fa parte dell’associazione La Haute Joaillerie de France ed è la gioielleria più antica a far parte de Comité Colbert che riunisce settanta tra le più prestigiose case di beni di lusso in Francia. Recentemente Mellerio ha aperto vari negozi in Giappone con particolare successo.

I gioielli di Mellerio sono solitamente firmati con il nome completo: MELLERIO DITS MELLER.

Edward Chandler Moore (30 agosto 1827 - 2 agosto 1891) era un noto argentiere americano, collezionista d'arte e benefattore del Metropolitan Museum of Art.

Moore nasce a New York City, dove suo padre, John Chandler Moore, era un noto argentiere e imparò la sua arte nella bottega del padre. Dal 1848 al 1851 divenne suo socio e quando suo padre si ritirò Moore continuò il lavoro. Moore era già un argentiere di grande successo quando stipulò un contratto esclusivo con Tiffany & Co. in base al quale avrebbe lavorato esclusivamente per lui come artigiano esterno indipendente. Nel 1868 entra a far parte dell'azienda, lavorando come capo designer d'argenteria dell'azienda fino alla sua morte nel 1891. Moore fece molti miglioramenti nei processi di produzione, aggiungendo le posate al catalogo d'argento di Tiffany nel 1869.

 

Moore accumulò una notevole collezione d'arte, con particolare attenzione all'arte dal Giappone, dal mondo islamico e dall'antica Grecia e Roma.  La sua collezione contiene da qualcosa come 1.600 - 1.700 pezzi. Ha iniziato a studiare oggetti per realizzare i suoi progetti, e successivamente ha iniziato a collezionarli. Un tempo dedicò la sua attenzione alle porcellane giapponesi e cinesi, e in seguito alle decorazioni persiane. Con il passare del tempo si interessò alle vecchie porcellane lucide che ora formano una parte particolarmente ricca della collezione. La sua collezione comprende antichi vetri romani, ciprioti, etruschi, merovingi, veneziani, persiani, arabi, tedeschi e spagnoli; Ceramiche cinesi, giapponesi, coreane, ispano-moresche, rodiane, damasco e persiane; Lavori in ferro persiano, turco e indiano, incluso il saraceno del XII e XIII secolo, così come bronzi, spade tzuba cinesi e giapponesi; Inro giapponese, netsuke, lacca e sculture in legno e avorio; e gioielli orientali, lacca persiana, paglia antica intagliata francese e veneziana e una raffinata collezione di figurine Tanagra.

Ha lasciato in eredità molti oggetti della sua collezione al Metropolitan Museum of Art di New York.

Il Metropolitan Museum of Art di New York, che ospiterà una mostra delle opere di Moore nel 2020, descrive Moore come "la forza creativa che ha portato Tiffany & Co. a un'originalità e un successo senza pari durante la seconda metà del diciannovesimo secolo."

Morì nella sua casa estiva a Hastings-on-Hudson, New York.

MISSIAGLIA

Venezia, dal 1839

Angelo Missiaglia (Venezia, ? – 1887) nel 1839 apre la gioielleria, tuttora operante, in piazza San Marco a Venezia e la conduce fino al 1870. Alla sua morte, la ditta, pur conservando il nome Missiaglia, si tramanda per discendenza muliebre, avendo avuto Angelo soltanto figlie femmine.

La produzione rimane a lungo legata a classici stilemi ottocenteschi, ma nel Novecento risulta sempre più impegnata a uscire dal canone tradizionale per rispondere alle esigenze di un gusto moderno più consono all’alta gioielleria internazionale con riferimento via via  ai gioielli colorati art déco, ai gioielli bianchi degli anni trenta, allo stile anni quaranta e anni cinquanta.

L’azienda è presente in numerose esposizioni e naturalmente in tutte le Biennali di Venezia, alla cui edizione del 1930 riscuote particolare successo la creazione di un braccialetto snodato in platino e brillanti raffigurante due pantere stilizzate che si sfidano con una perla nera al centro.

Nel 1946 assume le redini dell’azienda Ottavio Croze (Venezia, 1902-1976), marito di una pronipote di Angelo Missiaglia, che nel 1951 si aggiudica il Premio “Diamonds Internetional Awards” per la creazione di una coppia di spille a stella in platino e brillanti battezzate Sorelle, ma non gemelle.

A Ottavio Croze succedono Ottavio junior (Venezia, 1938-1993) e Marco Croze (Venezia, 1940), che tuttora conduce l’azienda (con marchio “VE 52”).

Negli anni sessanta, settanta e ottanta, che vedono lo stile italiano sottrarsi progressivamente all’egemonia francese, la ditta Missiaglia conserva il filone tradizionale ispirato alla classica gioielleria veneziana, popolato di moretti, personaggi indiani, simboli cittadini come il folkloristico cappello del gondoliere, ma lo accompagna con un fascinoso e colorato bestiario che invade braccialetti, spille e collier.

Questi ultimi anni registrano invece un deciso ritorno alla produzione pressoché esclusiva di motivi, colori, forme, tradizionalmente legati all’iconografia veneziana: il gioiello associato a un valore sentimentale è quindi inteso come souvenir della città lagunare.

MUSY

Torino, dal 1707

Per apprendere la professione di orologiaio, nel 1700 Giacomo Musy (Massongy (presso Annecy, Francia), 1676 - Torino?), si trasferisce a Ginevra. Poi, nel 1707, apre a Torino una bottega in proprio, patentata d’orologeria e oreficeria, contigua a quelle di vari altri fornitori reali, nel padiglione che univa Palazzo Madama a Palazzo Reale.

Collaborano con Giacomo Musy i due figli (Luigi, che nel 1754 è riconosciuto maestro orologiaio dal Consolato si Sua Maestà, e Claudio, che riceve la patente di orologiaio e orefice della Real Casa nel 1765), i quali ben presto si guadagnano il favore del principe Carlo Emanuele III.

I successori (Pietro Nicolao, figlio di Luigi, aiutato poi dai figli Carlo Luigi e Stefano Amedeo) consolidano la reputazione della Casa che diventa fornitrice abituale dei Savoia e dell’aristocrazia di Torino.

Nel 1815 un incendio disastroso del padiglione reale costringe i Musy al trasferimento dell’attività in via Po, nella casa del marchese Ferdinando dal Pozzo, ove è poi rimasta fino ai giorni nostri.

Pietro Nicolao muore nel 1818 e i figli Carlo Luigi e Stefano Amedeo Musy proseguono l’opera paterna orientandola tuttavia a privilegiare la gioielleria e l’oreficeria rispetto all’orologeria e coltivando frequenti contatti con Ginevra e Parigi.

Antonio Musy (figlio di Carlo Luigi), in particolare, sceglie per la propria formazione professionale di lavorare vari anni nell’atelier di Vacheron et Constantin a Ginevra, prima di tornare nell’agosto del 1861 all’azienda di famiglia, a cui si dedicano anche i fratelli Giuseppe e Vincenzo.

Torino, ora capitale d’Italia, diventa ancor più di prima un centro di riferimento politico-economico e mondano, nazionale e internazionale, e quindi un ambiente sempre più favorevole per il commercio della gioielleria e dell’argenteria, settori a cui è orientata ormai quasi esclusivamente l’attività dei Musy, sempre prettamente fedele a stilemi settecenteschi e ottocenteschi. Nel 1865 il negozio assume l’attuale facciata, che nel fregio incorpora gli stemmi sabaudi, su progetto dell’ebanista Andrea Perelli.

I Musy rimangono fornitori ufficiali della Real Casa, a lungo prediletti, in particolare, dalla regina Margherita di Savoia, grande appassionata di gioielli.

Nel 1868, la futura regina si era già rivolta a loro, in occasione del suo matrimonio, per far rimontare due grandi bracciali di diamanti, e pochi mesi dopo aveva commissionato una stupefacente spilla a fiocco in diamanti.

Ma la preferenza era continuata anche dopo l’ascesa al trono (1878): basta ricordare il diadema speciale eseguito nel 1883, disegnato da dodici volute in diamanti e perle, dono del re Umberto I alla moglie Margherita per Natale; e lo splendido diadema nuziale di diamanti a cinque fioroni, regalo del re alla nuora Elena del Montenegro, per la cui realizzazione Margherita aveva fornito a Musy alcuni gioielli della sua collezione privata.

La qualità di fornitore della Real Casa si concretizza comunque anche in costanti richieste di piccoli gioielli, particolarmente indicati per i doni di corte (soprattutto monogrammi, carnet da ballo, fermacravatte) e naturalmente in consistenti richieste di gioielli avanzate dalla clientela aristocratica e facoltosa in genere.

Nel 1878 dopo quasi due secoli di guida aziendale riservata esclusivamente a componenti della famiglia Musy, a fianco di Amedeo, Vincenzo e Luigi Musy, avviene l’ingresso di Mario Roggero, seguito qualche anno dopo dal fratello Carlo, marito di Katy Musy, figlia di Luigi: un evento che muta profondamente l’impostazione dell’attività, con il tentativo, coronato dal successo, di porre fine alla dipendenza delle forniture esterne per dare vita a una produzione propria anche di gioielleria (e non più di sola argenteria) secondo le forme più raffinate, con disegni propri e manodopera nazionale.

Questa produzione di gioielleria mantiene sostanzialmente l’ispirazione ottocentesca, in sintonia con i gusti di una committenza aristocratica e alto-borghese che non gradiva adesioni estemporanee a mode passeggere; tuttavia non nasconde una certa entusiastica propensione anche verso le nuove tendenze dettate dall’art nouveau o stile floreale o liberty, come si chiama in Italia.

I Musy, protagonisti di primo piano della Mostra Torinese del 1902, evento cardine del modernismo italiano, nei loro fastosi stand, in perfetto stile floreale, espongono infatti, accanto a eleganti servizi da tavola, creazioni di alta gioielleria eseguite sia nel tradizionale “stile ghirlanda” sia nel nuovo stile art nouveau, e a queste ultime, anzi, devono il riconoscimento della massima onorificenza e cioè il diploma di onore.

Gli artisti Giorgio Ceragioli, Giacomo Grosso ed Edoardo Rubino sono gli ispiratori di Mario Roggero nella produzione liberty più interessante.

La ditta Musy si esprime nell’estetica art nouveau, interpretandola in composizioni semplici e lineari di grande chiarezza formale, la cui eleganza ornamentale è rivelata dalla sobrietà dei motivi decorativi, in cui dominano linee sinuose spaziate a “colpo di frusta” di stampo secessionista, e da temi naturalistici, mai espressi con il realismo del XIX secolo: fiori (per lo più iris, cardi, fuxie), animali (insetti, uccelli, galli, rettili), ma anche volti e corpi sinuosi di donna.

Sono gioielli in cui il valore estetico e artistico prevale decisamente su quello intrinseco dei materiali preziosi che li compongono.

Nei decenni successivi la produzione conserva due linee stilistiche distinte perché accompagna la tradizionale ispirazione ottocentesca con le nuove tendenze che l’alta gioielleria parigina di volta in volta propone attraverso il tempo dell’art déco, quello dei gioielli bianchi anni trenta, e quello dei monili in oro giallo degli anni quaranta e cinquanta.

Oggi la ditta prosegue con Paolo e Luigi Amedeo Roggero e i loro fratelli, diretti discendenti dei nonni Katy Musy e Carlo Roggero, privilegiando una produzione di gioielli e argenterie tradizionali, senza concessioni a mode effimere.

NARDI VENEZIA

Giulio Nardi (1897 – Venezia, 1976), toscano d’origine, apre ancora giovane una gioielleria in piazza San Marco, a Venezia, città che resterà principale fonte di ispirazione durante tutta la vita. I suoi gioielli si fregiano di tecniche artigianali, sempre estremamente raffinate, conformi alla tradizione dell’oreficeria veneziana del XVIII e del XIX secolo.

Tra le creazioni che ottengono un successo largo e incondizionato vi è il moretto, dai paludamenti ricchi ed eleganti, reminiscenza dell’Otello di Shakespeare e grande classico dell’iconografia veneziana.

Le pietre che compongono il tema del moretto, sono intagliate nell'ebano, nella sardonica oppure nel calcedonio, raffigurano il busto di un moro veneziano e si dice che siano state ispirate dall'Otello, comandante della flotta veneziana.

Sfruttato come spilla, anello e orecchini, caratterizza al meglio la creatività della gioielleria Nardi negli anni trenta, e anche negli anni successivi fino ai nostri giorni, è apprezzato da personalità tanto diverse come Ernest Hemingway, Barbara Hutton, Liz Taylor, Arthur Rubinstein, Grace Kelly, Paola di Liegi.

Trasmessa da Giulio al figlio Sergio, poi al nipote Alberto, la firma Nardi, che dal 2002 ha una succursale a New York al n. 730 della 5° Strada, oggi si presenta con due linee di produzione parallele: l’una  di classica ispirazione veneziana che ha per simbolo il moretto, in molte versioni, l’atra più contemporanea e innovativa basata sulla purezza del design e l’utilizzo di forti contrasti cromatici delle gemme preziose e semipreziose e l’utilizzo di materiali meno usuali come l’opale peruviano.

1920 Giulio Nardi Nardi fonda l'azienda e  inizia la produzione spille a foggia di "moretto".

1931 Giulio passa l'azienda Nardi al figlio Sergio.

1967 Alberto Nardi, nipote di Sergio prende il sopravvento.

NITOT ETIENNE(1750-1809)

Cominciò la sua carriera di orefice lavorando in un piccolo negozio di oreficeria e di orologeria. Divenne poi uno dei più importanti gioiellieri del primo Impero e, assieme a Foncier, un altro famoso gioielliere parigino, ottenne l’incarico di rimontare i gioielli della corona francese in occasione dell’incoronazione di Napoleone nel 1804.

Quando Foncier si ritirò dall’attività, Nitot divenne il gioielliere preferito dell’imperatrice Joséphine. Alla sua morte, nel 1809, l’attività passò nelle mani di uno dei suoi quattro figli, Francois-Regnault Nitot, da qualche tempo coinvolto negli affari di famiglia, il quale continuò a essere gioielliere preferito di Napoleone e di Joséphine. Nel 1815, quando Francois-Regnault Nitot si ritirò dall’attività, gli affari passarono nelle mani di Fossin.

Oscar Heyman & Brothers

Conosciuti negli Stati Uniti come i gioiellieri dei gioiellieri, la firma americana Oscar Heyman & Brothers, è stata ed è ancora oggi una fabbrica di raffinata gioielleria fin dalla sua fondazione nel 1912.

La casa, infatti, era fornitrice delle più grandi firme di gioielleria del mondo, e ancora oggi dopo diverse generazioni, produce i propri gioielli nello stabilimento di New York. A dispetto di guerre mondiali, recessione, e depressione, la compagnia ha non solo ha sopportato, ma ha continuato a produrre eccellenti gioielli per la propria clientela, pezzi che oggi sono molto ricercati dai collezionisti.

Come spiega il nome, la compagnia fu fondata da due fratelli, Nathan, Oscar e Harry Heyman, i quali immigrarono negli Stati Uniti dalla Lettonia. Nathan e Oscar arrivarono negli Stati Uniti nel 1906, e fu una classica storia d’immigranti, infatti, un anno più tardi arrivarono il padre e il fratello più giovane Harry. Un paio di anni dopo anche il resto della famiglia li raggiunse.

Mentre Oscar e Nathan non avevano nessuna conoscenza della lingua inglese, per contrappunto possedevano una grande maestria nella lavorazione del platino, infatti, avevano svolto un apprendistato presso lo zio che produceva pezzi per Carl  Fabergè. Questo gli diede modo di apprendere tutte le tecniche e i segreti per lavorare e forgiare questo metallo e di trovare un posto nel mondo della gioielleria americana che aveva appena iniziato a conoscere e lavorare il platino.

Oscar iniziò a produrre oggetti per Cartier nel 1909, distinguendosi per essere il primo fornitore di questa casa che non parlava francese, “fu un rapporto meraviglioso”, che durò decenni, decenni, e decenni, e culminò nella commissione del collier disegnato per ospitare il famoso diamante che Richard Burton regalò a Liz Taylor.

Appena arrivato Harry trova il suo posto nel mondo della gioielleria lavorando per la ditta che allora si chiamava Cohen & Heyman. La sua abilità era tale che entro sei anni il suo nome divenne inscindibile dagli altri fratelli. Quando Mr. Cohen si ritirò, Oscar si alleò con i fratelli.

Nella nuova firma, fondata come Oscar Heyman & Brothers, nel 1912, Nathan si occupava della parte amministrativa, Harry della fabbrica e Oscar della vendita. Vi furono poi altri fratelli e sorelle più giovani che si affiancarono nel lavoro di quella che stava diventando una grande casa, e fu un affare di famiglia fin dall’inizio, per questo l’azienda ha resistito agli alti e bassi che si sono succeduti nel corso dei suoi cento anni di attività.

Mentre l’esperienza nella lavorazione del platino era parte del DNA della casa, Oscar Heyman produceva anche gioielleria  in oro giallo 18k, tutto questo iniziò quando per gli effetti della II° guerra mondiale il platino venne requisito per motivi bellici, infatti ancora oggi il 90% di tutto quello che la casa produce viene realizzato in platino, vi sono stati periodi come gli anni 80 e 90, in cui la moda dell’oro giallo era molto forte, che il rapporto è stato di 60% platino  e  40% oro.

Un altro marchio di fabbrica dell’azienda è stato l’utilizzo delle gemme di colore. Insieme agli smeraldi, rubini e zaffiri, c’era una presenza costante di crisoberilli occhio di gatto, rubino e zaffiro stellato e alessandrite. Furono tra i primi che organizzarono frequenti viaggi verso Ceylon alla ricerca di queste gemme, pratica che dura ancora oggi fin dagli anni ’50, periodo in cui la tavolozza dei colori delle gemme, tra cui gli zaffiri, tendeva molto verso i colori pastello.

Nel vasto patrimonio della storia dell’azienda emerge una creatività nel design dei gioielli molto importante, fruttando alla casa una vasta serie di brevetti, in particolare alcune lavorazioni per bracciali lineari che divennero molto popolari ai tempi del cinema muto. Era alla moda indossarne due, tre o anche quattro insieme, altri brevetti furono acquisiti per un sistema di produzione di spille a doppia clip negli anni ’30.

Oscar Heyman associa il suo nome anche all’incastonatura invisibile, di cui fu pioniere la casa Van
Cleef & Arpels. Capirono come realizzarla e tentarono un approccio con la Van Cleef. Ebbero un lungo e durevole rapporto con questa casa, realizzarono in esclusiva per loro la gioielleria che richiedeva questa tecnica, dagli anni ’30 fino a quando la casa fu comprata dal gruppo Richemond. Oggi questo genere di gioielleria continuano a farla per se stessi. Altri disegni iconici sono gli “ entourage rings” con diamanti ovali a contorno di una gemma colorata, i bracciali del revival egizio, eseguiti tra il 1920. Nel 1930 la casa debutta con le spille floreali che diventeranno un altro segno distintivo della loro produzione, Pansè, orchidee, gardenie, rose e gigli, che vinsero riconoscimenti nella fiera di New York del 1939.

Durante la grande depressione, Oscar Heyman trova una via creativa per restare a galla, mentre le altre aziende fallivano. La casa disegnò l’anello “5 ranghi” nel quale questi si alternavano tra diamanti rotondi e baguette di smeraldi, rubini o zaffiri. Usato anche negli orecchini, questo modello, era realizzati anche a 5 o 7 ranghi. Fu un modello che li tenne fuori dalla grande depressione, e che è prodotto ancora oggi, diventando il gioiello più riconoscibile della casa.Tutti li conoscono per l’incastonatura invisibile realizzata per Van Cleef & Arpels, ma questo anello è un puro esempio di art dèco, e racchiude tutti gli elementi della Oscar Heyman, è un gioiello riconoscibile, perfettamente proporzionato e calza perfettamente sulle mani di una donna, le gemme sono assortite in maniera perfette per colore racchiuse in una discreta eleganza.

Per i collezionisti, il periodo art déco è quello più richiesto. Anche i pezzi realizzati nel dopoguerra seguono gli stessi standard di qualità, e saranno per questo molto ricercati in seguito.

PALOMA PICASSO

Figlia di Pablo Picasso e Françoise Gilot, è nata a Parigi nel 1949. Paloma ha trascorso la sua
infanzia nel sud della Francia e ha poi studiato a Parigi nell’università di Nanterre. Nel 1969, dopo aver seguito un corso di design del gioiello e di oreficeria, presenta la sua collezione di bigiotteria per Yves Saint Laurent. Tra il 1972 e il 1973 Paloma disegna i gioielli per Zolotas.

Nel 1973, dopo la morte del padre, si dedica al museo Picasso, che viene inaugurato a Parigi nel 1983. Qualche anno dopo Paloma riprende la carriera di designer di gioielli e nel 1980 presenta una collezione per Tiffany & Co.

Il museo Field di storia naturale acquistò per la sua collezione permanente un bracciale di Paloma Picasso incastonato con 408.63 carati di pietre di luna, impreziosito con un motivo a forma di fulmine in pavè di diamanti.

Nel 1984 in collaborazione con la casa di cosmesi L’Oréal, lanciò il proprio profumo. Nel 1988 ricevette dal gruppo Hispanic Design Inc. un premio per essersi didtinta nell’ambito del design del gioiello, I gioielli di Paloma Picasso sono caratterizzati da forme imponenti, vivacità di colori insolitamente combinati oppure grandi superfici lucide di metallo prezioso.

Tra i suoi motivi preferiti sono quelli a forma di fulmine e a forma di X. Attualmente continua a lavorare per Tiffany.

PAULDING FARNHAM

Probabilmente il più eminente tra i disegnatori di gioielli dell'Ottocento che lavoravano per Tiffany and Company.

Nel 1885, alla tenera età, per allora, di 26 anni, G. Paulding Farnham si  iscrive al reparto progettazione alla Tiffany's. Studiando con Edward Moore Farnham presto si distinse come abile ed innovativo artista                                                                                     .

Gli fu data la responsabilità, insieme a Moore, di progettare i gioielli per l’Esposizione Internazionale di Parigi del 1889 e fu universalmente riconosciuto come il genio dietro il successo di Tiffany lì, quando la ditta vinse, per la prima volta per una casa, sei medaglie d'oro nella stessa manifestazione.

In particolare, Farnham's si distinse per le sue orchidee smaltate, così fedeli nei dettagli agli esemplari reali che fecero scalpore. Come Gustave Stickely, leader del movimento Arts & Crafts ammise, "La copia di fiori in gioielleria, ovviamente, non è cosa nuova ... ma le orchidee dei signori Tiffany, le prime che vediamo, e sono sicuramente impossibili da superare o eguagliare, sia per la bravura nell’imitazione della realtà che per la perfezione di lavorazione".

"La critica francese condivise la sua opinione".

Vennero, inoltre, colpiti dalla varietà dei disegni colorati, ispirati da varie fonti: ceramica Native American, e le mode Luigi XIV, XV, XVI, dal Giappone, dai gioielli dall’india; e dall’Europa orientale.

Nel 1900, Farnham contribuì a ripetere il trionfo, quando Tiffany vinse il Gran Premio per i suoi gioielli al Salone. Il successo fu attribuito alla sinergia tra Farnham e il gemmologo della casa, George Frederick Kunz, che gli fornì una fantastica gamma di pietre colorate tra cui le perle conch, il topazio rosa, il granato Demantoide, opali messicani di fuoco, zaffiri del Montana, e turchese dell’Arizona.

Nonostante il successo Farnham, probabilmente per gelosia dovuta alla sua bravura, fu detronizzato come design director presso Tiffany due anni dopo, nel 1902, Louis Comfort Tiffany assunse il ruolo di suo padre quando questi morì.

Nel 1908, Farnham dimessosi dalla Tiffany and Company a causa di controversie creative con LCT. Andò all’ovest, lasciando la sua famiglia e si stabilì a Mill Valley, in California, dove terminò la sua carriera come pittore.

Elsa PerettiE’ nata a Firenze nel 1940 e in seguito studiò a Roma. Dopo aver conseguito una laurea
in architettura d’interni, lavorò per un architetto milanese. Qualche anno più tardi si trasferì a New York, dove cominciò a indossare creazioni dei suoi amici designer. Nel 1969 realizzò i suoi primi gioielli in argento: una fibbia a forma di cuore e dei pendenti a forma di piccole anfore che furono mostrati con la collezione moda di Halston.

Da allora in poi continuò a disegnare gioielli e nel 1971 ottenne il Cory Award per le sue creazioni. Nel 1974 Elsa Peretti si associò a Tiffany & Co, una delle sue prime creazioni per la maison, «Diamonds by the Yard», generò un vero e proprio furore. Nel 1981 ricevette il Rhode Island School of Design President‘s Award, nel 1983 il College Albert Einstein Spirit of Achievement Award e infine nel 1986 il Fashion Group Night of the Stars Award.

Il museo di belle arti di Boston e quello di belle arti di Huston ospitano come parte della loro collezione permanente ornamenti create da Elsa Peretti e donate da Tiffany & Co.

Elsa Peretti vive e lavora tra Toscana, Spagna e New York e continua a disegnare esclusivamente per Tiffany. I suoi disegni, realizzati solitamente in argento o in oro, sono imponenti e caratterizzati solitamente da forme biomorfi, (fave, gocce e cuori) in cui viene sfruttato l’effetto di luci e ombre solitamente associato alla scultura.

Elsa Peretti firma i suoi gioielli PERETTI, in lettere maiuscole, facendo seguire o precedere la scritta TIFFANY & Co.

PETOCHI

Roma, dal 1884

I cugini Alessandro e Giuseppe Petochi (nati a Trivigliano-Fruggi intorno al 1850) giungono a Roma nel 1876. Dopo aver appreso l’arte orafa nel laboratorio di uno zio, aprono un’attività in proprio nel 1884, dapprima in via della Croce n.50, poi in via dei Pontefici n. 49. Il laboratorio, nel quale lavorano fino a venti addetti, comprende anche uno spazio di esposizione e vendita dei gioielli: classici, ricchi ed eleganti, conformi al gusto del XIX secolo.

Il maggior successo arriva a partire dagli anni venti, quando Giuseppe Petochi, ormai assistito dal figlio Domenico (Roma, 1891-1975), trasferisce la sede dell’attività all’interno di palazzo Torlonia, in via Bocca di Leone n.79 e viene a contatto con il principe Alessandro Torlonia, che contribuisce a farlo conoscere anche presso altre famiglie nobili romane, tra cui i Borghese, i Colonna, gli Odescalchi, i Pallavicini, i Del Drago, solo per citarne alcune, che diventano suoi clienti fedeli anche grazie alle doti di discrezione, qualità assai importante del rapporto professionale.

La loro reputazione, ormai affermata, è tale da meritare la fiducia dei più importanti regnanti d’Europa e naturalmente della Casa Reale italiana, di cui diventano fornitori.

Nel 1934 in occasione della nascita della primogenita Maria Pia, il principe Umberto di Savoia fece rimontare da Petochi una rivière in diamanti appartenuta alla nonna Margherita, per donarla alla moglie Maria José.

Partecipano a numerose esposizioni nazionali, internazionali e in particolare si segnala l’Esposizione Universale di New York del 1939.

Nel 1942 la sede della gioielleria si trasferisce in piazza di Spagna n.23 (nello stesso palazzo, dove era attivo tra il 1860 e il 1880 il gioielliere francese Pierret, specialista in gioielli d’ispirazione archeologica).

La produzione della gioielleria Petochi risulta soprattutto improntata a un gusto tradizionale ottocentesco, per lo più ispirato da motivi naturalistici, e si caratterizza, oltre che per la straordinaria lavorazione artigianale, per la capacità di realizzare modelli esclusivi, su misura, spesso smontabili e multiuso, in grado di soddisfare anche le più particolari esigenze del cliente.

Né mancano esemplari riconducibili al gusto art déco, ai gioielli bianchi anni trenta, ai gioielli in oro giallo degli anni quaranta e anni cinquanta.

La tradizione continua: Domenico è affiancato dal figlio Alessandro (Roma, 1915-1985), a sua volta sostenuto dai figli Domenico (Roma, 1949-1985) e Giuseppe (Roma, 1946).

Attualmente la gioielleria è diretta dal Giuseppe Petochi, pronipote del fondatore, che lavora nell’azienda di famiglia dall’età di dodici anni.

E’ sua la decisione di puntare, oltre che sui gioielli tradizionali importanti, anche su linee più portabili con pietre semipreziose e soprattutto accessibili a un più vasto pubblico.

PIERRET ERNESTO

Parigi, 1824 - Roma, 1870

Nato a Parigi, nel 1845 Ernesto Pierret è a Roma e nel 1857 apre bottega in piazza San Firenze, dal 1860 trasferita in via dell’Umiltà n.26. Dal 1864 al 1867 è console degli orafi romani. Nel 1869 la bottega è in piazza di Spagna n.20 e Pierret è segnalato come uno dei primi orafi capitolini, specializzato nella copia di gioielli antichi.

Le sue opere, tecnicamente raffinate, sono stilisticamente molto vicine a quelle dei Castellani, tanto da lasciar ipotizzare l’uso nei suoi atelier di manodopera comune: simili sono le tecniche (filigrana, granulazione, mosaico minuto) e i materiali (cammei con soggetti neoclassici e gemme incise), però maggiore è la libertà di Pierret nell’utilizzo delle fonti.

Nel suo repertorio sono rare le copie di monili archeologici, egli preferisce riprendere singoli soggetti o elementi decorativi e inserirli in un contesto formale moderno, dal tono classico, ma scevro di appesantimenti eclettici. Le opere portano la firma per esteso posta su una placchetta ovale saldata, talvolta le iniziali del nome e del cognome sono intrecciate e inserite in un cartiglio. L’attività passerà a Luigi, che parteciperà all’Esposizione di Torino del 1884, esponendo, accanto ad arredi preziosi, trionfi e centrotavola, ancora una collezione di gioielli in stile archeologico.

PISTRUCCI BENEDETTO